Def Leppard fue uno de los principales impulsores de la nueva ola de heavy metal británico en la década de 1980 y siguió siendo popular en concierto hasta el siglo XXI. Los miembros originales fueron Pete Willis, Rick Savage, Joe Elliott y Tony Kenning. Los miembros posteriores incluyeron a Steve Clark, Phil Collen, Rick Allen y Vivian Campbell.

Formado en Sheffield por los adolescentes Willis, Savage y Elliott en 1977, en el apogeo del punk rock, Def Leppard forjó una versión melódica accesible del heavy metal que tardó más en hacerse popular en casa que en los Estados Unidos, donde una nueva invasión británica de bandas de heavy metal orientadas al pop revivieron el género que se desvanecía. Después de lanzar un disco de reproducción extendida en su propio sello, la banda llegó a las listas británicas con su primer álbum, On Through the Night (1980). La amplia exposición de videos musicales que capitalizaron la buena apariencia de la banda llevó a High ‘n’ Dry (1981), el segundo álbum de Def Leppard, a vender dos millones de copias. Sin embargo, fue el clásico del metal Pyromania (1983), con éxitos como “Photograph” y “Rock of Ages” y ventas de más de 10 millones de copias, lo que aseguró el lugar del grupo en la historia del rock.

En medio de este éxito surgieron dificultades. En 1982, durante la grabación de Pyromania, el guitarrista Willis, que tenía un problema con la bebida, fue despedido y reemplazado por Collen. Al año siguiente, el baterista Allen perdió un brazo en un accidente automovilístico, pero una batería personalizada le permitió continuar con la banda. En 1987, Def Leppard lanzó Hysteria, que vendió más de 14 millones de copias y generó varios sencillos exitosos, entre ellos “Pour Some Sugar on Me” y “Love Bites”. En 1991, el guitarrista Clark murió de una sobredosis de drogas y, aunque la banda continuó produciendo éxitos, especialmente con Adrenalize (1992), nunca recuperó su estatus exaltado. Sin embargo, siguió siendo un sorteo popular de conciertos. En el siglo XXI, la producción grabada de Def Leppard se concentró en relanzamientos y álbumes en vivo, intercalados con los álbumes de estudio Songs from the Sparkle Lounge (2008) y Def Leppard (2015).

Motley Crüe fue fundado en 1981, originalmente por Nikki Sixx y Tommy Lee. La banda ha vendido más de 72 millones de álbumes en todo el mundo y todos los miembros originales de la banda contribuyeron a su autobiografía más vendida, The Dirt.

Los primeros años: El 17 de enero de 1981, Nikki Sixx dejó la banda de Londres y comenzó a ensayar con Tommy Lee y Greg Leon (guitarra / voz). Greg y Tommy habían tocado juntos anteriormente en una banda llamada Suite 19. Leon finalmente dejó la banda y Tommy y Nikki reclutaron a Mick Mars.

Tommy Lee conocía a Vince Neil desde la escuela secundaria y después de varias solicitudes para que Neil se uniera a la banda, finalmente accedió.

El primer lanzamiento de la banda fue ‘Stick To Your Guns / Toast of the Town’. En noviembre de 1981, el álbum debut Too Fast for Love fue lanzado en su propio sello, Leathür. El álbum vendió 20.000 copias y su popularidad en la escena de clubes de Los Ángeles finalmente llevó a la banda a firmar un contrato con Elektra en 1982.

El avance y la notoriedad: la gira ‘Crüesing Through Canada’ de 1982 vio a la banda involucrada en una serie de incidentes muy publicitados. Motley Crüe fueron arrestados en el Aeropuerto Internacional de Edmonton cuando vieron que el equipaje de mano de Vince estaba repleto de revistas pornográficas y por usar sus trajes de escenario puntiagudos en la Aduana. Ambos incidentes fueron trucos de relaciones públicas.

En segundo lugar, hubo una supuesta amenaza de bomba contra la banda cuando tocaban en Scandals Disco en Edmonton. Sin embargo, este incidente también fue un truco de relaciones públicas. La banda finalmente fue expulsada de por vida de la ciudad cuando Tommy arrojó un televisor desde la ventana de un hotel.

Durante la década de 1980, Motley Crüe era tan conocida por sus travesuras tras bambalinas con las drogas y las groupies como por su música. Sin embargo, su mezcla de glam rock y heavy metal produjo una serie de álbumes superventas, incluidos Shout at the Devil (1983), Theatre of Pain (1985) y Girls, Girls, Girls (1987).

En 1984, Vince Neil fue acusado de “conducir bajo la influencia” (del alcohol) y “homicidio vehicular” y sentenciado a 30 días de cárcel por un accidente en el que murió su pasajero, Nicholas “Razzle” Dingley, el baterista de Hanoi Rocks. Más tarde, la banda lanzó conjuntos de cajas titulados Music To Crash Your Car To.

Tres años después, Sixx fue declarado muerto camino al hospital cuando sufrió una sobredosis de heroína. Sin embargo, un médico se negó a darse por vencido con él y le dio dos inyecciones de adrenalina en el corazón y lo revivió. El incidente fue la inspiración para la canción ‘Kickstart My Heart’, del álbum Doctor Feelgood (1989) que alcanzó el número 16 en las listas estadounidenses. Poco antes del lanzamiento del álbum, la banda había sido ordenada a rehabilitación y han declarado que su nueva sobriedad tuvo una influencia positiva en su música.

En 1991, la banda lanzó Decade of Decadence para sus fans como un recurso provisional mientras trabajaban en nuevo material. El álbum alcanzó el número dos en la lista Billboard 200. Al año siguiente, Vince Neil dejó la banda. La partida está rodeada de confusión ya que Neil dice que fue despedido, mientras que Sixx afirma que renunció. Fue reemplazado por John Corabi. Su álbum homónimo de 1994 llegó al top ten, pero el éxito comercial de la banda había caído en picado.

En 1997, la formación original se reunió y la banda lanzó Generation Swine. El álbum alcanzó el número cuatro en las listas, pero Elektra brindó poco apoyo para el álbum, por lo que Motley Crüe dejó el sello y creó el suyo propio, Motley Records.

Tommy dejó la banda en 1999 y fue reemplazado por el baterista de Ozzy Osbourne, Randy Castillo, quien murió de cáncer en 2002. Luego, Randy fue reemplazado por Samantha Maloney, quien anteriormente había tocado la batería con Hole.

En 2001, la autobiografía de la banda, The Dirt, llegó a la lista de los más vendidos del New York Times.

La reunión: en 2004, un promotor inglés, Mags Revell, instigó otra reunión de Motley Crüe. En febrero de 2005, se embarcaron en una gira que comenzó en Puerto Rico. El álbum Red, White and Crüe fue lanzado más tarde ese año. Comenzaron los rumores de que ni Tommy ni Mick tocaron en el álbum, que alcanzó el estado de platino.

The Eagles fue, sin duda, la banda de rock estadounidense más importante que surgió en la década de 1970. No solo vendieron más discos y entradas para conciertos que sus pares (Sus grandes éxitos (1971-1975) y Hotel California son dos de los álbumes más vendidos de todos los tiempos), sino que capturaron el espíritu cambiante de los años 70, pasando por la resaca hippie del country-rock a finales de los 60 hasta llegar al pop/rock elegante, caro y expansivo del sur de California a finales de los 70. Don Henley y Glenn Frey no parecían hermanos, sino más bien socios que hicieron un pacto para liderar un equipo fríamente profesional diseñado para maximizar su impacto. Este no era un grupo de amigos adolescentes que tocaban bailes locales juntos. Cada uno de los miembros originales, Henley, Frey, Bernie Leadon y Randy Meisner, se habían dirigido a Los Ángeles con diferentes bandas y una vez que esos grupos se desmoronaron, se quedaron por la ciudad, tocando en cualquier concierto que apareciera. Para los cuatro, uno de esos conciertos fue como teloneros de Linda Ronstadt en 1971. La química era evidente en el escenario y en el estudio, por lo que el cuarteto decidió formar una banda y lanzó su debut en 1972. 

Poco después, Their Greatest Hits (1971-1975) convirtió sus primeros años en canon y luego llegó Hotel California de 1976, un disco que definió todos los excesos de los 70. En ese momento, la formación de la banda había cambiado: Leadon y Meisner estaban fuera, al igual que el reemplazo de Leadon, Don Felder; el guitarrista Joe Walsh y el bajista Timothy B Schmit estaban adentro, y el grupo resultó estar mal equipado para manejar su mega-estrellato. Un disco más, The Long Run de 1979, apareció antes de que la banda se separara, con Henley y Frey logrando un considerable éxito en solitario durante los años 80. 

Los rumores de reuniones nunca disminuyeron, ni siquiera cuando Henley bromeó diciendo que el infierno se congelaría antes de que los Eagles tocaran de nuevo y, finalmente, se materializó un álbum en 1993, cuando la banda de la era del Hotel California adoptó el formato MTV Unplugged para sus propias necesidades en un álbum naturalmente llamado Hell Freezes Over. A partir de ese momento, las giras de Eagles fueron eventos regulares, a veces eran esfuerzos ambiciosos, a veces eran un concierto o dos, la única cosa en común era su éxito, y aunque el grupo siguió prosperando gracias a la existencia de su catálogo anterior. , grabaron un nuevo álbum doble llamado Long Road Out of Eden, un disco que una vez más colocó a los Eagles en la cima de las listas en 2007.

The Eagles estuvieron inactivos después del final de su gira de 1980, pero su ruptura no se anunció oficialmente hasta mayo de 1982. Aparecieron juntos a continuación en enero de 1998 para su incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll, cuando los cinco miembros actuales actuaron junto a los miembros anteriores Leadon y Meisner. El 31 de diciembre de 1999, tocaron en un concierto del milenio en el Staples Center de Los Ángeles que fue grabado e incluido en la retrospectiva Selected Works: 1972-1999 en noviembre de 2000. 

Sin embargo, no todo estaba bien dentro de la banda, y Felder fue expulsado de la alineación en febrero de 2001. Se produjo una batalla legal prolongada cuando los Eagles continuaron como cuarteto, lanzaron The Very Best of the Eagles en 2003 y lograron un éxito menor con el sencillo “Hole in the World”. El caso de Felder se resolvió fuera de los tribunales en 2007. En 2013, la banda realizó el documental History of the Eagles y realizó una gira detrás de él hasta mediados de 2015. Seis meses después, Glenn Frey se enfermó y falleció el 18 de enero de 2016. Tenía 67 años. 

Poco más de un año después de la muerte de Frey, los Eagles revivieron con el hijo de Glenn, Deacon, en su lugar; Vince Gill también se unió a las guitarras y voces. El grupo tocó en los festivales Classic West y Classic East en julio de 2017 y luego se puso en camino en 2018. Al final del año, toda la discografía del grupo se empaquetó como el set Legacy.

Evolucionando desde sus orígenes de rock alternativo de finales de los 90 hacia una fuerza rimbombante que fusionó el rock progresivo, la electrónica y el pop, el trío inglés Muse se hizo un hueco como una potencia que desdibuja los géneros y equilibra la ciencia ficción intergaláctica y los temas de la teoría de la conspiración del gobierno. con anhelantes himnos de amor y desamor. Inicialmente plagado de comparaciones con Radiohead en su debut Showbiz (1999), el trío maduró constantemente durante una década, incorporando una amplia gama de inspiraciones sónicas que van desde el grandioso arena rock de Queen y el R&B-funk de Prince en Black Holes & Revelations (2006) al ritmo dubstep de Skrillex en The 2nd Law (2012). En 2016, obtuvieron su segunda victoria en el Grammy por Mejor Álbum de Rock con los musculosos Drones contra la guerra, y en 2018 emitieron el llamativo Simulation Theory, lleno de sintetizadores. En Will of the People de 2022, la banda revisó sus sonidos clásicos para un conjunto de pistas nuevas que podrían haber sido una compilación de grandes éxitos. A medida que sus álbumes encabezaban constantemente las listas de éxitos internacionales, Muse también se ganó la reputación de ser una de las mejores atracciones en vivo, con conciertos galardonados que a menudo presentaban escenarios de gran presupuesto al estilo de U2 y arenas y estadios con entradas agotadas en todo el mundo.

El núcleo de la banda está compuesto por el guitarrista/vocalista Matthew Bellamy, el bajista Chris Wolstenholme y el baterista Dominic Howard, un trío de amigos que comenzaron a tocar música juntos en su ciudad natal de Teignmouth, Devon. Comenzaron la primera encarnación de la banda a la edad de 13 años, cambiando el nombre del grupo de Gothic Plague a Fixed Penalty a Rocket Baby Dolls con el paso del tiempo. En 1997, los compañeros de banda se decidieron por el nombre Muse y lanzaron su EP debut homónimo en Dangerous Records, seguido por el EP Muscle Museum en 1998. El sonido emotivo y apasionado del grupo y su presencia en vivo atrajeron elogios de la crítica y el entusiasmo de la industria, lo que resultó en un trato con Maverick Records después de un viaje al Festival CMJ de Nueva York. Los sencillos “Cave” y “Uno” precedieron a su álbum debut de larga duración, Showbiz, que se lanzó a finales de 1999. El esfuerzo obtuvo platino y alcanzó su punto máximo dentro del Top 30 del Reino Unido. Dos años más tarde, Muse publicó Origin of Symmetry, que incluía los exitosos sencillos “New Born”, “Plug in Baby”, “Bliss” y “Hyper Music”, que ayudaron a impulsar el álbum al estatus de multiplatino en el Reino Unido. Al año siguiente, los fanáticos disfrutaron de Hullabaloo Soundtrack, una combinación de Rarezas de Showbiz/Origin empaquetadas con un set en vivo parisino que alcanzó el puesto número diez en el Reino Unido.

Muse regresó en 2003 con su tercer álbum, Absolution, una epopeya de amor de ciencia ficción apocalíptica que se convirtió en el gran avance de la banda en los Estados Unidos y el primer número uno en el Reino Unido. Con los éxitos de radio “Time Is Running Out” e “Hysteria”, en su seguimiento, se adentraron más en el espacio exterior e incorporaron más influencias impulsadas por el ritmo. Lanzado en 2006, Black Holes & Revelations marcó el conjunto de material más brillante y dinámico de la banda hasta la fecha, encabezando la lista de álbumes del Reino Unido en su primera semana y ganando a Muse su segundo álbum número uno consecutivo en casa. En Estados Unidos, el álbum irrumpió en el Top Ten gracias a la fuerza del sencillo funky y endeudado con Prince “Supermassive Black Hole” y el himno edificante “Starlight”. Aprovechando su alcance internacional en expansión, la banda realizó una gira por Europa, Estados Unidos, Australia y Asia en apoyo del esfuerzo, y su dinámica actuación en el escenario le valió a la banda múltiples premios a la mejor actuación en vivo, incluidos los elogios de los premios NME, los premios Q, y los Vodafone Live Music Awards.

El trío pasó el resto de 2008, así como la primera parte de 2009, en el estudio de grabación, y finalmente surgió con The Resistance en septiembre. Incorporando un alcance orquestal épico en la trilogía de cierre del álbum “Exogenesis” y canalizando a Depeche Mode y Queen en otros lugares, el álbum alcanzó el número uno en más de una docena de países, mientras que el sencillo principal “Uprising” se convirtió en su canción estadounidense con las listas más altas hasta la fecha. La banda inició otra gira mundial, encabezando espectáculos y apoyando a U2. En 2011, se le pidió a Bellamy y compañía que escribieran el tema oficial de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012, que se celebrarían en Londres, y la banda regresó con el triunfante himno del rock “Survival”. La canción también se convirtió en el sencillo principal de su próximo álbum, The 2nd Law de 2012. Un caso atípico en su catálogo, el álbum incluía el sencillo de pop electrónico “Madness”, una influencia del dubstep experimental y un par de temas escritos y cantados por Wolstenholme. La banda hambrienta de caminos emprendió otra gira a gran escala para promocionar The 2nd Law, y su espectacular espectáculo en el Estadio Olímpico de Roma, con pirotecnia, paredes de video y acróbatas, fue filmado en ultra alta definición para la película del concierto Live. en el Estadio Olímpico de Roma, que se estrenó en diciembre de 2013.

A principios de marzo de 2015, Muse publicó los sencillos “Psycho” y “Dead Inside”, las primeras ofertas de su séptimo estudio de larga duración, Drones. Lanzado en junio de ese año, el álbum conceptual fue su quinto álbum número uno consecutivo en el Reino Unido y su primer lanzamiento en encabezar las listas estadounidenses, lo que les valió un premio Grammy al Mejor Álbum de Rock en febrero de 2016. drones que volaban sobre el público, fue capturado en una película y lanzado a los cines en el verano de 2018. En ese momento, la banda ya estaba en medio de la promoción de su octavo LP inspirado en los años 80, Simulation Theory, con lavados de neón, con sencillos “Dig Down”, “Pressure” y “Dark Side”. El esfuerzo se lanzó ese noviembre y se convirtió en su sexto éxito consecutivo en las listas de éxitos del Reino Unido. Una gira internacional ocupó a la banda durante gran parte de 2019 y cerraron el año con un enorme box set que conmemoró sus eras Showbiz y Origin of Symmetry. Origin of Muse contó con nueve CD y cuatro discos de vinilo, recopilando caras B, demos, EP y algunas pistas en vivo de cada período. En 2021, Muse lanzó una versión remezclada y remasterizada de su segundo largo titulado Origin of Symmetry: XX Anniversary RemiXX. 2022 vio el lanzamiento del desafiante sencillo con tendencia al metalcore “Won’t Stand Down”, la primera muestra de su noveno set, Will of the People. Originalmente concebida como una forma de eludir la solicitud de su sello discográfico de un álbum de grandes éxitos, la banda indagó en su catálogo anterior y escribió canciones nuevas que sonaban intencionalmente como las antiguas mientras tocaban temas familiares de rebelión, paranoia y el estado de el mundo.

Cuando “Thriller” llegó en 1982, Jackson había sido una de las principales estrellas discográficas del mundo durante más de una docena de años, con y sin sus hermanos. Sin embargo, su álbum más reciente, el megaéxito “Off The Wall”, que generó cuatro sencillos Top 10, se lanzó en 1979, un año en el que el 40% de las canciones que alcanzaron el Top 3 en el Hot 100 fueron de negros. artistas, antes de que surgiera el muro que separaba la música en blanco y negro en la radio.

CBS Records sabía muy bien que no había ningún disco de un artista afroamericano en el Top 20 pop la semana en que enviaron el sencillo debut de “Thriller” a la radio en octubre de 1982. Ante la posibilidad muy real de que el disco de Jackson no saliera a la luz a una audiencia de radio cruzada, la compañía discográfica no se arriesgó. Ese primer sencillo, “The Girl Is Mine”, fue un dúo inclinado suave y fácil de escuchar con el ex Beatle Paul McCartney, más recientemente el compañero de dúo de Stevie Wonder. La presencia de McCartney, todavía un pilar de la radio pop a principios de los 80, prácticamente aseguró la aceptación de la canción en la radio blanca. 

“The Girl Is Mine” debutó en el Billboard Hot 100 el 6 de noviembre de 1982, el sencillo esponjoso no fue bien recibido por la crítica. El álbum “Thriller” en sí fue lanzado tres semanas después, el 30 de noviembre, y en la lista del 25 de diciembre debutó en el número 11. Este fue un debut en la lista muy respetable en esos días anteriores a Soundscan, aunque no excepcional, ya que incluso en ese entonces no era raro que los álbumes debutaron dentro del Top 10 o incluso en el No. 1. En enero, el álbum subió poco a poco al Top 10, pasando al No. 9 durante dos semanas, luego al No. 8, antes de estancarse durante tres semanas. en el No. 5, qué fue lo más lejos que lo llevó el impulso generado por “The Girl Is Mine”. Si bien el álbum ya podría considerarse un éxito, el desempeño de las listas de éxitos de “Thriller” en esas primeras semanas no dio ninguna pista del gigante que resultaría ser.

Cuando comenzó 1983, el sello preparó su campaña para el segundo sencillo del álbum, “Billie Jean”, que suena más “urbano”. Con la mesa ya puesta, la radio pop inmediatamente comenzó a reproducir este sencillo de seguimiento, y los escépticos estaban felices de descubrir que “Thriller” tenía cosas más emocionantes que ofrecer que el dúo de McCartney. “Billie Jean” fue nada menos que impresionante, el tipo de sencillo que te hace detenerte en seco y recordar siempre dónde estabas cuando lo escuchaste por primera vez. 

CBS apostó y filmó videos costosos tanto para “Billie Jean” como para el siguiente sencillo, “Beat It”, videos que fueron un placer para la vista. A pesar de la calidad obvia de los videos de Jackson, MTV inicialmente se resistió a reproducirlos, alegando que era una estación de rock y que Jackson no encajaba en el formato. Hasta el día de hoy, existe cierto desacuerdo sobre lo que llevó al canal a cambiar su política y agregar “Billie Jean”. 

MTV estrenó “Billie Jean” el 1 de marzo, solo cuatro días antes de que la canción alcanzara el número 1 en el Hot 100, convirtiéndola en la primera canción urbana uptempo en lograr esa hazaña en más de dos años. Simultáneamente, el impulso de “Billie Jean” fue lo que finalmente llevó al álbum “Thriller” al número 1 en la lista de álbumes en su décima semana. Pero un sencillo y un álbum número uno resultaron ser solo el comienzo, tanto para Jackson como para MTV. Presentar los videos de Jackson para “Billie Jean” y dos semanas más tarde para “Beat It” amplió el atractivo del canal de videoclip tanto como la reproducción al aire en MTV amplió el atractivo de Michael Jackson. 

El segundo video de Jackson en MTV, para “Beat It”, fue otro golpe maestro, incorporando efectos de sonido en vivo, pandilleros callejeros reales de Los Ángeles y el baile coreografiado en masa que se convertiría en una parte distintiva de los videos de Jackson. El video de “Billie Jean” fue una revelación porque mostró la brillantez de la actuación de Jackson. “Beat It” también hizo eso, pero también estableció un nuevo estándar de producción para el video musical en sí mismo y, de hecho, se convirtió en el video más popular y aclamado de los dos, a pesar de que “Billie Jean” fue una canción de mayor éxito. “Beat It” también representó otro paso en el plan maestro de Jackson para apelar a todos los límites musicales, con su toque de rock y el solo de guitarra de Eddie van Halen.

El 16 de mayo, con “Beat It” en el n.° 1 y “Billie Jean” todavía en el Top 10, Michael debutó con el moonwalk en el especial de televisión del 25.° aniversario de Motown en NBC. Atraídos por el deseo de ver la primera actuación de Michael Jackson en un escenario desde el lanzamiento de “Thriller”, 47 millones de estadounidenses sintonizaron, muchos de los cuales aún no tenían televisión por cable y, por lo tanto, no podían ver los videos de Jackson en MTV. La actuación de Jackson esa noche lanzó su carrera aún más a la estratosfera.

Un año completo después del lanzamiento de “Thriller”, después de siete sencillos Top 10 que establecieron un récord e innumerables semanas en el número 1 en la lista de álbumes, convirtiéndolo en el álbum más vendido de todos los tiempos, Jackson todavía tenía un truco más en su ” Thriller”: El 2 de diciembre, debutó con su video de casi 14 minutos dirigido por John Landis para la canción principal del álbum. Inmediatamente fue aclamado como quizás el mejor video musical jamás realizado y reavivó la Michael-manía. Un videocasete comercial con el cortometraje llegó a lo más alto de la lista de videos y se convirtió en el video musical más vendido de todos los tiempos. Mientras tanto, el álbum “Thriller”, que había caído de la posición No. 1 casi seis meses antes, ahora saltó de nuevo al primer lugar justo a tiempo para Navidad y permaneció allí hasta bien entrado el año nuevo. La transmisión de los Grammy dos meses después, durante la cual Jackson ganó ocho premios, sirvió como la coronación formal de Jackson como Rey del Pop, aunque ahora en ese momento el hecho era obvio.

Pero el legado de “Thriller” va mucho más allá de sus propios logros en ventas y premios. Una vez que MTV encontró el éxito con Michael Jackson, los videos de otros artistas negros aparecieron rápidamente en la lista de reproducción. Este desarrollo obligó por sí solo a la radio pop a reintroducir la música negra en su mezcla: después de todo, los fanáticos del pop, ahora acostumbrados a ver artistas negros y blancos en el mismo canal de video, esperaban la misma mezcla de música en la radio pop. era imposiblele para mantener los diversos fragmentos de la audiencia aislados unos de otros por más tiempo. La música negra volvió a estar en el centro de la corriente principal, y hasta el día de hoy nunca más ha sido expulsada del centro de atención.

Sus presentaciones en vivo también fueron estelares. Las multitudes llenas estaban hechizadas por las grandilocuentes actuaciones de la banda. Sus actuaciones lanzaron una ola cósmica de paz, amor y otras vibraciones felices al público mediante una combinación de disfraces llamativos, luces, pirotecnia y buena música. A veces incluso lanzaban ilusiones mágicas. El mensaje de Earth, Wind & Fire fue uno de armonía universal, tanto en el sentido musical como cultural. “Vivimos en una sociedad negativa”, dijo Maurice a Newsweek. “La mayoría de la gente no puede ver la belleza y el amor. Veo nuestra música como una medicina”.

El álbum multiplatino I Am alcanzó el número tres en pop en el verano de 1979 gracias al sencillo “Boogie Wonderland” con ventas millonarias con The Emotions y la fenomenal balada de oro “After The Love Has Gone”, escrito por David Foster, Jay Graydon y Bill Champlin, que se mantuvo en el número dos de R&B/pop durante dos semanas. Su álbum Faces alcanzó su punto máximo en el número diez pop a fines de 1980 y fue impulsado a oro por los sencillos “Let Me Talk”, “You” y “And Love Goes On”.

En 1983, Maurice decidió que él y la banda necesitaban un descanso. Durante esta pausa, Maurice grabó su álbum solista homónimo Maurice White y produjo a varios artistas, incluidos Neal Diamond, Barbra Streisand y Jennifer Holliday. Al reunirse con la banda en 1987, EWF lanzó el álbum Touch The World y obtuvo otro sencillo número uno de R&B, “System of Survival”, y se embarcó en una gira mundial correspondiente de nueve meses. A esto le siguió el lanzamiento de 1988 The Best Of Earth, Wind & Fire Vol. II.

En 1990, el grupo lanzó el álbum Heritage. Dos años después, Earth, Wind & Fire lanzó The Eternal Dance; una retrospectiva en caja de 55 pistas de toda la historia de la banda. La aparición de un proyecto de este tipo después de un período prolongado de relativa inactividad indicó a muchos oyentes que la banda se estaba retirando, pero resultó que ese no fue el caso. En 1993, EWF lanzó el álbum Millennium, que incluía “Sunday Morning” y “Spend The Night”, nominados al Grammy.

Earth, Wind & Fire siguió grabando y en 1996 lanzó Avatar y Greatest Hits Live; seguido por In The Name Of Love de 1997; Así es el mundo de 2002: vivo en el 75; Live In Rio, que fue grabado durante su “I Am World Tour” de 1979; The Promise de 2003, que incluyó la nominada al Grammy “Hold Me” e Illumination de 2005, que incluyó la nominada al Grammy “Show Me The Way”.

En 2000, la edición de nueve piezas de los años 70 de Earth, Wind & Fire se reunió por una sola noche en honor a su incorporación al Salón de la Fama del Rock And Roll. En 2001, Eagle Rock Entertainment lanzó el documental ‘Earth, Wind & Fire: Shining Stars’, que contiene imágenes de video históricas pocas veces vistas junto con entrevistas en profundidad con los miembros de la banda.

Una actuación en el Rockefeller Center de Nueva York presentó al grupo a Clive Davis, entonces presidente de Columbia Records. A Davis le encantó lo que vio y compró su contrato de Warner Bros. Con Columbia Records, debutando con el álbum de 1972 Last Days And Time, el grupo lentamente comenzó a construir una reputación de grabaciones innovadoras y espectáculos en vivo emocionantes. Su primer álbum de oro, Head To The Sky, alcanzó su punto máximo en el número 27 pop en el verano de 1973, produciendo una versión suave y ácida de “Evil” y el sencillo de la canción principal. El primer álbum de platino de EWF, Open Our Eyes, cuya canción principal era una nueva versión del clásico grabado originalmente por el grupo de Savoy Records, Gospel Clefs, incluía “Mighty Mighty” y “Kalimba Story”.

Maurice una vez más compartió una lista de sellos con Ramsey Lewis, cuyo debut en Columbia, Sun Goddess, se publicó en diciembre de 1974. La canción principal transmitida por radio se lanzó como sencillo con el nombre de Ramsey Lewis y Earth, Wind & Fire. Llegó al número 20 de R&B a principios de 1975. El álbum Sun Goddess se convirtió en oro, alcanzando el número 12 de pop a principios de 1975. Maurice también había tocado en el otro álbum de Lewis, Wade In The Water; el sencillo de la canción principal alcanzó el puesto número tres de R&B en el verano de 1966.

La inspiración para “Shining Star” se obtuvo de los pensamientos que Maurice tuvo durante una caminata bajo el cielo lleno de estrellas que rodeaba las montañas alrededor de Caribou Ranch, CO, un sitio de grabación y retiro popular durante los años 70. “Shining Star” brilló en el número uno de R&B durante dos semanas y alcanzó el número uno en pop a principios de 1975. Se incluyó en su álbum multiplatino de 1975 That’s The Way Of The World, que ocupó el puesto número uno en pop durante tres semanas en la primavera de 1975 y les valió su primer premio Grammy. El sencillo de la canción principal llegó al número cinco de R&B en el verano de 1975. También produjo la balada clásica “Reasons”, una canción de álbum extremadamente popular que se transmite por radio.

El álbum multiplatino, Gratitude ocupó el puesto número uno en álbumes pop durante tres semanas a finales de 1975. En el álbum estaba “Singasong”, la balada de Skip Scarborough “Can’t Hide Love” y las populares pistas del álbum que se transmite por radio “Celebrate”, “Gratitude” y la versión en vivo de “Reasons”. En 1976, Maurice decidió que quería grabar un álbum espiritual. El álbum multiplatino Spirit se ubicó en el número dos del pop durante dos semanas en el otoño de 1976 y se jactó del sencillo número uno de R&B de oro “Getaway” y “Saturday Nite”. Spirit es recordado como uno de los mejores álbumes de EWF y, lamentablemente, también por ser el último proyecto del productor Charles Stepney. Murió el 17 de mayo de 1976 en Chicago, IL, a la edad de 45 años. Charles fue arreglista/productor/músico de sesión/multiinstrumentista/compositor de Chess Records y principal colaborador de Maurice en sus proyectos con el grupo. El álbum multiplatino All ‘N All alcanzó el puesto número tres del pop a fines de 1977, ganó tres premios Grammy y tenía arreglos del pilar del soul de Chicago Tom Tom Washington y Eumir Deodato. Los sencillos fueron “Serpentine Fire” y “Fantasy”. La sección de vientos del grupo, los legendarios Phenix Horns, se convirtió en una parte integral del sonido Earth, Wind & Fire.

Durante este tiempo, Maurice produjo varios artistas como The Emotions y Deniece Williams, a finales de los setenta, en asociación con Columbia Records, Maurice también lanzó un sello discográfico, ARC.

Durante la década de 1970, nació una nueva marca de música pop, que estaba impregnada de estilos africanos y afroamericanos, en particular jazz y R&B, pero atrajo a una muestra representativa más amplia del público oyente. Como fundador y líder de la banda Earth, Wind & Fire, Maurice White no solo abrazó, sino que también ayudó a generar esta evolución del pop, que cerró la brecha que a menudo ha separado los gustos musicales de la América blanca y negra. Sin duda fue un éxito, ya que el grupo combinó la maestría musical de alto calibre, el eclecticismo de géneros musicales de gran alcance y el espiritualismo multicultural de los años 70.

Maurice nació el 19 de diciembre de 1941 en Memphis, TN. Estaba inmerso en una rica cultura musical que abarcaba los límites entre el jazz, el gospel, el R&B, el blues y el rock temprano. Todos estos estilos jugaron un papel en el desarrollo de la identidad musical de Maurice. A los seis años, comenzó a cantar en el coro de gospel de su iglesia, pero pronto su interés se centró en la percusión. Comenzó a trabajar en conciertos como baterista cuando aún estaba en la escuela secundaria. Su primera actuación profesional fue con Booker T. Jones, quien finalmente alcanzó el estrellato como Booker T y los MG. Después de graduarse de la escuela secundaria, Maurice se mudó a Windy City para continuar su educación musical en el prestigioso Conservatorio de Música de Chicago. Continuó recogiendo trabajos de batería en el lado, lo que eventualmente lo llevó a un lugar estable como percusionista de estudio con el legendario sello de Chicago, Chess Records. En el ajedrez, Maurice tuvo el privilegio de jugar con grandes como Etta James, Fontella Bass, Billy Stewart, Willie Dixon, Sonny Stitt y Ramsey Lewis, a cuyo trío se unió en 1967. Pasó casi tres años como parte del Ramsey Lewis Trio.

Maurice también aprendió sobre el piano de pulgar africano, o Kalimba, un instrumento cuyo sonido se convertiría en el centro de gran parte de su trabajo a lo largo de los años. En 1969, Maurice dejó el Ramsey Lewis Trio y se unió a dos amigos en Chicago, Wade Flemons y Don Whitehead, como equipo de composición de canciones y comerciales en el área de Chicago. Los tres amigos obtuvieron un contrato de grabación con Capitol y se llamaron a sí mismos “Salty Peppers”, y tuvieron un éxito marginal en el área del Medio Oeste llamado “La La Time”. Esa banda contó con Maurice en la voz, percusión y Kalimba junto con los tecladistas/vocalistas Wade Flemons y Don Whitehead.

Después de mudarse a Los Ángeles y firmar un nuevo contrato con Warner Bros., Maurice hizo simultáneamente lo que puede haber sido el movimiento más inteligente de su joven carrera. Cambió el nombre de la banda a Earth, Wind & Fire (después de los tres elementos en su carta astral). El nuevo nombre también capturó el enfoque espiritual de Maurice hacia la música, uno que trascendía las categorías y atraía a múltiples principios artísticos, incluida la composición, la maestría musical, la producción y la interpretación. Además de White, Flemons y Whitehead, Maurice reclutó a Michael Beal en la guitarra, Leslie Drayton, Chester Washington y Alex Thomas en los cuernos, Sherry Scott en la voz, el percusionista Phillard Williams y su hermano menor Verdine en el bajo.

Earth, Wind & Fire grabó dos álbumes para Warner Brothers: el álbum homónimo de 1970 Earth, Wind And Fire y el álbum de 1971 The Need Of Love. Un sencillo de este álbum, “I Think About Lovin’ You”, proporcionó a EWF su primer éxito en el Top 40 de R&B. También en 1971, el grupo interpretó la banda sonora de la película de Melvin Van Peebles ‘Sweet Sweetback’s Baadasssss Song’.

En 1972, White disolvió la formación (excepto él y su hermano Verdine White) y agregó a Jessica Cleaves (voz, anteriormente del grupo de R&B The Friends of Distinction), Ronnie Laws (flauta, saxofón), Roland Bautista (guitarra), Larry Dunn (teclado), Ralph Johnson (percusión) y Philip Bailey (voz, antes de Friends & Love). Maurice se desilusionó con Warner Brothers, que había contratado al grupo principalmente como un acto de jazz. Maurice, por el contrario, estaba más interesado en combinar elementos de jazz, rock y soul en una forma de fusión en evolución, un sonido verdaderamente universal.

Su último lanzamiento, The Lost In Love Experience, grabado con la Sinfónica de Praga, presenta el tema favorito de los fanáticos “I Adore You” junto con hermosas versiones instrumentales de algunas de las composiciones favoritas de Graham y Russell.

En enero de 2020, el diario australiano Herald Sun, proclamó a Air Supply en el Top 5 de las “Mejores bandas australianas” de todos los tiempos en compañía de AC/DC, The Bee Gees e INXS.

En este año del 45 aniversario, el dúo continúa recorriendo el mundo, habiendo actuado en Inglaterra, Irlanda, Israel, Filipinas, Corea, Taiwán, Japón, Canadá y muchos otros países, incluido, por supuesto, su hogar, los Estados Unidos.

No haber tenido nunca una discusión en todo este tiempo es un verdadero testimonio del respeto, la pasión y el amor que sienten por Air Supply y la profunda amistad que comparten.

Y para el deleite de sus fans, tanto nuevos como antiguos, el viaje continúa.