Porque en los 80 el amor sonaba mejor… y con sintetizadores.

¿Te acuerdas de cuando creías que enamorarte sería como una película con música de fondo, besos bajo la lluvia y una coreografía espontánea? No estás sola. Y probablemente esa idea vino de las canciones pop de los 80: esas joyas melódicas que convertían cualquier paseo en la secundaria o crush imposible en una escena de película romántica.

Con sintetizadores brillantes, letras cursis (pero efectivas) y coros que se quedaban contigo para siempre, estas canciones nos vendieron el soundtrack perfecto del amor… aunque la historia fuera más drama que comedia.

1. “If You Leave” – Orchestral Manoeuvres in the Dark

La rola que todos asociamos con el final de Pretty in Pink. Esta canción hizo que despedirse se sintiera épico y digno de cámara lenta. Dulce, nostálgica y absolutamente cinematográfica.

2. “Heaven” – Bryan Adams

Un clásico de las baladas románticas que nos enseñó que el amor adolescente podía sentirse como el cielo… o al menos como una escena en cámara lenta en una pista de patinaje.

3. “Time After Time” – Cyndi Lauper

Ideal para una escena donde alguien corre bajo la lluvia o mira por la ventana con ojos de “te extraño”. Cyndi convirtió la vulnerabilidad en algo hermoso, y todas queríamos un amor que regresara una y otra vez.

4. “True” – Spandau Ballet

Porque no hay comedia romántica ochentera sin una canción lenta para el baile final. Esta balada elegante hizo que los silencios incómodos se sintieran poéticos y que un “te amo” tuviera eco eterno.

5. “Take My Breath Away” – Berlin

Sí, Top Gun fue acción… pero esta canción era puro amor con viento en el cabello. Un himno a esos romances intensos que te dejan sin aliento (aunque duren solo un verano).

El pop de los 80: la banda sonora de nuestras fantasías amorosas

Estas canciones no solo definieron una década; definieron cómo queríamos que se sintiera el amor. Aunque la realidad no tuviera montajes románticos, estas melodías nos hicieron creer —aunque fuera por unos minutos— que vivir dentro de una comedia romántica era posible… y sí, también corearlas a todo pulmón frente al espejo con cepillo en mano.

El compositor español Nacho Cano, exintegrante de Mecano, trae a México su ambicioso proyecto teatral Malinche, una obra que ha causado sensación por su innovadora propuesta y su poderoso mensaje.

Asistimos a la conferencia de prensa de Malinche el musical y Nacho se presentó junto a sus productores María Laura Medina de Salinas y David Hatchwell, Cano compartió con los medios y asistentes su visión de esta producción que busca recontar la historia de Malinche desde una nueva perspectiva, más empática y profunda. La alfombra roja se iluminó con la presencia del elenco completo y de varios artistas invitados.

Malinche no es un musical cualquiera: fusiona flamenco, pop, rock, ballet contemporáneo, efectos especiales y, sorprendentemente, ¡hasta aromas en vivo! Se trata del primer musical multisensorial en México, diseñado para que el público sienta la historia con todos los sentidos.

Para él, el mestizaje entre culturas dio origen a algo único: un país con una riqueza cultural que no se repite en ningún otro proceso histórico. “México es grande en la música, en la gastronomía, en el turismo, en todo”, comentó.

El productor David Hatchwell complementó el mensaje afirmando que la obra no busca dividir, sino celebrar la diversidad y encontrar belleza en el encuentro entre civilizaciones. “No se trata de pedir perdón, sino de mirar hacia adelante”.

Con más de 31 mil asistentes y funciones con localidades agotadas todos los días, Malinche ha conectado profundamente con su audiencia. “La gente se va más orgullosa de ser mexicana que cuando llegó”, comentó Nacho Cano.

La canción que nos enseñó que el dolor también puede ser bailable.

En los 90, entre tanto grunge, eurodance y pop burbujeante, hubo una canción que nos hizo detenernos y sentir. “Missing” de Everything But The Girl no solo fue un éxito internacional: fue una revolución emocional camuflada de beat electrónico. Detrás de su melodía melancólica y ese ritmo hipnótico se escondía una historia de pérdida, nostalgia y soledad que nos pegó directo al corazón… y que hasta hoy, sigue doliendo bonito.

Lo que comenzó como una balada acústica terminó convirtiéndose en un himno global gracias a un remix inesperado. Y ese giro no solo cambió la vida de sus creadores, también dejó huella en la música pop de los 90. Esta es la historia de cómo una canción triste conquistó las pistas de baile (y nuestros corazones rotos).

1. Una balada folk con corazón roto

Cuando “Missing” se lanzó originalmente en 1994, era una balada tranquila, melancólica, con tintes de folk y jazz, como el resto del álbum Amplified Heart. Pero algo en la voz de Tracey Thorn —ese susurro desgarrador que repetía “and I miss you, like the deserts miss the rain”— tenía un poder especial: hablaba de pérdidas silenciosas, de amores que se van pero no se olvidan.

2. El remix que lo cambió todo

Todo explotó cuando el productor Todd Terry la remezcló con un beat de house sutil, elegante y envolvente. El resultado fue mágico: la tristeza de la letra no se fue, pero ahora te hacía bailar con lágrimas contenidas. Esta versión trepó a los primeros lugares de los charts en más de 10 países y se convirtió en uno de los grandes himnos de la década.

3. Una ruptura con el sonido tradicional del pop

“Missing” rompió moldes. No era una balada clásica, tampoco un tema dance genérico. Era un híbrido emocional que le abrió camino a una nueva forma de hacer pop introspectivo. El dúo británico, que llevaba años en la escena indie sin tanta atención mediática, se volvió mainstream sin perder su esencia.

4. Tracey Thorn: la voz de una generación dolida (y elegante)

El timbre de Tracey es todo menos típico: grave, suave, contenidamente emocional. Su interpretación en “Missing” no grita, no dramatiza. Solo confiesa. Y eso fue suficiente para que miles nos sintiéramos identificadas. Porque a veces el desamor no necesita escándalo, solo una voz honesta.

5. El legado de una canción eterna

Aunque Everything But The Girl se despidió por años (hasta su regreso en 2023), “Missing” nunca dejó de sonar. Su influencia se nota en artistas como Robyn, Jessie Ware o The xx. Porque sigue siendo el ejemplo perfecto de cómo se puede convertir el dolor en belleza… y en un beat inolvidable.

“Missing”: la tristeza que bailamos sin darnos cuenta

Hay canciones que simplemente capturan algo profundo, algo que no se explica, solo se siente. “Missing” es una de esas. Y aunque hayan pasado casi 30 años, esa frase sigue retumbando: “like the deserts miss the rain”. Porque sí, seguimos extrañando… y seguimos bailando.

Cuando el ska-punk, la moda y la actitud se mezclaron para cambiar el pop de los 90.

Antes de que Gwen Stefani se volviera una fashion icon y estrella del pop por su cuenta, ya era la frontwoman de una de las bandas más explosivas de los 90. No Doubt no solo trajo frescura a la escena musical con su fusión de ska, punk y pop, también marcó una generación con su estética, energía en el escenario y letras que hablaban desde el corazón.

Su éxito no fue inmediato, pero cuando llegó, explotó a nivel global. Con Tragic Kingdom conquistaron el mundo y redefinieron lo que una banda de rock liderada por una mujer podía hacer. Esta es la historia de cómo No Doubt fue mucho más que la banda que lanzó a Gwen Stefani al estrellato.

1. De garaje a MTV: el inicio de la historia

No Doubt nació en los suburbios de Anaheim, California, a mediados de los 80. Con influencias del ska británico y del punk californiano, su estilo era tan único que al principio nadie sabía cómo clasificarlo. Pero Gwen, con su carisma desbordante y una imagen rompedora, se volvió el rostro perfecto para llevar el sonido alternativo a las masas.

2. Tragic Kingdom: el álbum que lo cambió todo

Lanzado en 1995, Tragic Kingdom fue el parteaguas. El disco hablaba de rupturas, caos interno y emociones reales, todo envuelto en trompetas, guitarras rápidas y hooks inolvidables. “Just a Girl”, “Spiderwebs” y sobre todo “Don’t Speak” pusieron a No Doubt en todos los charts, radios y portadas del mundo.

3. El impacto cultural: estilo, rebeldía y autenticidad

Gwen no solo cantaba, también dictaba estilo. Su mezcla de punk, ska, inspiración asiática y moda callejera rompió con los moldes de las estrellas pop del momento. No Doubt representaba algo auténtico: no se trataba de perfección, sino de actitud, honestidad y una energía brutal en vivo.

4. El reconocimiento mundial

Después del boom de Tragic Kingdom, la banda giró por todo el mundo, agotó estadios y fue cabeza de cartel en festivales masivos. Fueron nominados a múltiples premios Grammy y se convirtieron en íconos globales del cambio de milenio. Era imposible ignorar su fuerza, su propuesta sonora única y la manera en que conectaban con los fans.

5. La transición de Gwen: del grupo al pop internacional

En 2004, Gwen Stefani decidió tomarse una pausa de la banda para experimentar como solista. Aunque sus álbumes en solitario explotaron en popularidad, la raíz de su éxito siempre estuvo en esa etapa con No Doubt, donde nació la estrella. Y aunque la banda volvió por momentos, nunca fue igual.

No Doubt fue mucho más que el trampolín de Gwen: fue un fenómeno irrepetible

No Doubt nos dejó algo más que hits: nos dejó una actitud, una estética y una energía que definió el espíritu de los 90. Y aunque Gwen brilló por su cuenta, nunca se podrá hablar de ella sin recordar la magia caótica, rebelde y poderosa de esos años con la banda que lo cambió todo.

Romanticismo pop, letras profundas y baladas inolvidables que siguen tocando el corazón.

En 1997, dos chicos australianos llegaron a nuestras vidas con un sonido entre lo etéreo y lo intensamente romántico. Savage Garden, el dúo formado por Darren Hayes y Daniel Jones, lanzó un disco debut que se convirtió en un clásico inmediato del pop de los 90. Con letras sensibles, melodías pegajosas y una producción impecable, su primer álbum homónimo no solo nos regaló hits para cantar a todo pulmón… también se convirtió en el soundtrack emocional de toda una generación.

Ahora, a más de dos décadas de su lanzamiento, es el momento perfecto para revisitar esas canciones que aún suenan como si el tiempo no hubiera pasado.

1. “I Want You”: el inicio fue puro ritmo y misterio

Con un ritmo acelerado, casi susurrado y con letra críptica (¿alguien más trató de cantarla completa sin fallar?), esta canción puso a Savage Garden en el radar global. Su sonido fresco, lleno de sintetizadores y energía noventera, sigue sonando moderno, como si hubiera salido ayer.

2. “To the Moon and Back”: una balada espacial sobre el amor real

Una de las joyas más profundas del disco. Esta canción habla de una chica que quiere amor verdadero, no uno superficial. Con una vibra melancólica y poderosa, Savage Garden demostró que el pop podía ser introspectivo sin dejar de ser pegajoso.

3. “Truly Madly Deeply”: la balada que definió miles de enamoramientos

No hay forma de hablar de este álbum sin mencionar este himno romántico. Fue #1 en Billboard y sigue siendo una de las baladas más icónicas de los 90. ¿Cuántos primeros bailes, declaraciones de amor o playlists de ruptura no la incluyen?

4. “Break Me Shake Me” y “Universe”: joyas menos mainstream, igual de brillantes

El disco no solo vive de sus sencillos. Canciones como Break Me Shake Me mostraban un lado más oscuro y rockero del dúo, mientras que Universe era un viaje emocional con una producción elegante. Escucharlas hoy es descubrir detalles que tal vez pasaste por alto.

Un disco debut que sigue siendo atemporal

Lo que hizo especial a Savage Garden fue su mezcla de vulnerabilidad y estilo. Su sonido era perfectamente noventero, pero no se quedó atrapado en esa época. Las letras siguen conectando, las melodías siguen sonando limpias y su impacto se siente cada vez que alguien se atreve a cantar “I wanna stand with you on a mountain…” con todo el corazón.

Porque sí: hubo un momento en los 90 donde el dúo sueco era imparable (aunque pocos lo reconozcan).

Cuando hablamos de íconos del pop en los 90, muchas veces se mencionan nombres como Madonna, Mariah Carey o Janet Jackson. Pero hay una historia que no se cuenta lo suficiente: Roxette, el dúo sueco formado por Marie Fredriksson y Per Gessle, dominó los charts, llenó estadios por todo el mundo y conquistó América Latina como pocas bandas lo lograron. Y no, esto no fue algo menor: en su mejor momento, Roxette fue más grande que Madonna en muchos países… y nadie parece recordarlo.

Este es un viaje de regreso a esa época donde “It Must Have Been Love” sonaba en cada radio, donde Marie brillaba con su voz y estilo únicos, y donde una banda sueca hizo historia sin hacer tanto ruido… pero dejando huella.

1. Roxette y los 4 hits #1 en Billboard que nadie te presume

No cualquiera logra colarse al #1 del Hot 100 una vez. Roxette lo hizo cuatro veces: The Look, Listen to Your Heart, It Must Have Been Love y Joyride. En una época dominada por artistas anglosajones, su sonido pop-rock con melodías pegajosas logró romper fronteras, y lo hicieron sin escándalos ni controversias: solo con talento.

2. América Latina: su segundo hogar

Mientras en Europa ya eran estrellas desde los 80, su impacto en Latinoamérica fue abrumador en los 90. Roxette llenó estadios en Argentina, Brasil, Chile y, por supuesto, México. Sus conciertos eran eventos masivos, con miles de fans cantando cada palabra. Para muchas, fue el primer concierto internacional de sus vidas… y eso no se olvida.

3. “It Must Have Been Love” y el fenómeno Pretty Woman

Este tema, parte del soundtrack de Pretty Woman (1990), los catapultó al nivel de súper estrellas. La canción no solo se convirtió en un himno de desamor, también ayudó a cimentar la conexión emocional entre Roxette y toda una generación. Esa balada sigue partiendo corazones hasta hoy.

4. Marie Fredriksson: una frontwoman única

Marie era poderosa, elegante, emocional. Su voz podía ser dulce o desgarradora, y su presencia en el escenario era magnética. En una industria que solía priorizar la imagen sobre el talento, ella brillaba con autenticidad. Su legado vocal está a la altura de las grandes… aunque no se diga tanto como se debería.

5. El olvido injusto (y por qué hay que hablar más de Roxette)

Después de los 90, su fama bajó un poco, pero nunca desaparecieron. Su música siguió sonando, sus giras continuaron, y su legado permanece. La industria puede haber pasado página, pero su impacto real no se puede borrar. Es momento de volver a poner a Roxette en el lugar que merece: el de leyendas pop globales.

Roxette fue gigante, aunque muchos no lo digan

Más allá de los charts, Roxette logró algo que muchos artistas envidiarían: crear una conexión emocional profunda con sus fans. Y aunque el mundo no siempre les da el crédito que merecen, nosotras sí lo hacemos. Porque en cada nota de Spending My Time, Fading Like a Flower o Dangerous, sigue viva una época donde ellos eran más grandes que nadie.

Michael Bolton, la icónica voz detrás de baladas inolvidables, revela cómo enfrenta su batalla contra el cáncer cerebral con optimismo, disciplina y mucha fuerza interior.

Desde 2023, el cantante ha estado lidiando con un diagnóstico de glioblastoma, una forma agresiva de cáncer cerebral. Aunque fue sometido a dos cirugías —una en diciembre de 2023 y otra en enero de 2024—, no reveló su condición hasta que se sintió listo para compartirlo con sus fans. “Tienes que ser tu propia porrista”, expresó Bolton en una emotiva entrevista para People.

Tras completar sus tratamientos de radiación y quimioterapia, Bolton se somete a resonancias magnéticas cada dos meses. Afortunadamente, su último escaneo en abril salió limpio, aunque sus médicos continuarán monitoreándolo de cerca debido a la alta tasa de recurrencia del cáncer que padece.

A pesar de los desafíos físicos —como problemas de habla, movilidad y memoria a corto plazo— Bolton se mantiene activo: juega golf, entrena con un coach personal y toma clases de canto para mantener su voz en forma. Además, la experiencia lo ha motivado creativamente. Ya tiene un nuevo título en mente: “Ain’t Going Down Without a Fight”.

Michael Bolton demuestra que, incluso en los momentos más difíciles, se puede encontrar inspiración y seguir adelante con pasión. Su historia es una lección de fuerza, disciplina y amor por la vida.

De los Beatles a Bruce Springsteen, este nuevo documental celebra al hombre que convirtió cada show en un evento inolvidable.

Este 30 de mayo llega a los cines Ron Delsener Presents, un documental dirigido por Jake Sumner que narra la vida y legado de Ron Delsener, el legendario promotor de conciertos que cambió la forma de vivir la música en vivo en Nueva York. Su historia está contada con anécdotas de artistas icónicos como Paul Simon, Billy Joel, Cher, Jon Bon Jovi, Bette Midler, Lenny Kaye y muchos más.

Delsener fue el cerebro detrás de conciertos históricos como los Beatles en el Forest Hills Tennis Stadium, David Bowie en Carnegie Hall, Patti Smith en el Palladium y el legendario show de Simon & Garfunkel en Central Park. “Ron Delsener era omnipresente… y Nueva York era su ciudad”, dice Paul Simon en el tráiler del filme.

Además de rendir homenaje a su carrera, la cinta ofrece un viaje por momentos clave de la industria del entretenimiento, todo acompañado de imágenes poderosas y presentaciones en vivo que marcaron época. Para el director, este proyecto no es solo una biografía: es un collage de historias, éxitos y fracasos que moldearon una era.Ron Delsener Presents es un imperdible para fans de la música, la historia del rock y quienes aman los grandes espectáculos. Más que un documental, es una carta de amor a los conciertos que nos marcaron para siempre.

La cantante asegura estar más fuerte que nunca emocionalmente, y aprovecha el momento para agradecer a sus fans por acompañarla en su evolución personal y artística.

Katy Perry volvió a ser tendencia tras participar en un vuelo espacial exclusivo de Blue Origin junto a Lauren Sánchez (prometida de Jeff Bezos), Gayle King, Amanda Nguyen, entre otras mujeres destacadas. Aunque la experiencia fue única, la cantante ha recibido fuertes críticas en redes sociales, sobre todo por el alto costo del viaje. Ante esto, Katy decidió responder desde el corazón.

A través de un mensaje en una cuenta de fans, Katy dejó claro que no permitirá que los comentarios negativos la afecten. “He trabajado mucho en conocer quién soy y qué es lo verdaderamente importante para mí”, escribió. También compartió un consejo de su terapeuta que la ha marcado: “Nadie puede hacerte creer algo de ti que tú no creas”.

Sobre las críticas en redes, Katy fue muy clara: “Sé que muchas personas están heridas y que internet es un lugar donde lo no sanado se descarga”. En lugar de engancharse, prefiere enviar amor y comprensión, sabiendo que cada experiencia —buena o mala— es una oportunidad para crecer.

La intérprete de Firework también agradeció profundamente a sus fans por seguirla a lo largo de los años y formar parte de su viaje. Actualmente, Katy está de gira con The Lifetimes Tour, cuya próxima parada es Houston, Texas, este 7 de mayo.

Su mensaje cierra con fuerza: “Estoy en una aventura humana, jugando el juego de la vida con una audiencia inmensa. A veces caigo, pero me levanto, sigo adelante y busco siempre la luz, y en esa luz… un nuevo nivel se desbloquea.”

El actor sorprendió al público interpretando el icónico tema del filme que lo catapultó a la fama hace 40 años.

Kevin Bacon volvió a hacer vibrar a sus fans al interpretar en vivo el clásico tema Footloose, durante el festival Stagecoach en California. Acompañado de su hermano Michael como parte de su banda The Bacon Brothers, el actor revivió el tema que lo lanzó a la fama en 1984 y que se convirtió en todo un himno generacional.

@stagecoach The legend of The Bacon Brothers is alive in the Palomino @The Bacon Brothers Watch the @Amazon Music livestream only on @Prime Video and Amazon Music’s Twitch channel. #thebaconbrothers #stagecoach #country ♬ original sound – stagecoach

La película Footloose marcó un antes y un después en la carrera de Bacon, al interpretar a un joven rebelde que lucha por eliminar la prohibición del baile en un pequeño pueblo conservador. La canción principal, escrita por Kenny Loggins, fue un éxito global y sigue siendo un clásico del pop ochentero.

Aunque Bacon se ha mostrado agradecido con la cinta, rechazó participar en el remake de 2011, explicando que el papel que le ofrecieron —el del padre del protagonista— no le pareció interesante y no sumaba nada a la historia original.

Además de esta nostálgica presentación, el año pasado el actor también sorprendió al asistir al baile de graduación de Payson High School en Utah, la escuela que sirvió como locación para la ficticia Bomont High School, celebrando así el 40 aniversario de la película y el último baile antes de que el colegio cambiara de sede.

Kevin Bacon demuestra que, a cuatro décadas de distancia, el espíritu libre y rebelde de Footloose sigue más vivo que nunca, y su conexión con el público permanece intacta.