Michael Hutchence era un nombre reconocido en Australia que saltó a la fama internacional con su banda ‘INXS’. Las actuaciones de Michael comenzaron a llamar la atención de los medios y su personaje en el escenario fue comparado con Mick Jagger y Jim Morrison.

Su álbum debut homónimo incluyó su primer éxito, “Just Keep Walking”. Continuaron trabajando duro y sólo seis meses después lanzaron una versión de un éxito de los sesenta, “The Loved One”, que realmente demostró ser el conjunto perfecto de tempo y letra para mostrar el fraseo sensual y la personalidad erótica del escenario de Michael.

En poco tiempo, INXS se dirigió con un breve salto a la escena internacional. En 1984 emprendieron su primera gira mundial. Esto marcaría el comienzo de años de constantes giras, escritura y grabación para Michael.

En 1985, INXS tocó ante 50.000 fans en tres espectáculos con entradas agotadas en su país de origen y dominó los espectáculos de premios musicales, algo que continuaron haciendo durante los siguientes cinco años. Ese mismo año, Michael y la banda actuaron para el Príncipe Carlos y Lady Diana en un concierto benéfico llamado”Rocking with the Royals”.

En marzo de 1986, Michael hizo su debut cinematográfico en Dogs In Space, de Richard Lowenstein. Michael interpretó a Sam Sejavka, un cantante de punk rock de Melbourne de finales de los setenta en la vida real que había luchado sin éxito contra la adicción a la heroína. Richard había escrito la película pensando en Michael, seguro de que podría llevarla a cabo. Michael no lo defraudó recibiendo críticas admirables por su actuación y entrando entre los diez primeros con un sencillo titulado Rooms For The Memory.

Desafortunadamente, el 22 de noviembre de 1997 el mundo de la música tuvo una gran pérdida cuando este artista sufrió una muerte temprana y trágica.

Dolores O’Riordan fue una de las mujeres más visibles del rock alternativo de principios de los noventa. Nació el 6 de septiembre de 1971, la menor de siete hermanos, creció encontrando consuelo en la música, cantando desde una edad temprana y tocando el piano clásico y el armonio en la iglesia.

En 1990, audicionó para una banda con sede en Limerick llamada Cranberry Saw Us y recibió el puesto de cantante principal, después de haber impresionado a sus futuros compañeros de banda con su melodiosa voz.

El grupo pronto cambió su nombre a Cranberries y comenzó a lanzar material de demostración, lo que despertó el interés de varios sellos importantes. Sin embargo, debido a problemas de gestión, el trabajo debut de los Cranberries, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We, no salió hasta 1993. Al año siguiente se lanzó No Need to Argue, un álbum cuyo primer álbum El sencillo “Zombie” llevó al grupo a la fama en varios países y lanzó a O’Riordan a la atención del público.

A medida que avanzaban los años 90, el éxito comercial de los Cranberries disminuyó constantemente. No obstante, lanzaron Wake Up and Smell the Coffee en 2001 y la recopilación de grandes éxitos Stars: The Best of 1992-2002 en 2002. Sin embargo, poco después, los miembros de la banda anunciaron que se separarían, lo que le dio tiempo a O’Riordan. solo para concentrarse en su familia y su salud

En los años siguientes, O’Riordan permaneció relativamente en silencio. No fue hasta un encuentro casual con el ex bajista de los Smiths Andy Rourke en 2015 que exploró nuevos territorios como miembro del súper trío D.A.R.K. Junto con Rourke y el productor y compositor neoyorquino Ole Koretsky, arregló y produjo el debut inspirado en la New Wave de D.A.R.K., Science Agrees (Cooking Vinyl), que se lanzó en 2016. Al año siguiente, los Cranberries regresaron con las reelaboraciones acústicas de Something Else, un álbum de éxitos reinventados de Cranberries acompañado de un trío de temas nuevos.

Después de la medianoche del 15 de enero, O’Riordan dejó dos mensajes de voz. En sus mensajes, habló con cariño sobre sus hijos, expresó su emoción por la muestra de Eminem y cantó un fragmento de “Bitter Sweet Symphony” de Verve (que Youth había producido). “Estaba en un buen lugar”, dice Waite. “He visto algunas cosas que decían que estaba deprimida, pero definitivamente estaba haciendo planes para la semana”, incluida, dice, una cena con él y su esposa.

Llamar a Bowie una figura de transición en la historia del rock es menos un juicio que una descripción de su trabajo. Cada nicho que encontró estaba en una cúspide, y no se sentía como en casa en ningún otro lugar; ciertamente no en el suburbio de Londres sin recursos, donde su infancia fue tan triste como deslumbrante sería su vida adulta.

Si bien la pose favorita de este aficionado nato era la de un gran artista seducido por las posibilidades del rock como vehículo, en verdad era más un rockero atraído por el arte porque funcionaba mejor que cualquier otra pose que hubiera probado.

“Space Oddity”, el sencillo de ciencia ficción que marca el verdadero comienzo de su carrera, alcanzó el top 10 en Gran Bretaña en 1969, pero no se convirtió en un elemento básico de la radio estadounidense hasta algunos años después, aunque Bowie astutamente había vinculado su lanzamiento original al Misión Apolo 11 a la Luna.

Su primer álbum destacado, The Man Who Sold the World (1970), un híbrido profético de folk, art rock y heavy metal, tampoco lo convirtió en un nombre familiar. No fue hasta Hunky Dory (1971) que dio con la atractiva noción posmoderna de presentar su camaleonismo como una identidad y no como la falta de ella.

Bowie continuó grabando hasta el siglo XXI, aunque un período de inactividad que siguió al lanzamiento de Reality (2003), una versión retrospectiva, llevó a la especulación de que se había retirado. Resurgió inesperadamente una década después con The Next Day (2013), una colección de canciones de rock seguras, en su mayoría sencillas. Blackstar (2016), inquisitivo y con infusión de jazz, se estrenó dos días antes de su muerte por cáncer.

En los últimos años de Bowie también coescribió el musical Lazarus (estrenado en 2015), inspirado en El hombre que cayó a la Tierra, y fue objeto de una exitosa exposición de arte, David Bowie Is (inaugurada en 2013).

Pat Benatar es una música ganadora de cuatro premios Grammy y con seis álbumes de platino y cuatro de oro. Cantando sencillos exitosos como “I Need a Lover”, “Heartbreaker”, “Fire and Ice”, “Treat Me Right”, “Hit Me with Your Best Shot”, “Hell Is for Children”, “Shadows of the Night”. y “Love Is a Battlefield”, Benatar es reconocida como una de las vocalistas de rock femeninas más importantes de la industria.

Este período también produjo el primer sencillo en solitario de Benatar, “Day Gig” de 1974, hasta su eventual debut en un sello importante en Chrysalis Records en 1979. La canción fue lanzada a través de Trace Records y fue escrita y producida por el líder de la banda Army de Coxon, Phil Coxon.

La gran oportunidad de Benatar llegó en 1975 en una noche de aficionados en el club de comedia “Catch a Rising Star” en la ciudad de Nueva York. Su conmovedora interpretación de “Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody” de Judy Garland le valió una llamada del propietario del club, Rick Newman, quien más tarde se convertiría en su manager.

Después de muchos años de producir álbumes de gran presupuesto, Neil y Pat han seguido produciendo álbumes juntos, aunque han decidido poner fin a su asociación con sellos importantes. En cambio, han optado por anteponer el cuidado de sus hijos a las demandas de la industria y grabar discos en casa, en su propio estudio de calidad profesional. Pat y Neil mantienen una relación estrecha y mucho más personal con sus fans que la que podían tener en los años 80, durante el apogeo de su éxito comercial.

Vocalista escocesa y mitad del popular dúo de rock británico de los años 80 Eurythmics, conocida por su versatilidad vocal, presencia imponente en el escenario, estilo andrógino y apariencia en constante cambio. Su voz única y sus colaboraciones con el socio de Eurythmics, Dave Stewart, la ayudaron en la transición a una exitosa carrera en solitario que produjo muchas canciones exitosas y le valió numerosos premios y reconocimientos.

Aunque era tímida fuera del escenario, Lennox cautivó al público con sus poderosas y carismáticas actuaciones. La banda lanzó algunas canciones exitosas, incluidas “The Loneliest Man in the World” (1979) y “So Good to Be Back Home Again” (1979). Su mayor éxito fue una versión de “I Only Want to Be with You” de Dusty Springfield (1979).

The Tourists lanzaron tres álbumes antes de separarse mientras estaban de gira por Australia en 1980. Poco después, Lennox y Stewart rompieron su relación romántica, que había comenzado poco después de conocerse en 1976. Sin embargo, continuaron colaborando musicalmente. Mientras experimentaban juntos con un sintetizador en una habitación de hotel en Australia, formaron un nuevo dúo llamado Eurythmics, cuyo nombre se deriva de un sistema de instrucción musical que involucra movimientos corporales con el que Lennox se había familiarizado durante su tiempo en la escuela.

El mayor éxito de Eurythmics hasta el momento: “Sweet Dreams (Are Made of This)”, la canción principal de su segundo álbum de estudio. La canción alcanzó el número dos en las listas del Reino Unido y alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot 100 en los EE. UU.

Baterista, cantante, compositor y productor discográfico inglés que saltó a la fama en el mundo de la música en las décadas de 1970 y 1980 tanto por su trabajo con la banda de rock Genesis como por su pop. Carrera en solitario. Fue ganador de múltiples premios Grammy en las décadas de 1980 y 1990.

La gran oportunidad de Collins llegó en 1970 cuando consiguió un puesto como baterista de la banda de rock progresivo Genesis, cuyo cantante principal era Peter Gabriel. Cuando Gabriel se fue para seguir una carrera en solitario Collins asumió la voz principal. Bajo su dirección, la banda desarrolló lentamente un sonido más convencional marcado por una serie de sencillos exitosos y los exitosos álbumes Duke (1980), Abacab (1981) e Invisible Touch (1986).

Aunque Collins permaneció con Genesis hasta 1996, también comenzó una carrera en solitario en 1981. Mientras que Genesis producía álbumes de rock “intelectuales”, Collins como solista presentaba canciones pop que atraían a un público más general. En 1981, Collins lanzó su álbum debut en solitario Face Value, con “In the Air Tonight” como sencillo principal. La canción se convirtió en un éxito internacional, alcanzando el número dos en las listas del Reino Unido.

A lo largo de su carrera, Collins recibió varios premios Grammy, incluido álbum del año por No Jacket Required (1985), grabación del año por “Another Day in Paradise” (1989) y mejor álbum de banda sonora por Tarzán (1999). Entre sus otros honores, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Genesis en 2010.

Toto es una banda de rock estadounidense ganadora del premio Grammy que se formó en Los Ángeles, California en 1977 por David Paich, Steve Lukather, Bobby Kimball, los hermanos Jeff Porcaro y Steve Porcaro, y David Hungate.

Los miembros de la banda se habían conocido en la escuela secundaria y en sesiones de estudio en la década de 1970, cuando se convirtieron en algunos de los músicos de sesión más activos en el negocio de la música.

La banda definió el sonido suave y elegante del sur de California a finales de los 70 y principios de los 80. Esto no es lo mismo que decir que Toto únicamente tocaba rock suave, aunque contribuyeron con su parte de estándares adultos contemporáneos, tanto como banda como como músicos de sesión para Steely Dan, Boz Scaggs, George Benson y Michael Jackson.

Toto lanzó su álbum debut Toto en octubre de 1978, vendiendo dos millones de copias basándose en su éxito entre los diez primeros, Hold the Line. Los dos álbumes siguientes, Hydra y Turn Back, tuvieron poco éxito, pero Toto IV (lanzado en 1982) incluyó el éxito número uno en África, así como el sencillo entre los diez primeros, Rosanna. Toto IV obtuvo multiplatino y ganó varios premios Grammy, incluido Álbum del año 1983 y Grabación del año (por “Rosanna”).

Su único trabajo cinematográfico hasta la fecha fue para la película de ciencia ficción de David Lynch de 1984, Dune. Además de su propia partitura, también grabaron el tema Prophecy, compuesto por Brian Eno.

El 5 de abril de 2008, Toto tocó en el que sería su último show, en Seúl, Corea, como parte de su gira Falling In Between Live. Esto dejó a muchos fans sin una verdadera gira de despedida.

Líder o colíder del grupo de rock británico The Beatles, autor y artista gráfico, artista solista y colaborador de Yoko Ono en grabaciones y otros proyectos artísticos. La habilidad innata de Lennon en la escritura y las artes visuales fue notoria, siendo el único campo en el que recibió una educación formal. Aunque sus talentos en ambos campos eran notables, al final demostró ser un humorista un caricaturista ocasional pero memorable.

A los 16 años, fundó una banda de skiffle que evolucionó hasta convertirse en los Beatles, el grupo musical más importante de la segunda mitad del siglo XX.

Los Beatles fueron esencialmente una empresa conjunta entre Paul McCartney y Lennon, pero, como fuerza cultural disruptiva, siempre llevaron el sello de Lennon. Musicalmente, sólo dos de los innumerables ejemplos son la franca franqueza que su voz añadió al vulnerable “You’ve Really Got a Hold on Me” de Smokey Robinson en 1964 y el puente “I used to be cruel to my woman” que añadió al positivo de McCartney. pensando “Getting Better” en 1967.

Culturalmente también, Lennon asumió el papel del provocador sincero. Los cuatro Beatles eran ingeniosos, los cuatro irreverentes. Pero sólo Lennon habría observado: “Ahora somos más populares que Jesús” o reducido la historia de la cultura juvenil a “Estados Unidos tenía adolescentes y en todas partes simplemente había gente”.

Lennon fue asesinado a tiros por un fan trastornado, Mark David Chapman, frente a su edificio de apartamentos en Manhattan el 8 de diciembre de 1980. El asesinato de Lennon tuvo y sigue teniendo un profundo impacto en la cultura pop. Tras el trágico suceso, millones de fans en todo el mundo lloraron mientras las ventas de discos se disparaban. Y la prematura muerte de Lennon aún hoy evoca una profunda tristeza en todo el mundo, mientras continúa siendo admirado por las nuevas generaciones de fanáticos.

Músico, cantante y compositor británico, que saltó a la fama como guitarrista principal de los Beatles, uno de los más importantes. y bandas influyentes en la historia de la música rock. Harrison era el más joven de los “Cuatro Fabulosos” y era conocido como “el Beatle tranquilo”. Posteriormente logró un éxito singular como compositor e intérprete.

Harrison comenzó a tocar la guitarra en la escuela secundaria. Más tarde conoció a Paul McCartney, quien invitó a Harrison a unirse a Quarrymen, la banda de rock que él y John Lennon habían formado. El grupo pasó por varios cambios de nombre y formación antes de convertirse en los Beatles y decidirse por Harrison como guitarra principal, Lennon como vocalista y guitarra rítmica, McCartney como vocalista y bajo, y Ringo Starr como baterista.

Harrison lanzó su primer trabajo en solitario en 1968 con la banda sonora de la película psicodélica Wonderwall. Tras la disolución de los Beatles en 1970, continuó publicando grabaciones en solitario, en particular el exitoso álbum triple All Things Must Pass (1970), que incluía el memorable “My Sweet Lord”. Otras canciones populares incluyeron “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)”, en Living in the Material World (1973), y “Got My Mind Set on You”, en Cloud Nine (1987).

Después del asesinato de Lennon en 1980, Harrison mantuvo un perfil público bajo. Fue atacado en su casa por un intruso en 1999, pero sobrevivió con múltiples puñaladas. Harrison también fue tratado por cáncer de garganta en 1997, por cáncer de pulmón y un tumor cerebral en 2001. Murió a la edad de 58 años ese año.

El extravagante talento para el espectáculo y poderosa agilidad vocal, sobre todo en el grupo Queen, convirtieron a Freddie Mercury en uno de los líderes más dinámicos del rock.

Influenciado por el duro estilo basado en el blues de grupos de rock como Cream y Jimi Hendrix, Bulsara empezó a cantar con grupos de Londres. También se hizo amigo del guitarrista Brian May y del batería Roger Taylor, del grupo Smile, y en 1970, cuando el vocalista de Smile abandonó el grupo, Bulsara le sustituyó. Pronto cambió el nombre del grupo a Queen y el suyo propio a Freddie Mercury.

A pesar de su impresionante mezcla de majestuosas armonías vocales y virtuosismo en las guitarras, Queen no consiguió llamar la atención más allá del Reino Unido. Sin embargo, el álbum Sheer Heart Attack (1974) se disparó en las listas internacionales, y A Night at the Opera (1975) se vendió aún mejor.

El ambicioso enfoque de la banda tanto en la composición de canciones como en la producción de estudio se personificó en el single de este último álbum, “Bohemian Rhapsody”, una de las numerosas composiciones de Queen escritas principalmente por Mercury. La canción estuvo nueve semanas en lo más alto de la lista británica de singles, y la película promocional que la acompañaba ayudó a la industria musical a reconocer su futuro en el vídeo. En 1977 siguieron éxitos espectaculares con “We Are the Champions” y “We Will Rock You”, que se convirtieron en himnos omnipresentes en acontecimientos deportivos en Gran Bretaña y Estados Unidos.

En 1985 Mercury publicó el disco en solitario Mr. Bad Guy, que se inspiraba en la música disco. Más tarde, Mercury apareció en la banda sonora del musical de ciencia ficción Time (1986), de Dave Clark, y se asoció con la soprano española Montserrat Caballé para el álbum semioperatorio Barcelona (1988).

Fue después que en 1991 Mercury anunció que le habían diagnosticado sida. Murió al siguiente día por complicaciones relacionadas con la enfermedad. Hasta poco antes de su muerte, Mercury había seguido grabando con Queen, y apareció póstumamente en el último álbum de la banda, Made in Heaven (1995).