Paul McCartney es una leyenda viviente, pero ni siquiera los más grandes se salvan de cometer errores. A lo largo de su carrera, algunos de sus discos fueron duramente criticados, aunque con el tiempo sus fans los han defendido con pasión. Aquí te contamos sobre esos álbumes que la prensa destruyó, pero que el público convirtió en tesoros ocultos.

Wild Life (1971): El debut criticado de Wings

Después de The Beatles, Paul McCartney formó Wings, pero su primer álbum Wild Life no fue precisamente aclamado. La crítica lo llamó “apresurado” y “falto de dirección”. Sin embargo, con los años, canciones como Tomorrow y Dear Friend se ganaron el cariño de los fans, quienes hoy lo ven como una pieza honesta y experimental.

McCartney II (1980): De “raro” a disco de culto

Cuando McCartney lanzó McCartney II, muchos no entendieron su apuesta por los sintetizadores y los sonidos electrónicos. Fue tachado de aburrido y extraño. Pero en décadas recientes, este disco ha sido reivindicado por las nuevas generaciones y ahora es considerado un trabajo adelantado a su tiempo, con joyas como Coming Up y Temporary Secretary.

Press to Play (1986): El más criticado de su carrera

Este álbum es probablemente uno de los más vapuleados por la crítica. Press to Play fue acusado de ser genérico y sin alma, pero hoy tiene una base de fans que lo consideran un disco incomprendido, con temas como Only Love Remains que siguen tocando fibras sensibles.

¿Error o arte incomprendido?

Estos “tropiezos” de Paul McCartney demuestran que lo que un día se considera un fracaso, con el tiempo puede convertirse en un favorito del público. A veces, las obras más valientes tardan en ser entendidas, y Paul siempre ha tenido la valentía de arriesgarse sin miedo al qué dirán.

¿Sabías que una de las canciones más queridas de Paul McCartney en Latinoamérica fue escrita pensando en nosotras y nosotros? Hope of Deliverance no solo se convirtió en un himno de esperanza, también fue una carta de amor directa a sus fans latinos. Aquí te contamos cómo esta joya del ex Beatle nos conquistó para siempre.

Una canción que no fue éxito en casa… pero sí en Latinoamérica

En 1993, Paul McCartney lanzó Hope of Deliverance como parte de su álbum Off the Ground. Aunque en Reino Unido y Estados Unidos la canción tuvo un éxito moderado, en países como México, Colombia, Argentina y Brasil se volvió un verdadero fenómeno radial. McCartney, sorprendido por esta conexión, reconoció que el público latino fue quien realmente la abrazó con fuerza.

¿Por qué conectó tanto con los fans latinos?

La respuesta está en la vibra optimista, el mensaje de esperanza y ese toque rítmico que casi se siente como un guiño a los sonidos latinos. La melodía sencilla y pegajosa, acompañada de una letra que habla de encontrar la luz en los momentos difíciles, resonó profundamente en un continente que siempre ha sabido bailar entre la alegría y la adversidad.

Un himno en sus conciertos por Latinoamérica

Paul McCartney no tardó en notar la euforia que generaba esta canción en sus conciertos en Latinoamérica. Desde entonces, Hope of Deliverance se convirtió en una parada obligatoria en sus setlists cuando pisa tierras latinas, y el propio Paul ha confesado que la energía de las audiencias latinas cuando interpreta esta canción es algo que lo sigue emocionando cada vez.

La conexión sigue viva

Aunque han pasado más de 30 años desde su lanzamiento, Hope of Deliverance sigue siendo una de las favoritas en nuestros países. La canción ha trascendido generaciones, y para muchos fans latinos es el himno que nos recuerda que, incluso en los tiempos más oscuros, siempre hay una esperanza de liberación.

Ringo Starr no dudó en respaldar a su hijo Zak Starkey después de que fuera despedido de The Who por segunda vez este año. En una entrevista para Rolling Stone, Zak contó cómo vivió este proceso y cómo su padre, ex Beatle, fue clave para mantenerlo firme en medio del conflicto con la legendaria banda.

Zak Starkey relató que, tras ser despedido, buscó el consejo de su padre, quien siempre lo apoyó y lo animó a defenderse. Cuando le preguntaron a Ringo qué opinaba de la situación, fue contundente: “Nunca me ha gustado cómo ese pequeño hombre dirige la banda”, haciendo referencia a Roger Daltrey, líder de The Who.

A pesar del drama, Zak aclaró que no guarda rencor ni hacia Daltrey ni hacia Pete Townshend, aunque los describió como “adictos al conflicto” y “totalmente locos”. Según él, estas cosas son parte de la historia de The Who, una banda famosa por sus momentos caóticos y sus roces internos.

Actualmente, Zak está concentrada en su proyecto Mantra of the Cosmos, donde comparte escenario con miembros de Happy Mondays, Ride y Oasis. Además, sorprendió al colaborar con Sean Ono Lennon y James McCartney, hijos de John Lennon y Paul McCartney, en la canción “Rip Off”.

Aunque no se unirá a la gira de reunión de Oasis en 2025, Zak sigue activo en la música y agradece el respaldo de su padre, demostrando que la conexión Beatle se mantiene viva en la siguiente generación. Por su parte, The Who arrancará su gira de despedida en Norteamérica este agosto.

Dolly Parton, ícono de la música country y estrella de cine, será homenajeada con un Oscar honorífico en los Governors Awards 2025, que se celebrarán el 16 de noviembre en Hollywood. Este reconocimiento destaca su invaluable labor humanitaria y su compromiso con la educación a través de su fundación y la Imagination Library.

El galardón que recibirá es el Jean Hersholt Humanitarian Award, que celebra décadas de trabajo filantrópico por parte de Dolly. Su iniciativa Imagination Library ha distribuido millones de libros gratuitos para niños en todo el mundo, dejando una huella profunda en la educación y el acceso a la lectura.

Además de su impacto social, Dolly Parton ha brillado en el cine con cintas como 9 to 5, Rhinestone y Steel Magnolias, consolidándose como una figura multifacética que ha trascendido la música. Este Oscar la acerca aún más al exclusivo grupo EGOT (ganadores de Emmy, Grammy, Oscar y Tony).

Actualmente, Dolly ya cuenta con 11 premios Grammy y un Emmy. En 2026, su historia de vida será llevada a Broadway en un musical autobiográfico que podría otorgarle un Tony y completar su estatus como EGOT no competitivo, debido a que su Oscar es honorífico.

Este reconocimiento no solo celebra su carrera artística, sino también su gran corazón y su compromiso con las causas sociales que siguen impactando a generaciones enteras.

Rod Stewart, la leyenda británica del rock, confesó el curioso ritual que ha mantenido durante más de 40 años para lograr ese tono rasposo tan característico: ¡gárgaras de ron con Coca-Cola antes de cada show! El cantante compartió este secreto en una entrevista reciente con Radio Times, de cara a su esperada presentación en Glastonbury 2025.

Mientras otros artistas cuidan su voz con té o agua caliente con miel y limón, Stewart ha optado por su inseparable Cuba Libre para calentar motores. “Siempre me hago una pequeña gárgara antes de salir: ron con Coca-Cola. Llevo haciéndolo desde hace 40 años. No lo tomo en ningún otro momento”, declaró el cantante, de 80 años.

Rod aseguró que, a pesar de este peculiar hábito, es muy consciente del cuidado que requieren sus cuerdas vocales: “Las cuerdas vocales necesitan mucha atención. Son absolutamente de oro”. Aunque médicos y especialistas suelen recomendar evitar alcohol antes de cantar, parece que en el caso de Stewart, esta rutina ha sido clave en su carrera.

Además de hablar de su ritual, el británico comentó que sigue disfrutando de una buena bebida y que no piensa frenar su actividad: su apretada gira mundial 2025 sigue en marcha y el público lo espera con emoción en cada ciudad.

Este divertido detalle sobre su vida es un claro reflejo del espíritu rebelde y auténtico que ha acompañado a Rod Stewart durante décadas en los escenarios.

El primer tráiler de Deliver Me from Nowhere, la esperada película sobre Bruce Springsteen, ya está disponible y ha emocionado a fans de todo el mundo. Jeremy Allen White, estrella de The Bear, será el encargado de dar vida al icónico “Boss” en esta cinta que promete mostrar el lado más humano del legendario músico.

Dirigida por Scott Cooper (Crazy Heart) y basada en el libro Deliver Me from Nowhere: The Making of Bruce Springsteen’s Nebraska de Warren Zanes, la película se centrará en la creación del álbum Nebraska, una de las obras más personales y profundas de Springsteen.

Una de las grandes sorpresas es que Jeremy Allen White interpreta todas las canciones del filme con su propia voz. El actor compartió que tuvo la oportunidad de trabajar de cerca con Springsteen, quien se mostró muy involucrado durante el proceso. White incluso describió la experiencia como “abrumadora e increíble” y aseguró sentirse orgulloso del resultado final.

El elenco lo completan Jeremy Strong como Jon Landau, mánager de Springsteen, junto a Paul Walter Hauser, Odessa Young, Marc Maron, Gabby Hoffman, Stephen Graham y Johnny Cannizzaro. La película llegará a los cines el 24 de octubre de 2025 bajo el sello de 20th Century Studios.

Este tráiler marca el inicio de la cuenta regresiva para uno de los estrenos musicales más esperados. La interpretación de Jeremy Allen White promete emocionar tanto a los seguidores de Springsteen como a nuevas generaciones que descubrirán la magia de Nebraska.

Después de dedicar toda su vida al cine, Tom Cruise finalmente será reconocido con un Oscar honorífico en 2025. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que el actor será galardonado durante la 16ª edición de los Governors Awards en noviembre de este año.

Junto a Cruise, también recibirán premios honoríficos la actriz y coreógrafa Debbie Allen, el diseñador de producción Wynn Thomas y la icónica Dolly Parton, quien será reconocida con el Jean Hersholt Humanitarian Award por su incansable labor filantrópica.

Janet Yang, presidenta saliente de la Academia, destacó que Tom Cruise ha inspirado a toda la industria por su compromiso con el cine, la experiencia en salas y la comunidad de dobles de acción. Cruise, quien siempre ha defendido el valor de las películas en la gran pantalla, fue clave para que Top Gun: Maverick se estrenara exclusivamente en cines, algo que Steven Spielberg aplaudió públicamente al decir que “salvó a Hollywood”.

A pesar de haber sido nominado en cuatro ocasiones al Oscar —por Born on the Fourth of July, Jerry Maguire, Magnolia y como productor de Top Gun: Maverick—, el actor nunca había ganado hasta ahora.

Mientras tanto, Cruise sigue protagonizando grandes producciones como Mission: Impossible — The Final Reckoning y ya prepara su siguiente proyecto: una comedia dirigida por Alejandro G. Iñárritu que se estrenará en 2026.

El Oscar honorífico de Tom Cruise es un reconocimiento a décadas de pasión, entrega y películas que han marcado a millones de personas en todo el mundo.

¡Atención tributos! La saga de Los Juegos del Hambre está de regreso con una nueva precuela titulada Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha (The Hunger Games: Sunrise on the Reaping), que llegará a los cines el 20 de noviembre de 2026.

La historia se centrará en la juventud de Haymitch Abernathy, el inolvidable mentor de Katniss y Peeta. En esta versión conoceremos su experiencia en la edición 50 de los juegos, mucho antes de los eventos de la película original de 2012. El personaje será interpretado por Joseph Zada, tomando el lugar que en la saga original ocupó Woody Harrelson.

El elenco promete sorprender: Whitney Peak será Lenore Dove Baird, el gran amor de Haymitch; Elle Fanning dará vida a la carismática Effie Trinket y Ralph Fiennes será el temido Presidente Snow, en una actuación que ya genera expectativas gracias a su legado como Voldemort en Harry Potter.

Otros talentos confirmados son Glenn Close como Drusilla Sickle, Billy Porter como Magno Stift, Mckenna Grace como Maysilee Donner, Maya Hawke, Jesse Plemons, Kelvin Harrison Jr., Kieran Culkin, entre muchos más.

Esta nueva entrega nos llevará al pasado del Distrito 12 para revelar los momentos clave que forjaron el carácter de Haymitch y nos permitirá ver desde otra perspectiva cómo funcionaba el cruel sistema de los juegos en esa época.

Con un reparto de lujo y una historia que promete emociones intensas, Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha ya es una de las películas más esperadas por los fans de la franquicia.

En los gloriosos años 80, cuando los peinados voluminosos y los trajes brillantes dominaban los escenarios, dos bandas británicas peleaban silenciosamente por ser los íconos del pop: Duran Duran y Spandau Ballet. Aunque sus fans vivieron esta batalla con pasión, pocos conocen la verdadera historia detrás de esta rivalidad que marcó a toda una generación.

Dos estilos, un mismo sueño: conquistar el mundo

Duran Duran y Spandau Ballet no solo compartían listas de éxitos, también compartían escenario, portadas de revistas y hasta el mismo circuito de fiestas exclusivas. Mientras Duran Duran apostaba por un estilo más salvaje, aventurero y sexy, Spandau Ballet ofrecía elegancia, romanticismo y sofisticación. Cada banda representaba un estilo de vida y sus fans lo defendían como equipo de fútbol.

¿Rivalidad musical o choque de egos?

Aunque siempre intentaron mostrarse cordiales en público, los rumores sobre la tensión entre ambas bandas nunca desaparecieron. Tony Hadley, vocalista de Spandau Ballet, llegó a decir que Duran Duran tenía “demasiada actitud” y Simon Le Bon no se quedó atrás al asegurar que “el glamour sin sustancia no dura”. Las indirectas eran constantes y las entrevistas de la época lo confirmaban.

La batalla por el Top 1

Ambas bandas competían por los mismos premios, los mismos escenarios y el mismo público. Mientras Duran Duran arrasaba con hits como Hungry Like the Wolf y Rio, Spandau Ballet respondía con himnos como True y Gold. La prensa británica se encargó de alimentar esta rivalidad, presentándolos como los grandes enemigos del pop ochentero.

El tiempo todo lo cura… ¿o no?

Con los años, los integrantes han minimizado la supuesta enemistad, pero las entrevistas actuales siguen dejando entrever que, aunque hoy hay respeto, en los 80 hubo celos, comparaciones y mucho pique. Lo que es seguro es que ambas bandas definieron una era y su competencia nos regaló algunos de los mejores momentos del pop.

¿Eras team Duran Duran o team Spandau Ballet?

Esta rivalidad dividió a toda una generación, y aunque ambas bandas siguen teniendo fans apasionados, el debate sobre cuál fue la mejor sigue vivo. ¿Tú de qué lado estabas?

Si creciste en los 80 o eres amante de la música vintage, seguro sabes que los discos de vinil no solo guardan canciones, ¡sino también tesoros! Hoy en día, algunos vinilos de esa década son piezas codiciadísimas que pueden valer miles de dólares. ¿Quieres saber cuáles son los más buscados y por qué se convirtieron en joyas para coleccionistas?

1. Prince – Purple Rain (1984)

Más que un disco, Purple Rain es un ícono cultural. La edición original en vinil, especialmente la primera prensada de Estados Unidos, es una de las más valiosas. Su rareza y la leyenda de Prince hacen que coleccionistas paguen una fortuna por ella.

2. The Smiths – The Queen Is Dead (1986)

Este álbum emblemático del rock alternativo británico tiene versiones limitadas y prensadas especiales que hoy se cotizan en miles de dólares. La portada y la influencia cultural del disco elevan su precio.

3. Madonna – Like a Virgin (1984)

El vinil original de Like a Virgin es otro clásico que ha subido mucho de valor. Las primeras ediciones, con portadas especiales y en perfecto estado, son buscadas por fans y coleccionistas.

4. Metallica – Master of Puppets (1986)

Un must para los amantes del metal, la primera edición en vinil de este álbum es extremadamente rara y valiosa. Su impacto en la escena metalera y su calidad sonora hacen que sea un tesoro para los coleccionistas.

5. Michael Jackson – Thriller (1982)

Aunque Thriller es uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, ciertas ediciones originales en vinil de la década de los 80, sobre todo con detalles específicos en la portada o en la etiqueta, pueden alcanzar precios sorprendentes.

La fiebre por el vinil sigue creciendo y estos discos ochenteros son un ejemplo perfecto de cómo la música y la nostalgia pueden convertir un objeto en una inversión millonaria. ¿Tú tienes alguno en casa? ¡Revísalo, que tal vez estás sentada sobre un tesoro!