Belinda Carlisle – Parte 1

Cuando la banda femenina más popular que surgió de la explosión del punk/new wave de finales de los 70 y principios de los 80 se disolvió, temporalmente, en 1985, Belinda Carlisle de The Go-Go’s siguió rápidamente una carrera en solitario. Todavía reconocible al instante por su distintiva soprano estilo helio, la vio transformarse de una enérgica rockera de la nueva ola a una pulida cantante adulta de pop contemporáneo. El cambio fue evidente en su primer álbum, Belinda de 1986, que incluía el éxito Top Three “Mad About You”. Llegó hasta la cima del Hot 100 con la canción nominada al Grammy “Heaven Is a Place on Earth”, y al número dos con “I Get Weak”, ambos de su segundo álbum, Heaven on Earth, y alcanzó el Oro estadounidense nuevamente con Runaway Horses de 1989. La producción en solitario de Carlisle se desaceleró después de un trío de LP en los años 90 que no llegaron al Billboard 200 pero alcanzaron el Top 20 de la lista de álbumes en el Reino Unido. Mientras tanto, un puñado de reuniones de Go-Go produjo el álbum de 2001 God Bless the Go- Go’s y múltiples recorridos. Finalmente, el octavo álbum en solitario de Carlisle, Wilder Shoes, se lanzó en 2017. En 2021, los Go-Go fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Belinda Jo Carlisle nació en Hollywood de ama de casa y empleada de una gasolinera en 1958. Su madre, entonces adolescente, le puso el nombre de su película favorita, Johnny Belinda (1948). Después de que la madre de Carlisle se volvió a casar, la familia se mudó con frecuencia por California, y Belinda mostró interés en bandas como Beach Boys, Animals y Stylistics a la edad de diez años. Era animadora en Newbury Park High School, pero también mostró tendencias rebeldes en su adolescencia, escapando de casa y experimentando con drogas. Después de la escuela secundaria, asistió a clases nocturnas en la escuela de belleza durante un año antes de abandonar la escuela y dejar su hogar para seguir una carrera musical.

A los 19, Carlisle ensayó brevemente como baterista de la banda de punk de Los Ángeles The Germs, bajo el nombre artístico de Dottie Danger, antes de verse obligado a abandonar la banda debido a un ataque de mononucleosis sin llegar a tocar en un concierto. Poco después, en 1978, formó Misfits con Jane Wiedlin (guitarra, voz), Charlotte Caffey (guitarra principal, teclados), Margot Olaverra (bajo) y Elissa Bello (batería). La banda pronto cambió su nombre a Go-Go’s y comenzó a tocar en fiestas locales y pequeños clubes en California. En 1979, Gina Schock se convirtió en la baterista del grupo. Durante ese año, la banda grabó una demostración y apoyó al grupo británico de renacimiento de ska Madness tanto en Los Ángeles como en Inglaterra. The Go-Go’s pasó la mitad de 1980 de gira por Inglaterra, ganando un número considerable de seguidores y lanzando “We Got the Beat” en Stiff Records. Una copia importada de “We Got the Beat” se convirtió en un éxito de club clandestino en los Estados Unidos lo que significaba que la banda era lo suficientemente popular como para llenar conciertos, pero tuvieron dificultades para conseguir un contrato discográfico.

Tina Turner – Parte 3

Turner lanzó Wildest Dreams en 1996, con su versión de “Missing You” de John Waite y Twenty Four Seven (1999). También realizó varias grabaciones para bandas sonoras de películas, incluida la canción que da título a James Bond “Goldeneye”, un éxito entre los 10 primeros en el Reino Unido, y “He Lives in You” para El rey león 2.

En 1991, Ike y Tina Turner fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sin embargo, Ike no pudo asistir a la ceremonia porque estaba cumpliendo condena por posesión de drogas. (Finalmente murió de una sobredosis en 2007). En 2008, la icónica artista se embarcó en su gira “Tina! 50th Anniversary Tour”, que se convirtió en uno de los espectáculos con entradas más vendidos de 2008 y 2009. Anunció que sería su gira final y, en esencia, se retiró del negocio de la música para apariciones ocasionales y grabaciones.

No obstante, Turner ha seguido siendo una luminaria del mundo musical, apareciendo en la portada de Vogue holandesa de 2013 que fue ampliamente compartida. En 2013, se anunció que Turner, a la edad de 73 años, estaba comprometida para casarse con su pareja de toda la vida, el ejecutivo discográfico alemán Erwin Bach. En julio de 2013, se casaron en Zúrich, Suiza, solo unos meses después de que Turner obtuviera la ciudadanía suiza.

Durante la década de 1970, un amigo introdujo a Turner en el budismo de Nichiren Shoshu, del cual encontró paz en los rituales del canto. Hoy se adhiere a las enseñanzas de la Soka Gakkai Internacional, la organización budista más grande que consta de unos 12 millones de practicantes budistas de Nichiren.

Turner colaboró ​​con los músicos espirituales Regula Curti y Dechen Shak-Dagsay para el lanzamiento de Beyond: Buddhist and Christian Prayers en 2010, así como para los siguientes álbumes Children Beyond (2011) y Love Within (2014). “La experiencia de cantar oraciones juntos nos permite conectarnos profundamente a nivel emocional”, explicó Turner a Billboard en 2010, “un lugar de amor y respeto donde las diferencias mundanas se desvanecen”.

Volviendo al centro de atención en 2018, Turner fue honrada con un premio Grammy Lifetime Achievement Award para abrir el año. Unos meses más tarde, los fanáticos disfrutaron de una exhibición de sus grandes éxitos con la apertura de TINA: The Tina Turner Musical en el Aldwych Theatre de Londres.

Alrededor de este tiempo, Turner reveló que había perdonado a su exmarido por su comportamiento abusivo hace años. “Como anciana, lo he perdonado, pero no funcionaría con él”, dijo en una entrevista con The Times. “Me pidió una gira más y le dije: ‘No, absolutamente no’. Ike no era alguien a quien pudieras perdonar y permitirle volver”.

Ese verano, Turner se enteró de que su hijo mayor, Craig, había sido encontrado muerto en su casa en Studio City, California, por una herida de bala autoinfligida. Craig, un agente de bienes raíces, era el hijo de Turner de su relación con el saxofonista Raymond Hill en la década de 1950. En octubre de 2018, la leyenda de la música publicó otras memorias, My Love Story.

Turner fue incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll en octubre de 2021.

Tina Turner – Parte 2

A pesar de su éxito como dúo musical, el matrimonio de Tina e Ike estaba en ruinas. Tina luego revelaría que Ike a menudo era físicamente abusivo. A mediados de la década de 1970, la pareja se separó tanto personal como profesionalmente después de un altercado en Dallas en el que Tina se defendió, según su libro posterior. En 1978, se divorciaron oficialmente y Tina citó las frecuentes infidelidades de Ike y el aumento del consumo de drogas y alcohol además del abuso.

En los años posteriores a su divorcio, la carrera en solitario de Tina tuvo un comienzo lento. Según Tina, cuando se fue de Ike, tenía “36 centavos y una tarjeta de crédito de una gasolinera”. Para llegar a fin de mes y cuidar a sus hijos, usaba cupones de alimentos e incluso limpiaba casas. Pero también continuó actuando en lugares de bajo perfil e hizo apariciones especiales en los registros de otros artistas, aunque inicialmente no logró ningún éxito notable.

En 1983, sin embargo, la carrera en solitario de Turner finalmente cobró impulso cuando grabó una nueva versión de “Let’s Stay Together” de Al Green. Conocida por un video relacionado en el que apareció con un vestido de trapo entre dos bailarines, Turner llevó su nueva versión al top 5 en las listas nacionales de R&B y al top 10 del pop británico.

Al año siguiente, volvió a explotar en la industria discográfica cuando su tan esperado álbum en solitario, Private Dancer, fue lanzado con un abrumador éxito de crítica y público. Luego ganó cuatro premios Grammy y finalmente vendió más de 20 millones de copias en todo el mundo.

Private Dancer fue una entidad formidable en términos de sus sencillos individuales, con el himno de empoderamiento “What’s Love Got to Do With It” alcanzando el número 1 en las listas pop de EE. UU. y ganando el Grammy por Grabación del año. La canción principal de jazz suave “Private Dancer” y “Better Be Good to Me” también alcanzaron el top 10.

En 1985, Turner regresó a la pantalla, protagonizando junto a Mel Gibson la película Mad Max Beyond Thunderdome, a la que contribuyó con la canción pop número 2 “We Don’t Need Another Hero”.

Un año después, publicó su autobiografía, I, Tina, que más tarde sería adaptada como la película de 1993 What’s Love Got to Do with It, protagonizada por Angela Bassett como Tina y Laurence Fishburne como Ike. (La banda sonora de Turner para la película, en la que rehizo pistas clásicas y ofreció el nuevo éxito del top 10 “I Don’t Wanna Fight”, obtendría doble platino).

El año 1986 también vio el lanzamiento del segundo álbum en solitario de Turner, Break Every Rule, con el divertido “Typical Male”. Haciendo una crónica del deseo insatisfecho con un interés romántico demasiado inteligente, la canción fue otro éxito para Turner, alcanzando el número 2 en las listas de éxitos.

Tina Live in Europe siguió en 1988 y ganó el Grammy por interpretación vocal femenina de rock, y Foreign Affair (1989), que incluyó el sencillo “The Best” entre los 20 primeros, superó a Private Dancer en ventas mundiales.

Tina Turner – Parte 1

Turner nació como Anna Mae Bullock el 26 de noviembre de 1939 en Nutbush, Tennessee. Sus padres, Floyd y Zelma Bullock, eran aparceros pobres, que se separaron y dejaron a Turner y su hermana a cargo de su abuela. Cuando su abuela murió a principios de la década de 1950, Turner se mudó a St. Louis, Missouri, para estar con su madre.

Apenas en su adolescencia, Turner se sumergió rápidamente en la escena R&B de St. Louis, pasando gran parte de su tiempo en el Club Manhattan. Fue allí, en 1956, donde conoció al pionero del rock and roll Ike Turner, que solía tocar en el club con los Kings of Rhythm. Pronto, Turner estaba actuando con el grupo y rápidamente se convirtió en el punto culminante de su espectáculo.

En 1960, cuando otro cantante no se presentó a una sesión de grabación de Kings of Rhythm, Turner cantó el tema principal en una canción titulada “A Fool in Love”. Luego, el disco se envió a una estación de radio en Nueva York y se lanzó bajo el nombre de “Ike and Tina Turner”.

La canción se convirtió en un gran éxito de R&B y pronto pasó a las listas de éxitos. En poco tiempo, el grupo estaba de gira como Ike and Tina Turner Revue y ganando renombre por sus electrizantes actuaciones en el escenario. El grupo también aprovechó el éxito de “A Fool in Love” al lanzar una serie de exitosos sencillos de seguimiento, incluidos “It’s Gonna Work Out Fine”, “Poor Fool” y “Tra La La La La”.

Con su creciente popularidad, Ike y Tina se casaron en Tijuana, México, en 1962. Dos años más tarde nació su hijo, Ronnie. Tuvieron cuatro hijos en total, uno de una relación anterior de Tina y dos de una relación anterior de Ike.

En 1966, el éxito de Tina e Ike alcanzó nuevas alturas cuando grabaron el álbum River Deep, Mountain High con el productor discográfico superestrella Phil Spector. La canción principal no tuvo éxito en los Estados Unidos, pero se convirtió en un éxito masivo entre los 5 primeros en Inglaterra y le dio al dúo nueva fama. Aun así, el dúo se hizo más conocido por sus electrizantes presentaciones en vivo sin acumular una tonelada de éxitos correspondientes.

En 1969, realizaron una gira como teloneros de los Rolling Stones, ganándose aún más seguidores. Su popularidad se reavivó en 1971 con el lanzamiento del álbum Workin’ Together, que presentaba una famosa nueva versión de lento a rápido de la canción “Proud Mary” de Creedence Clearwater Revival que alcanzó el top 5 de las listas de éxitos de los Estados Unidos. La canción se convirtió en la piedra angular de los espectáculos de la pareja, conocida por la entrega vocal de Tina junto con los movimientos de baile arremolinados y con las manos de los vocalistas acompañantes, los Ikettes.

Smashing Pumpkins – Parte 3

Durante el descanso, los ex integrantes de la banda no esperaron mucho para continuar con otros proyectos. Corgan pasó el verano de 2001 tocando la guitarra con New Order en fechas seleccionadas de conciertos, y más adelante en el año presentó su nueva banda, Zwan, que incluía a Chamberlin en la batería.También publicó un libro de poesía. Los otros dos ex Pumpkins, Iha y Auf der Maur, comenzaron a formar un supergrupo de rock alternativo llamado Virgins. Iha también comenzó a tocar con A Perfect Circle. También se publicaron un par de colecciones post mortem de Pumpkins como un disco doble y DVD, ambos llamados Greatest Hits. Corgan lanzó su primer álbum en solitario, The Future Embrace, en 2005, y el día que salió, sacó un anuncio de página completa en The Chicago Tribune para anunciar que Smashing Pumpkins se reuniría solo cinco años después de separarse. Sin embargo, no le había informado a ninguno de sus antiguos compañeros de banda, y solo Chamberlin se unió al viaje. El álbum resultante, Zeitgeist, se publicó en 2007. Aunque alcanzó el puesto número dos, el esfuerzo continuó con el declive de las ventas y la aclamación de la crítica en la era tardía de la banda. La nueva formación, que agregó al guitarrista Jeff Schroeder, el bajista Ginger Reyes y la teclista Lisa Harriton, se embarcó en una exitosa gira internacional, a pesar de la tibia recepción de Zeitgeist.

Corgan y Chamberlin lanzaron un EP, American Gothic, a principios de 2008, antes de que Corgan sacudiera las cosas una vez más al anunciar que el grupo ya no grabaría más álbumes y, en cambio, solo publicaría sencillos. Chamberlin se separó de la banda una vez más en marzo de 2009 y a Corgan se unieron Schroeder, la bajista Nicole Fiorentino y el baterista Mike Byrne. Una vez que se asentó el polvo, Corgan cumplió con su promesa de publicar solo lanzamientos de formato corto, sacando la canción “A Song for a Son” en diciembre de 2009. Se lanzaron canciones dispersas del concepto Teargarden by Kaleidyscope de la banda durante los dos siguientes años como descargas gratuitas, con colecciones físicas de las pistas lanzadas en 2010 a través de las cajas EP Songs for a Sailor y The Solstice Bare.

En 2012, Corgan decidió tomarse un descanso dem el concepto centrado en un solo y lanzó Oceanía, el octavo álbum de estudio oficial de Smashing Pumpkins. En 2014, Corgan anunció que lanzaría dos álbumes al año siguiente bajo un nuevo acuerdo con BMG, que vincularía el concepto de Teargarden; éstos se titularían Monumentos a una elegía y Día por la noche. En este punto, Fiorentino y Byrne habían dejado la banda, y Tommy Lee de Mötley Crüe tocaba la batería en Monuments to an Elegy. Monuments se lanzó el 9 de diciembre de 2014 y debutó en el Top 40 de Billboard 200, lo que lo convierte en su esfuerzo de clasificación más bajo desde su debut. Chamberlin regresó a la banda para una gira de 2015, aunque el Day for Night prometido no se materializó a tiempo.

A principios de 2016, Iha se reunió con Corgan y Chamberlin para una actuación en Los Ángeles, sus primeros espectáculos juntos en casi dos décadas. Siguieron shows en vivo posteriores, lo que llevó a una eventual reunión de la formación original para una gira de 2018. Iha y Chamberlin también participaron en el undécimo álbum de estudio del grupo, Cyr de 2020. Producido por Corgan en Chicago, el LP doble también contó con contribuciones del guitarrista Schroeder e incluyó las canciones “Cyr” y “The Color of Love”. El álbum se lanzó en noviembre de 2020 junto con una serie animada de ciencia ficción de cinco partes, In Ashes.

Smashing Pumpkins – Parte 2

Trabajando con los productores Flood y Alan Moulder, Smashing Pumpkins grabó como banda completa su tercer álbum, el conjunto de dos discos Mellon Collie and the Infinite Sadness, que se convirtió en un éxito aún mayor que Siamese Dream, debutando en el número uno de las listas. . Con la fuerza de los sencillos “Bullet with Butterfly Wings”, “1979”, “Zero” y “Tonight, Tonight”, vendió más de cuatro millones de copias en los Estados Unidos y finalmente obtuvo la certificación de platino más de ocho veces. El 12 de julio, antes de dos presentaciones en el Madison Square Garden, el teclista de gira del grupo, Jonathan Melvoin, murió de una sobredosis de heroína; estaba con Chamberlin, que sobrevivió a su propia sobredosis. A raíz de la tragedia, los Pumpkins restantes despidieron a Chamberlin y pasaron dos meses en pausa mientras se recuperaban y buscaban un nuevo baterista. A principios de agosto, anunciaron que Matt Walker, miembro de Filter, sería su baterista de gira y Dennis Flemion, miembro de Frogs, sería su teclista de gira durante el resto del año. Regresaron a los escenarios a fines de agosto y pasaron los siguientes cinco meses de gira.

Smashing Pumpkins grabó dos canciones para las bandas sonoras de Batman & Robin (la ganadora del Grammy “The End Is the Beginning Is the End”) y Lost Highway (“Eye”). La última pista insinuó la dirección de su próximo álbum, que dio un giro sorpresa hacia la electrónica tenue. Envuelto por la muerte de la madre de Corgan y un divorcio, Adore siguió unos meses después. A pesar de encabezar las listas internacionales y alcanzar el número dos en el Billboard 200, las ventas y las críticas del esfuerzo fueron decepcionantes, y muchos críticos se sintieron confundidos por su nueva dirección. La banda se embarcó en una gira, contribuyendo el 100 por ciento de las ganancias a la caridad y regresó al estudio.

Antes del lanzamiento de su quinto álbum, Chamberlin regresó al grupo y Wretzky se fue, reemplazada por la bajista de Hole, Melissa Auf der Maur. MACHINA: The Machines of God devolvió a la banda a sus primeras raíces de rock a principios de 2000. Alcanzando el puesto número tres, MACHINA incluyó los sencillos “Stand Inside Your Love” y “The Everlasting Gaze”. En medio de la promoción del álbum, Corgan anunció su intención de disolver la banda ese año con una gira de despedida. Los fanáticos recibieron un último regalo cuando Corgan y compañía terminaron las pistas que quedaron de las sesiones de MACHINA. Sorprendentemente, Virgin Records se opuso a la idea de lanzar el conjunto de 25 pistas tan cerca del lanzamiento de su álbum anterior, por lo que la banda publicó el álbum completo (con el título oficial de Machina II: The Friends and Enemies of Modern Music) en Internet para que los fans lo descarguen gratis. El 2 de diciembre de 2000, los Pumpkins tocaron en un espectáculo gigantesco en el Metro de Chicago (también el lugar en el que el grupo tocó su primer espectáculo en 1988). Reservado como una despedida final, en realidad sería solo su primera pausa oficial, el comienzo de un período desigual para Corgan en el que los Pumpkins se harían conocidos tanto por la formación y los cambios de estado como por la música en sí.

Smashing Pumpkins – Parte 1

Aunque surgieron junto a grupos grunge como Nirvana y Pearl Jam, Smashing Pumpkins fue el grupo menos influenciado por el rock underground tradicional. Encabezados por el principal compositor y líder Billy Corgan, su sonido era una amalgama de rock progresivo, heavy metal, gótico, psicodelia y dream pop, un estilo poderoso y en capas, impulsado por guitarras distorsionadas y arremolinadas que se agitaban bajo las letras llenas de angustia de Corgan. Smashing Pumpkins, una de las bandas de rock alternativo más visible de principios de los 90, logró el éxito comercial durante la década con lanzamientos clásicos Siamese Dream y Mellon Collie and the Infinite Sadness, luego entró en un capítulo desigual y a menudo tumultuoso que los llevó a la década de 2000. . Después de una incursión incomprendida en el rock electrónico en Adore, Corgan realizó un par de esfuerzos finales antes de poner al grupo a dormir durante una pausa prolongada a principios de la década de 2000 que terminó con Zeitgeist de 2007. Junto con una alineación en constante cambio, continuó produciendo álbumes bajo el apodo de Pumpkins antes de volver a reunirse con la mayoría de la alineación original para una gira de reunión de 2018 y álbumes como Cyr, de 2020, lleno de sintetizadores.

Hijo de un guitarrista de jazz, William Patrick Corgan creció en un suburbio de Chicago y se fue de casa a los 19 años para mudarse a Florida con su incipiente banda de goth metal, The Marked. Después de que la banda fracasara en el sur, regresó a Chicago alrededor de 1988, donde comenzó a trabajar en una tienda de discos usados. En la tienda conoció a James Iha, un estudiante de artes gráficas en la Universidad de Loyola, y los dos comenzaron a colaborar, tocar y grabar canciones con una caja de ritmos. Corgan conoció a D’Arcy Wretzky en un espectáculo de club; después de discutir sobre los méritos de Dan Reed Network, los dos se hicieron amigos y ella se unió al grupo como bajista. Pronto, los miembros de la banda, que se autodenominaron Smashing Pumpkins, ganaron seguidores locales dedicados, que incluían al director de un club local que los contrató para abrir para Jane’s Addiction. Antes del concierto fundamental, la banda contrató a Jimmy Chamberlin, un ex músico de jazz, como baterista de tiempo completo.

En 1990, Smashing Pumpkins lanzó su sencillo debut, “I Am One”, en el sello local de Chicago Limited Potential. El sencillo se agotó rápidamente y en diciembre la banda lanzó “Tristessa” en Sub Pop. En este punto, Smashing Pumpkins se había convertido en el tema de una guerra de ofertas, y el grupo se aferró a una forma inteligente de mudarse a un sello importante sin perder credibilidad independiente. Firmaron con Virgin Records, pero se decidió que el debut del grupo se lanzaría en la subsidiaria de Virgin, Caroline, y luego la banda pasaría a las mayores. La estrategia funcionó; Gish, una mezcla majestuosa de Black Sabbath y dream pop producida por Butch Vig, se convirtió en un gran éxito del rock moderno y universitario tras su lanzamiento en la primavera de 1991. The Pumpkins se embarcaron en una extensa gira de apoyo para Gish, que duró más de un año e incluyó espacios de apertura para Red Hot Chili Peppers y Pearl Jam. Durante la gira de Gish, las tensiones entre los miembros de la banda comenzaron a escalar, ya que la ex pareja Iha y Wretzky atravesaron una complicada ruptura, Chamberlin se volvió adicto a las drogas y el alcohol, y Corgan entró en una fuerte depresión. Estas tensiones no se resolvieron cuando el grupo entró al estudio con Vig para grabar su segundo álbum.

Hacia el comienzo de las sesiones, el grupo recibió una exposición significativa a través de la inclusión de “Drown” en la banda sonora de Singles en el verano de 1992. A medida que avanzaban las sesiones, Corgan se liberó de su depresión trabajando intensamente, no solo escribió un excedente de canciones, tocó casi todas las guitarras y el bajo en cada grabación, lo que significó que su lanzamiento se retrasó varias veces. El álbum resultante, Siamese Dream, fue una producción inmaculada y fue acogido por la crítica desde su lanzamiento en julio de 1993. Fue su primer éxito de taquilla, debutando en el número diez de las listas y estableciendo a Smashing Pumpkins como estrellas. “Cherub Rock”, el primer sencillo, fue un éxito del rock moderno, pero fue “Today” y la acústica “Disarm” las que enviaron el álbum a la estratosfera. The Smashing Pumpkins se convirtieron en los cabezas de cartel de Lollapalooza 1994, y luego de la finalización de la gira, la banda volvió al estudio para grabar un nuevo álbum que Corgan ya había afirmado que sería un conjunto de dos discos. Para ayudar a los fanáticos hasta entonces, The Pumpkins lanzaron el álbum de caras B y rarezas Pisces Iscariot en octubre de 1994.

Culture Club: Parte 3

Mientras Boy George luchaba contra la adicción a la heroína y su posterior dependencia de los narcóticos recetados, Culture Club se separó. George confirmó la disolución del grupo en la primavera de 1987 y ese mismo año comenzó una carrera en solitario. Si bien su carrera en solitario produjo varios éxitos de baile en Europa, no obtuvo un éxito estadounidense hasta 1992, cuando su versión de “The Crying Game” de Dave Berry apareció en la película del mismo nombre nominada al Premio de la Academia. En 1995, George publicó su autobiografía, Take It Like a Man. Culture Club se reunió en 1998 y publicó el juego de dos discos VH1 Storytellers/Greatest Hits.

Un nuevo álbum, Don’t Mind If I Do, apareció en 1999, alcanzando el puesto 64 en las listas del Reino Unido; no recibió un lanzamiento estadounidense. Luego, Culture Club celebró su vigésimo aniversario con un concierto en 2002 en el Royal Albert Hall, luego entró en una pausa no oficial. Jon Moss y Mikey Cragg intentaron hacer una gira con un nuevo cantante llamado Sam Butcher, pero el proyecto fue descartado antes de su lanzamiento.

Culture Club se reunió en 2014 para una gira y la banda también comenzó a trabajar en un nuevo álbum con el productor Youth. El grupo programó el lanzamiento de un álbum llamado Tribes en 2015, pero el disco nunca se materializó. En cambio, las grabaciones proporcionaron la base para Life, el álbum de 2018 que marcó el primer álbum nuevo de Culture Club en casi 20 años.

Culture Club – Parte 2

Cuando se lanzó el segundo álbum de Culture Club, Color by Numbers, en el otoño de 1983, la banda era el grupo de pop/rock más popular en Estados Unidos e Inglaterra. “Karma Chameleon” se convirtió en un éxito número uno en ambos lados del Atlántico, mientras que el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido y el número dos en los EE. UU. A lo largo de 1984, el grupo acumuló éxitos con “It’s a Miracle” y “Miss Me”. Blind” alcanzando el Top Ten. En otoño, el grupo regresó con su tercer álbum, Waking Up with the House on Fire. Si bien “The War Song” alcanzó el número dos en el Reino Unido, el álbum fue una decepción en Estados Unidos y se estancó en el platino; su predecesor fue cuádruple platino.

Después de una breve gira en febrero, Culture Club hizo una pausa en 1985, con Craig, Moss y Hay realizando proyectos musicales extracurriculares en el ínterin. Durante el año, Boy George, que anteriormente había denunciado las drogas en público, se volvió adicto a la heroína. Además, su romance con Moss, que siempre había sido inestable, comenzó a desmoronarse. Todos estos problemas se mantuvieron ocultos, pero se hizo evidente que algo andaba mal cuando Culture Club volvió a la acción en la primavera de 1986. Aunque su sencillo de regreso, “Move Away”, se convirtió en un éxito en abril, el álbum que lo acompaña From Luxury to Heartache permaneció en las listas solo unos meses. Comenzaron a circular rumores sobre la adicción a la heroína de George y, para el verano, anunció que efectivamente era adicto a la droga. En julio fue arrestado por la policía británica por posesión de cannabis. Varios días después, el tecladista Michael Rudetski, que tocó en From Luxury to Heartache, fue encontrado muerto por una sobredosis de heroína en la casa de George. Los padres de Rudetski, sin éxito, trataron de presentar cargos por homicidio culposo contra Boy George.

Culture Club – Parte 1

Pocos grupos new wave fueron tan populares como Culture Club. A principios de los 80, el grupo acumuló siete éxitos consecutivos en el Top Ten en el Reino Unido y seis sencillos en el Top Ten en los Estados Unidos con su pop-soul ligero y contagioso. Aunque su música estaba lista para la radio, lo que llevó a la banda al estrellato fue Boy George, el carismático y travestido cantante principal del grupo. George vestía vestidos extravagantes y usaba mucho maquillaje, creando una apariencia encantadoramente andrógina que causó sensación en los primeros MTV. George también tenía un ingenio mordaz y con frecuencia se le ocurrían bromas cortantes que le valieron a Culture Club una gran exposición en los medios tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. Aunque estrechamente alineados con los nuevos románticos, ambos se inspiraron en el soul y la moda del norte, Culture Club tenía un sentido pop más agudo que sus pares y, en consecuencia, tenía un atractivo más amplio. Sin embargo, su tiempo en el centro de atención fue breve. No solo no pudieron resistir las modas cambiantes de MTV, sino que el grupo estaba plagado de tensiones personales, incluida la adicción a las drogas de Boy George. Para 1986, el grupo se había disuelto, dejando atrás varios sencillos que se ubican como clásicos de la era de la nueva ola.

El hijo del gerente de un club de boxeo, Boy George se sintió atraído por el glam rock de T. Rex y David Bowie cuando era adolescente. Durante la era post-punk de finales de los 70, se convirtió en un habitual de los nuevos clubes románticos de Londres. Junto con sus amigos travestis Marilyn y Martin Degville, George se hizo conocido en el metro de Londres por su extravagante sentido del estilo, apareció brevemente con la banda como el teniente Lush antes de irse para formar In Praise of Lemmings con el bajista Mikey Craig. Una vez que el guitarrista Jon Suede se unió al grupo, cambiaron su nombre a Sex Gang Children. A los pocos meses, la banda conoció a Jon Moss, un baterista profesional que había tocado anteriormente con Adam & the Ants and the Damned.

Para 1981, Boy George había cambiado el nombre del grupo a Culture Club y Suede había sido reemplazado por Roy Hay, un ex miembro de Russian Bouquet. Hacia finales de año, grabaron una serie de demos para EMI, pero el sello los rechazó. A principios de 1982, la banda firmó un contrato con Virgin Records y lanzó “White Boy” en la primavera. Ni “White Boy” ni su continuación, “I’m Afraid of Me”, llegaron a las listas de éxitos, pero la prensa británica de música y moda comenzó a publicar artículos sobre Boy George. En el otoño, Culture Club lanzó su exitoso sencillo, “Do You Really Want to Hurt Me”, que se disparó a la cima de las listas. Poco después, el debut de la banda, Kissing to Be Clever, subió al número cinco en las listas del Reino Unido y el sencillo que no es LP “Time (Clock of the Heart)” alcanzó el número tres. A principios de 1983, Kissing to Be Clever y “Do You Really Want to Hurt Me” comenzaron a subir en las listas de Estados Unidos, y el sencillo alcanzó el número dos. “Time” alcanzó el número dos en los EE. UU. Poco después de que el sencillo británico “Church of the Poison Mind”, que no pertenece al LP, alcanzara la misma posición en el Reino Unido. “I’ll Tumble 4 Ya” se convirtió en un éxito Top Ten en Estados Unidos ese verano.