Su esfuerzo de 2011, The Most Incredible Thing, fue una partitura de ballet de dos discos compuesta para el Sadler’s Wells Theatre de Londres, mientras que Format de 2012 reunió las caras B y los bonus tracks del dúo de los años 1996-2009. También en 2012, Pet Shop Boys lanzó el sencillo de temática deportiva “Winner” e interpretó la pista en los Juegos Olímpicos de Verano de 2012, que se celebraron ese año en su ciudad natal de Londres. La canción se lanzó en el álbum Elysium de ese año, que fue producido por Andrew Dawson. Stuart Price fue el productor de Electric de 2013, un álbum que no incluía baladas, solo pistas de baile.

En mayo de 2014, el dúo anunció más música original, esta vez con una pieza de concierto programada para julio en el Royal Albert Hall en conmemoración del descifrador de códigos británico Alan Turing e incluida la Orquesta de Conciertos de la BBC. Price regresó como productor de Super de 2016, el segundo álbum consecutivo en el que Pet Shop Boys eran “puristas electrónicos”, lo que significa que no tenían guitarras, ni apoyo orquestal ni instrumentos orgánicos. Al año siguiente, la banda lanzó el EP Undertow, que incluía dos remixes de “Undertow” de Super, un remix de “Burn” y una nueva versión de “Left to My Own Devices”, producido por Stuart Price.

El dúo lanzó Agenda a principios de 2019, y el lanzamiento del álbum en vivo en CD / DVD / Blu-ray Inner Sanctum apareció en abril; se grabó durante la residencia de cuatro días de Pet Shop Boys en julio de 2018 en la Royal Opera House de Londres. Más adelante en el año, comenzaron a publicar canciones de su siguiente intérprete de larga duración, incluida “Dreamland”, una colaboración con Years & Years, y “Burning the Heather”, que presentaba a Bernard Butler de Suede en la guitarra. El álbum, titulado Hotspot, llegó en enero de 2020 y fue su tercer LP producido por Price. Discovery (Live in Rio), un concierto emitido originalmente en video en 1995, se emitió en DVD y CD por primera vez en 2021. El dúo también lanzó un sencillo de inspiración clásica de casi diez minutos titulado “Cricket Wife”.

En octubre de 1988, Pet Shop Boys publicó su tercer LP de estudio, el ecléctico Introspective. “Domino Dancing” y “Left to My Own Devices” alcanzaron el Top Ten en Gran Bretaña. Al año siguiente, Pet Shop Boys colaboró ​​con una variedad de artistas, sobre todo Liza Minnelli, para quien produjeron el LP Results de 1989. También produjeron material para Springfield, y Tennant se unió al líder de New Order, Bernard Sumner, y al exguitarrista de Smiths, Johnny Marr, en el grupo Electronic, logrando un éxito con el sencillo “Getting Away with It”. Tennant y Lowe volvieron a reunirse en 1990 para la muda y abatida Behavior, producida por Harold Faltermeyer. Su popurrí de éxitos de “Where the Streets Have No Name” de U2 y “Can’t Take My Eyes Off You” de Frankie Valli fue lanzado en 1991, y fue seguido en 1993 por Very, elogiado como uno de los mejores esfuerzos del dúo.

Después de una ausencia de tres años, Pet Shop Boys resurgió con Bilingual, una expansión fluida hacia los ritmos latinos. La vida nocturna siguió en 1999 y provocó el éxito del club de baile “New York City Boy”, cuyo éxito permitió al grupo realizar una gira por los Estados Unidos por primera vez en ocho años. Mientras estaban de gira, la pareja también colaboró ​​​​con el dramaturgo Jonathan Harvey en un musical sobre la vida gay y las críticas sociales, que los tres habían estado planeando desde 1997. Closer to Heaven hizo su debut en el West End en 2001 y tuvo una carrera exitosa durante la mayor parte del año; La partitura de Pet Shop Boys de la grabación del elenco original también fue un éxito en el Reino Unido. Todavía tenían tiempo de hacer un disco para ellos también: en abril de 2002, Tennant y Lowe publicaron Release y Disco 3 se compiló para su lanzamiento al año siguiente.

Pet Shop Boys continuó lanzando material durante la segunda mitad de la década. En 2005, compilaron un volumen de la serie Back to Mine y lanzaron su música diseñada para acompañar la película muda de 1925 Battleship Potemkin, una banda sonora que habían interpretado un año antes en un concierto/proyección gratuito en Trafalgar Square. Un año después, emitieron Fundamental, un álbum maduro, a veces político, producido por Trevor Horn. El álbum en vivo Concrete: In Concert en el Mermaid Theatre apareció a finales de año, y Yes, un esfuerzo de colaboración con el equipo de producción Xenomania, marcó el décimo esfuerzo de estudio de la banda en marzo de 2009. Mientras tocaba en espectáculos en apoyo de ese álbum, Pet Shop Boys también lanzó una compilación de éxitos, Party, para coincidir con la etapa brasileña de su gira. En 2010, la gira se documentó en el lanzamiento Pandemonium, y llegó otra compilación de grandes éxitos, Ultimate.

Ironistas posmodernos envueltos tras un velo de sintetizadores pop alegremente melódicos y exuberantemente románticos, Pet Shop Boys ofrece comentarios culturales irónicos pero extrañamente conmovedores comunicados por el código Morse de sintetizadores y ritmos de cajas de ritmos. Después de emerger por primera vez a mediados de los años 80 con “West End Girls” y “Opportunities (Let’s Make Lots of Money)”, Neil Tennant y Chris Lowe rápidamente se establecieron como artistas exitosos que también pudieron crear álbumes emocionalmente resonantes, como Introspective y Behaviour de 1988 y 1990 respectivamente. El dúo navegó por el panorama en constante cambio del dance-pop moderno con gracia e inteligencia, moviéndose fácilmente de la música disco al house y al synth pop reflexivo sin perder su estilo distintivo en el proceso. Continuando con su evolución artística, Pet Shop Boys incorporó la música latina en Bilingual de 1996, se expandió al teatro y al ballet y se transformó en estadistas veteranos del pop electrónico, aún capaces de lanzar álbumes interesantes después de más de 30 años, como lo demuestran los momentos destacados como Super de 2016 y Punto de acceso de 2020.

Pet Shop Boys se formó en Londres en agosto de 1981, cuando el vocalista Tennant conoció por primera vez al teclista Lowe en una tienda de electrónica. Al descubrir una pasión compartida por la música dance y los sintetizadores, inmediatamente decidieron formar una banda. Después de autodenominarse Pet Shop Boys en honor a los amigos que trabajaban en dicho establecimiento, al mismo tiempo que asentían oblicuamente al tipo de nombres que prevalecían en la cultura hip-hop de la ciudad de Nueva York de principios de los años 80, la carrera del dúo despegó por primera vez en 1983, cuando Tennant conoció al productor Bobby “O” Orlando durante una tarea de escritura. Orlando produjo su primer sencillo, “West End Girls” de 1984. La canción fue un éxito menor en los Estados Unidos pero no llegó a ninguna parte en Gran Bretaña, y su seguimiento, “One More Chance”, tampoco tuvo éxito.

Al firmar con EMI, Pet Shop Boys emitió el mordaz “Opportunities (Let’s Make Lots of Money)” de 1985. Cuando tampoco logró atraer la atención, el futuro del dúo parecía sombrío, pero Tennant y Lowe lanzaron una evocadora nueva producción de Stephen Hague de “West End Girls”, que se convirtió en un éxito internacional. Su éxito masivo impulsó el LP debut de Pet Shop Boys en 1986, Please, al Top Ten, y cuando “Opportunities” se reeditó posteriormente, también se convirtió en un éxito. Disco, una colección de remixes bailables, se lanzó rápidamente a las tiendas, y en 1987 el dúo resurgió con el soberbio Actually,, que lanzó otros dos éxitos Top Ten: “It’s a Sin” y “What Have I Done to Deserve This?”, un dúo entre Tennant y la  gran Dusty Springfield. Más tarde ese año, “Always on My Mind”, una encantadora versión del perenne estándar de Elvis Presley, alcanzó el número uno en varios países y el Top Ten en los Estados Unidos Un año después se estrenó un documental titulado It Couldn’t Happen Here.

Listen Like Thieves sentó las bases para Kick, el álbum que convirtió a INXS en superestrellas internacionales. Lanzado a fines de 1987, Kick se abrió camino hasta el estatus de multiplatino en el transcurso de 1988, como cuatro sencillos: el número uno “Need You Tonight”, “Devil Inside”, “New Sensation” y “Never Tear Us Apart”. subió al Top Ten de Estados Unidos. Tras el éxito del álbum, Hutchence fue aclamado en algunos sectores como el heredero del trono de Jagger, y se consideró que el grupo rivalizaba con U2 en términos de popularidad internacional. Sin embargo, tal éxito se le subió a la cabeza al grupo. Hutchence lanzó el proyecto paralelo “experimental” Max Q a principios de 1990, y álbum fracasó. X, la continuación de Kick de INXS, apareció en el otoño de 1990 con críticas en su mayoría negativas. Si bien el álbum generó varios éxitos, incluidos “Disappear” y “Bitter Tears”, solo su primer sencillo, “Suicide Blonde”, alcanzó el Top Ten en los Estados Unidos, y las ventas de X fueron decepcionantes en comparación con Kick.

X perjudicó considerablemente el impulso de INXS. Aunque el grupo todavía era bastante popular en la gira que lo acompañaba (el álbum en vivo de 1991 Live Baby Live se grabó en el estadio de Wembley, el segundo estadio más grande de Europa), el grupo ya no podía considerarse en la misma liga que U2 o R.E.M. Hutchence siguió viviendo un estilo de vida de alta sociedad, saliendo con Kylie Minogue y varias supermodelos, lo que no le fue bien tras el gran avance comercial del rock alternativo en 1992. Para cuando INXS lanzó Welcome to Wherever You Are, su disco más aventurero, estaban desactualizados en 1992, e incluso una serie de críticas que compararon favorablemente el disco con Achtung Baby de U2 no pudieron convertirlo en un éxito. Full Moon, Dirty Hearts siguió en 1993 y generalmente fue ignorado. Después de su lanzamiento, INXS dejó la lista de Atlantic y lanzó Greatest Hits como su último álbum para el sello.

INXS firmó con PolyGram en 1994, pero les llevó tres años lanzar un nuevo álbum. Durante ese tiempo, Hutchence estuvo involucrado en varios escándalos sensacionalistas, en particular su relación amorosa con la personalidad de la televisión británica Paula Yates (que puso fin a su matrimonio con Bob Geldof), e insinuó que estaba grabando un álbum en solitario. Ese disco no se materializó, pero INXS regresó en la primavera de 1997 con Elegantly Wasted. Si bien el álbum fue recibido con malas críticas, su dance-rock hedonista se adaptaba mejor a finales de los 90 que a principios de los 90, lo que convirtió al disco en el mayor éxito del grupo desde X. El 22 de noviembre de ese año, sin embargo, Hutchence fue encontrado muerto en su habitación de hotel de Sydney, víctima de un aparente ahorcamiento. Su debut en solitario de larga duración se publicó póstumamente a finales de 1999.

INXS provenía de los pubs de Australia, lo cual es parte de la razón por la cual la banda nunca se adaptó cómodamente a la nueva ola. Incluso cuando incursionaron en el synth pop en sus primeras grabaciones, estaban respaldados por un ritmo fuerte y pedregoso y el pavoneo al estilo Jagger del cantante principal Michael Hutchence. En última instancia, estas fueron las mismas cosas que convirtieron a INXS en superestrellas internacionales a finales de los años 80. En ese momento, el grupo había aprovechado sus influencias de hard rock, dance y new wave en un ritmo elegante y con estilo que hizo que su álbum Kick de 1987 fuera un éxito de ventas multimillonarias. Si bien ese sonido fue su clave para el estrellato, también resultó ser su perdición; INXS quedó encasillado por su estilo de pop-funk a principios de los 90, cuando el público quedó fascinado con el rock alternativo más duro. La banda continuó de gira y grabando para una base de fans dedicada hasta que la prematura muerte de Hutchence en 1997 puso fin al apogeo de la banda.

Apropiadamente para una banda que presentaba a tres hermanos, INXS tenía sus raíces en un grupo familiar, los Farriss Brothers. El grupo se formó mientras el teclista Andrew Farriss, el hermano del medio, asistía a la escuela secundaria con el vocalista Michael Hutchence. Los dos formaron una banda con el bajista Gary Beers. Simultáneamente, el guitarrista Tim Farriss tocaba en varios grupos con su amigo, el guitarrista y saxofonista Kirk Pengilly. Eventualmente, los dos grupos se fusionaron en 1977, con Jon Farriss uniéndose a la formación unificada como baterista. Dos años más tarde, cuando Jon se graduó de la escuela secundaria, la banda cambió su nombre a INXS, se mudó de Perth a Sydney y comenzó a tocar en el circuito de pubs. En un año, el grupo consiguió un contrato discográfico australiano y lanzó un debut homónimo en Deluxe en 1980.

INXS y Underneath the Colors se convirtieron en éxitos australianos, lo que llevó a la banda a un contrato estadounidense con Atco Records. En 1983, hicieron su su debut en los Estados Unidos con Shabooh Shoobah, y se embarcaron en una extensa gira que, gracias al exitoso sencillo “Don’t Change”, los convirtió en estrellas menores de la nueva ola. Para su próximo álbum, INXS grabó algunas sesiones con el productor Nile Rodgers, que dieron como resultado el elegante y funky “Original Sin”, la primera inclinación de que la banda estaba dando un paso hacia una fusión de Stonesy rock y música dance. “Original Sin” convirtió a The Swing de 1984 en un éxito menor, pero el grupo no tuvo un avance genuino en la corriente principal hasta Listen Like Thieves de 1985, que subió al número 11 en los Estados Unidos gracias al sencillo “What You Need”.

“Physical” es, el éxito más famoso de Olivia Newton John fue escandaloso no porque fuera tan explícito, sino porque era muy divertido. Esta era una era en la que era raro escuchar éxitos de radio de mujeres adultas de 30 y tantos sobre deshuesarse los sesos, por lo que las mamás se volvieron locas por este, junto con los niños y todos los demás.

Llevó la sonrisa “física” aún más lejos en su secuela injustamente olvidada, “Make a Move On Me”: no es tan famosa, probablemente porque no es tan sucia, pero es una canción que siempre puede convertir a cualquiera en un bailarín de Solid Gold. Su fase de los ochenta llegó a un clímax apropiado en 1985 con “Soul Kiss”, una de las odas más explícitas de la época al sexo oral que no es de Prince.

Dedicó sus últimos años a la filantropía y la familia, junto con su larga y valiente batalla pública contra el cáncer, pero nunca abandonó la música. Grabó álbumes para Hallmark, además de una conmovedora nueva versión de 1998 de “I Honestly Love You” con Babyface.

Descansa Olivia Newton-John.

El primer gran salto de Olivia Newton – John se produjo cuando se desvió hacia la música country, en su asociación con el compositor y productor John Farrar. Obtuvo su primer éxito en 1971 haciendo una versión de Bob Dylan, de todas las personas, “If Not For You”, seguido pronto por “Let Me Be There”. Fue controvertido cuando ganó un Grammy country, pero fue un escándalo absoluto cuando ganó el premio de la Asociación de Música Country a la Vocalista Femenina del Año. George Jones y Tammy Wynette estaban tan indignados que organizaron a otros veteranos de Nashville en un boicot de la CMA y fundaron la “Asociación de Artistas Country”. No duró.

Después de tantos años como la más saludable de las cantantes pop, su cambio de imagen en Grease en 1978 fue un punto de inflexión. Al igual que Sandy en la película, Olivia se puso en contacto con su energía de chica mala. El álbum de la banda sonora de Grease se convirtió en su propio fenómeno de la cultura pop: fue uno de esos álbumes exitosos que la gente simplemente se niega a dejar de comprar, hasta finales de siglo. “You’re the One That I Want” podría haber sido un ringtone, estalló en uno de los éxitos más irresistibles de la era.

Adiós, Olivia Newton-John, la reina del pop eternamente querida que murió el lunes a los 73 años. Ninguna estrella de los setenta tuvo una trayectoria pop más extraña, pasando de ser la cantante de country australiana favorita del mundo a una descarada diva de New Wave de cuero negro de los ochenta en solo unos pocos años. Pero Olivia podía hacerlo todo: baladas llorosas como “I Honestly Love You”, acento country como “Let Me Be There”, pastiche de los años cincuenta en Grease. Música disco con Gene Kelly y ELO en Xanadu. Odas de rock pesado al sexo como “Magic” y “Make a Move On Me”. Estas son todas las razones por las que amamos a Olivia Newton-John, honestamente la amamos, y es por eso que los conocedores del pop están de luto por ella hoy.

Olivia podía saltar de un género a otro, pero se lanzaba a todos los estilos con el mismo entusiasmo efervescente hiper-lujoso, razón por la cual nunca sonó falsa en lo más mínimo. Antes de que los fanáticos inventaran la terminología de las estrellas con “eras”, Olivia perfeccionó el concepto, porque tocaba todas las paradas de la radio, desde Ingenue hasta Xanadu.

Todos los fanáticos tienen una fase ONJ favorita, el rock suave de la radio AM de los setenta, cuando seguía encontrando nuevas formas de romperse el corazón golpe tras golpe. Ella fue la estrella de la Era Mellow que tuvo el descaro de usar la palabra “mellow” en el título de una canción: su sesión de terapia número uno, “Have You Never Been Mellow?”  

Creció en Australia, nieta del físico ganador del Premio Nobel Max Born. Tuvo un temprano intento de alcanzar el estrellato del folk-pop inglés en los años sesenta: con su canto angelical, cabello rubio, ojos azules y dientes blancos cegadores, era como una versión clasificada G de Marianne Faithfull. En el fracaso de ciencia ficción de 1970 Toomorrow (sí, se escribe así), interpretó a la cantante de un grupo de pop del Reino Unido secuestrado por extraterrestres, pero ni siquiera Olivia pudo salvar ese concepto.

Después de establecer el sello Simplyred.com, la banda lanzó Home en abril de 2003. Alcanzó el número dos en el Reino Unido, con los sencillos “Sunrise” y una versión de “You Make Me Feel Brand New” de Stylistics convirtiéndose en éxitos Top Ten. Dos años más tarde llegó Simplified, una colección de canciones antiguas y nuevas que alcanzó el número tres en Gran Bretaña y el número dos en Eurochart.

Siguió otra ausencia de dos años antes de la notable estancia en abril de 2007. Alcanzó el número cuatro en el Reino Unido y el número dos en Eurochart. En el momento de su lanzamiento, la formación de Simply Red estaba formada por Hucknall, Kirkham, Sarah Brown (coros), David Clayton (teclados), Peter Lewinson (batería), Steve Lewinson (bajo), Kevin Robinson (trompeta) y Kenji Suzuki (guitarra).

Luego, Hucknall decidió retirarse de Simply Red, pero revivió a la banda en 2015, causando sensación con el nuevo álbum Big Love. Cuatro años más tarde, Simply Red lanzó Blue Eyed Soul, una colección de diez originales de Hucknall producidos por Andy Wright. El teclista original Fritz McIntyre murió el 24 de agosto de 2021 a la edad de 62 años.

En el momento de su cuarto álbum, Stars, en septiembre de 1991, Bowers y Joyce se habían ido, con Shaun Ward uniéndose al bajo y Gota a la batería, y el saxofonista Ian Kirkham se había convertido en miembro permanente. Stars fue una decepción comercial relativa en los Estados Unidos aunque generó éxitos Top 40 en “Something Got Me Started” y “Stars” y finalmente se convirtió en oro, pero se convirtió en un gran éxito en otros lugares, especialmente en el Reino Unido, donde fue el álbum con más ventas de 1991, encabezó las listas durante 19 semanas y generó los éxitos Top Ten “Stars” y “For Your Babies” y los éxitos Top 40 “Something Got Me Started”, “Thrill Me” y “Your Mirror”. En todo el mundo, había vendido ocho millones y medio de copias en el segundo trimestre de 1993.

Ward y Gota se habían ido con el lanzamiento del quinto álbum de Simply Red, Life, dejando una formación de Hucknall, McIntyre, Heitor TP, Kirkham y el corista Dee Johnson. El álbum volvió a tener más éxito en casa que en Estados Unidos, encabezando las listas de éxitos de toda Europa, al igual que su primer sencillo, “Fairground”, mientras permaneció solo tres meses en las listas estadounidenses. Blue siguió en mayo de 1998. Encabezó las listas británicas y generó éxitos Top Ten en “Say You Love Me” y una versión de “The Air That I Breathe” de Hollies en casa, pero fue un vendedor insignificante en los Estados Unidos. En noviembre 1999, Simply Red publicó Love and the Russian Winter, que alcanzó el Top Ten del Reino Unido, con el sencillo “Ain’t That a Lot of Love” alcanzando el Top 20.