Orzabal y Smith se conocieron de niños en Bath, Inglaterra. Ambos muchachos procedían de hogares deshechos y Smith se inclinaba hacia la delincuencia juvenil. Orzabal, sin embargo, se volvió hacia los libros y finalmente descubrió la terapia de gritos primarios de Arthur Janov, una forma de confrontar los miedos de la infancia que John Lennon abrazó después de que los Beatles se disolvieron. Orzabal entregó a Smith a Janov, pero antes de que el dúo explorara más esta teoría, formaron la banda de revival ska Graduate a finales de los 70. Después de lanzar un puñado de sencillos, incluido “Elvis Should Play Ska”, Graduate se disolvió a principios de los 80, y el dúo pasó a formar Tears for Fears, un grupo de synth pop inspirado directamente en los escritos de Janov.

Tears for Fears siempre fue más ambicioso que el grupo de synth pop promedio. Desde el principio, el dúo de Roland Orzabal y Curt Smith abordó grandes temas; su mismo nombre deriva de la terapia de gritos primarios de Arthur Janov, y sus teorías fueron evidentes a lo largo de su debut, The Hurting. Impulsados ​​por un synth pop contagioso y pegadizo, The Hurting se convirtió en un gran éxito en su Inglaterra natal, sentando las bases para el estrellato internacional con su segundo álbum, Songs From the Big Chair de 1985. Con la fuerza de los sencillos “Everybody Wants to Rule the World” y “Shout”, el disco se convirtió en un gran éxito, estableciendo al dúo como uno de los actos principales de la segunda generación de estrellas de MTV. En lugar de grabar rápidamente una continuación, Tears for Fears trabajó en su tercer álbum, el psicodélico y teñido de jazz-rock The Seeds of Love. Si bien el álbum fue un gran éxito, fue el final de una era en lugar de un nuevo comienzo. Smith dejó el grupo a principios de los 90 y Orzabal continuó con Tears for Fears, siguiendo direcciones más sofisticadas y pretenciosas para una audiencia más pequeña.

“Alive And Kicking” fue el resultado de que Simple Minds tuvo éxito con “Don’t You (Forget About Me)”, molestos porque no lo escribieron ellos mismos y decidieron seguir adelante y mostrarles a todos qué más podían hacer. Sí, esto es de Once Upon A Time, que a pesar de su éxito pop marcó el principio del fin de la banda creativamente. Al igual que “Don’t You (Forget About Me)”, es un trabajo de pura perfección pop.

“Alive And Kicking” no se convirtió en un gran éxito, aunque es probable que sea la segunda canción más reconocible de la banda. Cuando hablas de lo que hizo que Simple Minds fuera especial, esta canción podría ser un argumento atípico. Se parece poco a sus antiguas excursiones de synthpop, pero está bien. Es el gran final antes de que Simple Minds perdiera el rumbo: desde toda la oscuridad y el escurridizo trabajo inicial, hasta que encontraron su voz para los ganchos, este es el destino final, una canción pop hermosa, conmovedora y cristalina para marcar el final de la banda.

Esos primeros álbumes de art-rock de Simple Minds tenían el brillo y la audacia de los mejores y más innovadores álbumes de la era de la nueva ola. Eran urbanos, postapocalípticos y preocupados por las abstracciones sobre la sociedad europea de posguerra. Encontraron a Simple Minds empujando constantemente en nuevas direcciones, encontrando nuevos sonidos y ritmos extraños, capaces de crear canciones que eran hermosas, inquietantes y fuera de lugar, todo a la vez.

Después de Once Upon A Time, el gran álbum pop de Simple Minds de 1985 que llegó ocho meses después de The Breakfast Club, la banda comenzó a ir cuesta abajo. ¿Pero antes y durante ese tiempo? Eran una banda que, en el lapso de cinco o seis años, demostraron ser compositores talentosos, tocando géneros alternativos y luego utilizando lo que aprendieron allí para hacer grandes himnos más adelante.

Formado en Glasgow en 1977, Simple Minds experimentó cambios de formación con frecuencia, aunque siempre estuvo anclado por Jim Kerr y Charlie Burchill, los únicos dos miembros originales que quedan en la banda en la actualidad. Las contribuciones de su bajista Derek Forbes fueron cruciales en los primeros años. Inicialmente, eran una banda post-punk y new wave, lo suficientemente sencilla para la época. Fue en 1980, con su tercer álbum Empires And Dance, cuando las cosas realmente empezaron a hacer clic, cuando la banda comenzó a formular una mezcla futurista de rock, synthpop y varias variedades de música electrónica y dance. Durante varios años a principios de los 80, con álbumes amados que todavía están subestimados en el gran esquema de las cosas, fueron proveedores de art-rock que, sin embargo, a menudo tenían ganchos monstruosos, una señal de que tenían oído para el pop directo como bien y ambiciones para escenarios más grandes.

Hay puristas que aman estos fértiles años anteriores de Simple Minds y odian todo lo que sucedió después de que la banda tomó una dirección más orientada al pop y al rock. Y, por supuesto, eventualmente hubo rendimientos decrecientes allí. Pero la versión de la banda del synthpop siempre fue más poderosa y grandiosa, cualidades que dan lugar a toda la comparación con el “U2 escocés”, que no tiene mucho sentido cronológicamente. Simple Minds comenzó sus incursiones en el arena-rock con Sparkle In The Rain de 1984, que precedió a The Unforgettable Fire de U2 por ocho meses; eso significa que Simple Minds estaba haciendo música “al estilo de U2” antes de que U2 hiciera el tipo de música al estilo de U2 del que estamos hablando.

Los reconocimientos de Adele incluyen: quince premios Grammy y nueve Brits, en 2011, 2012 y 2016, Billboard la nombró Artista del Año. En los premios Ivor Novello de 2012 y 2016, Adele fue nombrada compositora del año por la Academia Británica de Compositores y Autores. En 2012, fue incluida en el número cinco de las 100 mujeres más importantes de la música de VH1. La revista Time la nombró una de las artistas más influyentes del mundo en 2012 y 2016.

Su tercera gira la vio romper récords de asistencia a nivel mundial, incluso en el Reino Unido, Australia y los EE. UU., y su álbum 21 ha sido incluido en la lista de Rolling Stone 500 Los mejores álbumes de todos los tiempos. Después de seis años de espera, llegó “Easy on Me”, la canción alcanzó el número 1 en la lista de sencillos Hot 100 de Billboard, con 54 millones de reproducciones 74,000 descargas de pistas, rompió el récord de Spotify de la mayor cantidad de transmisiones en un solo día, con 24 millones de clics alrededor del mundo. Su cuarto álbum de estudio, “30” se lanzó el 19 de noviembre de 2021.

En 2012, Adele lanzó “Skyfall”, un sencillo de la banda sonora de la película de James Bond del mismo nombre, que ganó el Premio de la Academia y el Globo de Oro a la Mejor Canción Original. Su tercer álbum de estudio, “25”, fue lanzado en 2015 y se convirtió en el álbum más vendido del año y rompió récords de ventas en la primera semana en el Reino Unido y Estados Unidos y le valió cinco premios Grammy, incluido el Álbum del año, y cuatro Premios Brit, incluido el Álbum británico del año. El sencillo principal, “Hello”, se convirtió en la primera canción en los Estados Unidos en vender más de un millón de copias digitales una semana después de su lanzamiento.

Una de las voces más originales y singulares del rock & roll durante casi cinco décadas, Bowie defendió el misterio, la rebelión y la curiosidad en su música. Siempre impredecible, el artista voluble e ícono de la moda usó muchas formas a lo largo de su vida. Comenzó su vida como un astronauta disidente del folk-rock, se convertiría en un extraterrestre andrógino, de cabello anaranjado y glam-rock, un maestro del funk bien vestido y de ojos azules, un creador de éxitos de la nueva ola, un rockero duro, un entusiasta del techno y un impresionista del jazz. Su talento para la teatralidad le ganó una legión de fanáticos.

En el camino, trazó los éxitos “Space Oddity,” “Changes,” “Fame,” “Heroes,” “Let’s Dance” and “Where Are We Now?, entre muchos otros. En consecuencia, su impacto en el mundo de la música ha sido inconmensurable. Los artistas que han versionado las canciones de Bowie y lo han citado como influencia incluyen Nirvana, Joan Jett, Duran Duran, Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, Arcade Fire, Oasis, Ozzy Osbourne, Morrissey, Beck, Red Hot Chili Peppers, Lady Gaga, Bauhaus y Nine Inch Nails.

Artísticamente, Bowie estaba avanzando. The Man Who Sold the World se lanzó en los Estados Unidos a finales de 1970 y con su atrevida composición y su melancólico sonido de hard-rock, fue el primer álbum en hacer un álbum completo que le hizo justicia a su escritura. La canción principal sigue siendo una de sus composiciones más atmosféricas, y canciones como All the Madmen y The Width of a Circle fueron formidablemente inventivas y logradas. Los temas del álbum incluían inmortalidad, locura, asesinato y misticismo, evidencia de que Bowie era un compositor que pensaba mucho más allá de los límites habituales del pop.

The Man Who Sold the World también fue significativo en otros aspectos. Su productor, Visconti, se convirtió en un aliado a largo plazo, y en el guitarrista Mick Ronson y el baterista Woody Woodmansey, Bowie había encontrado el núcleo de lo que se convertiría en Spiders from Mars. La portada del Reino Unido mostraba a Bowie holgazaneando con un vestido largo y con un parecido sorprendente con Lauren Bacall, jugando con el tema de la ambigüedad sexual que explotaría con tanto éxito.