La adolescencia en los 80 tenía sabor a Pepsi, olor a spray para el cabello y ritmo a pop. Puede que hoy jures que eras más fan del rock o que solo escuchabas bandas “underground”, pero todas sabemos que ciertas canciones pop simplemente marcaron tu vida. Son esos temas que bailabas en fiestas de secundaria, que grababas de la radio en cassettes y que, aunque no lo admitas, siguen en tu playlist secreta.

El pop ochentero fue descarado, colorido y dramático, pero también emocional, pegajoso e inolvidable. Estas canciones no solo dominaron los charts, también definieron cómo amábamos, soñábamos y hasta cómo nos vestíamos. Aquí te dejamos una lista con 10 clásicos que fueron parte de tu despertar adolescente, aunque ahora te hagas la seria.

1. “Wake Me Up Before You Go-Go” – Wham! (1984)

Iniciamos fuerte con una de las canciones más felices y energéticas de la década. Era imposible escuchar este hit sin mover el cuerpo. George Michael y Andrew Ridgeley nos regalaron una joya que combinaba colores neón, coreografías espontáneas y una vibra totalmente contagiosa. Fue el tema que animó miles de fiestas de escuela.

2. “Like a Virgin” – Madonna (1984)

Madonna llegó para revolucionarlo todo, y este tema fue su carta de presentación al mundo. Polémico, provocador y completamente pegajoso, “Like a Virgin” marcó una nueva era para el pop femenino y generó conversaciones en casa que muchos preferían evitar.

3. “Take On Me” – a-ha (1985)

Este hit no solo nos voló la cabeza con su video animado, también con su falsete inolvidable. La mezcla entre romanticismo ochentero y estética futurista convirtió esta canción en un clásico eterno que sigue emocionando a cualquier generación.

4. “Girls Just Want to Have Fun” – Cyndi Lauper (1983)

Cyndi no solo nos dio un himno del girl power, también nos enseñó que ser diferente era cool. Con esta canción, se convirtió en una figura clave del pop y en un modelo para todas las que queríamos divertirnos sin pedir permiso.

5. “I Wanna Dance with Somebody” – Whitney Houston (1987)

Whitney no solo tenía una voz celestial, también sabía cómo convertir una canción en un momento inolvidable. Este tema era la definición de alegría pura y amor adolescente. Sonaba en todas las estaciones de radio, en cada boda, y hasta hoy en playlists para levantar el ánimo.

6. “Karma Chameleon” – Culture Club (1983)

Boy George era imposible de ignorar, y con esta canción logró romper todas las barreras de estilo, género y música. Su mezcla de reggae y pop y su look irreverente marcaron a una generación entera que solo quería cantar ese coro sin entender muy bien qué significaba.

7. “Manic Monday” – The Bangles (1986)

Escrita por Prince y cantada por una de las girlbands más cool de la década, esta canción describía a la perfección ese sentimiento universal de odio al lunes. Era pop con un toque melancólico que te hacía sentir acompañada mientras hacías tarea o esperabas el camión escolar.

8. “Physical” – Olivia Newton-John (1981)

Con un beat irresistible y una letra que insinuaba más de lo que decíamos entender a los 13 años, “Physical” rompió esquemas. Olivia dejó atrás la imagen de Sandy en Grease y nos dio uno de los videoclips más atrevidos de la época.

9. “Heaven Is a Place on Earth” – Belinda Carlisle (1987)

Este tema encapsula la emoción del amor adolescente con una producción épica y una interpretación poderosa. Era perfecta para esos momentos en los que pensábamos que todo tenía sentido porque alguien nos había sonreído en la prepa.

10. “I Think We’re Alone Now” – Tiffany (1987)

Cantada por una adolescente y convertida en un hit de centros comerciales, esta canción fue el himno secreto de muchas chicas. Porque en el fondo todas queríamos bailar con alguien especial lejos de la vista de papás estrictos.

Porque todas tenemos un pasado pop que nos marcó (y sigue en loop en nuestra cabeza)

Sí, puede que hoy seas la más alternativa, la más seria o la más rocker del grupo, pero hay canciones que simplemente se quedaron grabadas en tu ADN. El pop de los 80 no pedía permiso: entraba directo al corazón con sintetizadores brillantes, letras románticas (o ridículas) y coros imposibles de olvidar. Y aunque a veces digas que “ya superaste esa etapa”, la verdad es que estas canciones siguen siendo un refugio musical que te regresa a tus mejores momentos adolescentes. Aceptémoslo: el pop ochentero fue, es y será parte de nosotras.

Mucho antes de que el mundo comenzara a usar la palabra “diva” para describir a las grandes estrellas del pop, Diana Ross ya estaba pavimentando ese camino con glitter, soul y una presencia escénica que cortaba la respiración. Con una carrera que abarca más de seis décadas, esta leyenda no solo transformó la música y la moda, sino que redefinió lo que significaba ser una superestrella global. En un mundo donde el término “icono” se usa con facilidad, Ross es la definición original.

1. The Supremes no solo rompieron récords… rompieron el molde

Cuando Diana Ross lideraba The Supremes, no solo dominaban las listas de éxitos. Fueron el primer grupo femenino afroamericano en alcanzar el estrellato global, desafiando los estándares raciales de una industria musical dominada por hombres blancos. Con canciones como “You Can’t Hurry Love” y “Stop! In the Name of Love”, Ross no solo cantaba sobre amor: cantaba sobre empoderamiento, elegancia y estilo, todo en un solo coro.

2. La blueprint de la estrella pop moderna

¿Coreografías impecables? ¿Outfits deslumbrantes? ¿Una narrativa personal que trasciende generaciones? Todo eso lo hizo Diana primero. Su transición de cantante de grupo a artista solista fue revolucionaria, y su álbum debut “Diana Ross” (1970) marcó un antes y un después. Para cuando lanzó “Upside Down”, el pop ya le pertenecía, aunque todavía no lo sabíamos.

3. Más que una voz: un símbolo cultural

Diana Ross no solo cantó para multitudes. Fue la primera mujer afroamericana en protagonizar una película de Hollywood (“Lady Sings the Blues”) y recibió una nominación al Óscar. En los años 70, mientras el mundo giraba entre cambios sociales, Ross se convirtió en símbolo de orgullo, resistencia y glamour negro, abriendo las puertas a generaciones enteras de artistas.

4. El legado eterno de una reina sin corona

¿Quién inspiró a Beyoncé, Whitney, Mariah y Rihanna? Ellas mismas lo dicen: Diana Ross lo hizo primero. Desde sus icónicos vestidos con plumas hasta ese micrófono sostenido con la gracia de una reina, su legado vive en cada beat del pop moderno. Y aún hoy, con más de 80 años, sigue siendo la reina que nunca abdicó.

Mucho antes de que el pop adolescente se convirtiera en una industria millonaria, una pelirroja de voz potente y jeans deslavados tomó un micrófono y lo convirtió en fenómeno. En 1987, Tiffany Darwish, conocida simplemente como Tiffany, se convirtió en un ícono inesperado, gracias a su cover infeccioso de “I Think We’re Alone Now” y una gira poco convencional por centros comerciales que marcó historia. Sin redes sociales ni TikTok, ella ya sabía cómo viralizarse.

1. Giras por centros comerciales: la movida más gen Z… hecha en los 80

Antes de que los influencers convirtieran los centros comerciales en sets de contenido, Tiffany los usó como escenarios reales. Su “mall tour” no solo fue brillante por lo low-budget, sino porque conectaba directamente con su público: adolescentes que veían en ella una de las suyas. Fue marketing, carisma y timing perfecto, todo envuelto en laca para el cabello y denim acid wash.

2. Un hit que sonó en cada rincón (y aún lo hace)

“I Think We’re Alone Now” no solo fue un hit: fue el himno no oficial de millones de adolescentes ochenteros. Con su energía rebelde y ese toque nostálgico, el tema llegó al #1 del Billboard Hot 100. Y lo mejor: lo logró a los 15 años. Tiffany fue la pre-Britney, la Christina antes del “Genie in a Bottle”, la blueprint que muchos aún ignoran.

3. La adolescente que abrió el camino sin pedir permiso

Ser joven, mujer y estrella en los 80 no era fácil. Tiffany enfrentó desafíos, presiones de la industria, e incluso batallas legales con su propio equipo. Pero su autenticidad nunca flaqueó, y su imagen —una mezcla de ternura y fuerza adolescente— dejó una huella que artistas como Avril, Billie o Olivia siguen explorando hoy.

4. ¿Y hoy? Sigue girando, sigue cantando, sigue siendo ícono

Mientras muchas teen stars desaparecieron con el tiempo, Tiffany nunca dejó de hacer música. Su legado como pionera se siente más fuerte que nunca ahora que la nostalgia ochentera está en su apogeo. Y aunque no siempre recibe el crédito que merece, nosotros sí recordamos quién lo hizo primero.

Si creciste en los 80 (o si simplemente tienes buen gusto musical), seguro te partió el alma escuchar “Toy Soldiers”, ese himno melancólico con voz angelical y un coro que todavía duele. Martika no era solo una cara bonita ni una voz más del montón: era una artista con sensibilidad, presencia escénica y una visión creativa adelantada a su tiempo. Pero como muchas figuras brillantes de la época, su momento en el centro del escenario fue tan fugaz como inolvidable.

1. Toy Soldiers: la canción que fue mucho más que un one-hit wonder

Lanzada en 1989, “Toy Soldiers” llegó al #1 del Billboard Hot 100 con una mezcla de vulnerabilidad y fuerza pocas veces vista en el pop adolescente. Escrita por la propia Martika sobre la lucha de un amigo con las drogas, fue un tema audaz y crudo, muy alejado del glamour superficial que dominaba el momento. ¿Quién más estaba escribiendo letras así a los 19? Exacto.

2. Más que una estrella juvenil: actriz, compositora y productora

Antes de los escenarios, Martika ya era conocida por su papel en la serie infantil “Kids Incorporated”, donde compartió pantalla con futuras leyendas como Fergie. Pero su talento desbordaba el set: coescribió gran parte de su álbum debut, y colaboró con Prince en su segundo disco (Martika’s Kitchen), algo que pocas pueden presumir. Spoiler: Prince no trabajaba con cualquiera.

3. El precio de ser auténtica en una industria que no siempre lo era

Martika no se adaptó a la fórmula pop que otras siguieron. Su música tenía una carga emocional, latina (es de ascendencia cubana), y artística que la alejaba de lo que los ejecutivos buscaban moldear. Su pausa voluntaria a inicios de los 90 y el rechazo a encasillarse en un estereotipo le costaron visibilidad, pero hoy esa misma autenticidad es lo que la convierte en una pionera incomprendida.

4. El legado silencioso de una artista que sigue inspirando

“Toy Soldiers” ha sido sampleada por Eminem (Like Toy Soldiers), versionada por decenas y aún hoy suena como un grito atemporal. Martika fue parte de esa generación de artistas que pusieron emoción real al pop, y aunque su discografía no es extensa, cada canción que grabó lleva su alma adentro. Su nombre puede no estar en todos los rankings, pero en el corazón de los verdaderos fans del pop, sigue siendo realeza.

Cuando pensamos en el sonido de los 80, nos vienen a la mente sintetizadores envolventes, beats robóticos y voces cargadas de drama. The Human League no solo fue pionero de ese sonido… lo definió. Originarios de Sheffield, Reino Unido, estos visionarios combinaron la frialdad de la tecnología con emociones intensas, creando canciones que hoy suenan tan modernas como en su apogeo. Aquí te dejamos 5 himnos que no solo marcaron una década, sino que siguen inspirando a artistas de Tame Impala a Dua Lipa.

1. “Don’t You Want Me” (1981)

Con su historia de amor rota, vocales enfrentadas y ese riff de sintetizador absolutamente inolvidable, esta canción definió 1981 y cambió la percepción de lo que podía ser el pop. Fue su primer #1 en Estados Unidos y Reino Unido, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Hasta hoy, sigue siendo coreado en karaokes, bares, bodas… y TikToks.

2. “Love Action (I Believe in Love)” (1981)

Antes de que el synthpop fuera un género bien definido, The Human League ya estaba combinando ritmos industriales con confesiones emocionales. Esta canción habla sobre amor, pérdida y aprendizaje, todo sobre un beat seco y futurista que parece salido de una fábrica de robots sentimentales.

3. “(Keep Feeling) Fascination” (1983)

Más que un simple hit, esta canción encapsula la energía vibrante de los 80 en tres minutos perfectos. Sus capas vocales, el juego de sintetizadores brillantes y ese estribillo contagioso la convierten en una cápsula sonora de puro technicolor emocional. Imposible no bailar.

4. “Mirror Man” (1982)

Inspirada por la figura de Adam Ant (sí, en serio), esta canción es una mezcla de homenaje y advertencia. Es alegre por fuera, pero con un tono irónico que se adelantaba al pop de crítica social, muy al estilo Pet Shop Boys. Fue un éxito instantáneo en el Reino Unido y sigue siendo joyita para los fans.

5. “Human” (1986)

Coproducida por Jimmy Jam y Terry Lewis (sí, los mismos detrás de Janet Jackson), esta canción fue un cambio de tono total: más suave, más íntima y 100% emocional. Llegó al #1 en EE. UU. y demostró que The Human League no era solo un grupo de synthpop… eran narradores del corazón humano.

Antes de convertirse en el rey inesperado del internet gracias al Rickroll, Rick Astley ya era una superestrella con una de las voces más inconfundibles de los 80. Con solo 21 años, este chico de pelo rojo, traje ancho y voz de barítono hizo que el mundo entero se levantara a bailar. Su éxito fue meteórico, pero lo más impresionante es que sus canciones siguen sonando igual de frescas, pegajosas y llenas de groove.

Aquí te dejamos 5 temazos que prueban por qué Rick Astley es mucho más que un chiste viral… es una leyenda viva.

1. “Never Gonna Give You Up” (1987)

Sí, es imposible hablar de Rick sin mencionar su debut mundial. Pero más allá del chiste, “Never Gonna Give You Up” es un hit perfecto de pop ochentero: sintetizadores bailables, un bajo funk delicioso y una interpretación vocal que ningún adolescente de 21 años debería haber sido capaz de dar… pero Rick sí lo hizo. Fue #1 en 25 países.

2. “Together Forever” (1988)

Otro clásico de la dupla Stock Aitken Waterman, esta canción es todo lo que amamos del pop de los 80: romántica, energética, y absolutamente pegajosa. Suena como si pudieras caminar sobre una nube neón mientras canta Rick. También llegó al #1 en EE. UU., consolidando su estatus de hitmaker internacional.

3. “Whenever You Need Somebody” (1987)

Aunque fue el título de su álbum debut, muchos olvidan que esta canción también es una joyita pop que se ganó el corazón europeo. Con sintetizadores exuberantes y un groove irresistible, demuestra que Rick podía llenar pistas de baile sin dejar de sonar sincero y emotivo.

4. “She Wants to Dance with Me” (1988)

Esta fue la primera canción escrita por el propio Rick que lanzó como sencillo, y es una mezcla perfecta de pop, dance y actitud juvenil. Es pegajosa, divertida y tiene ese toque encantador de chico bueno que definía su imagen. ¡Una gema que no recibe el reconocimiento que merece!

5. “Cry for Help” (1991)

Cuando los 80 terminaron, Rick también evolucionó. Esta balada soul-pop demuestra su rango vocal y madurez artística. Un coro gospel, una letra desgarradora y una producción más orgánica la convirtieron en un éxito inesperado de los 90. Una prueba de que Rick tenía mucho más que dar… y lo sigue haciendo.

El mítico concierto de Pink Floyd at Pompeii resurge como nunca antes. Gracias a una restauración minuciosa, este clásico filmado sin público en 1971 vuelve a la pantalla grande en formato IMAX, con imagen renovada y un audio envolvente a cargo del maestro del sonido progresivo: Steven Wilson.

El 24 de abril se estrenará mundialmente Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII, una nueva versión del icónico concierto grabado entre ruinas romanas. Lo impresionante no solo es el regreso del material, sino la manera en que fue rescatado: el negativo original de 35mm, dado por perdido durante años, fue hallado en cinco latas mal etiquetadas dentro de los archivos de la propia banda. Lo que siguió fue un trabajo artesanal cuadro por cuadro que tomó años completar.

La restauración de audio quedó en manos de Steven Wilson, conocido por su habilidad para revitalizar catálogos de leyendas del rock progresivo como Yes, King Crimson o Jethro Tull. Wilson enfrentó un gran reto técnico: el material original solo contaba con cuatro canales mono para batería, bajo, guitarra y teclado. Con creatividad y precisión, logró adaptarlo a sonido Dolby Atmos sin perder la esencia cruda e instrumental del show.

Este concierto es considerado una rareza desde su origen: fue ideado como un “anti-concierto”, sin audiencia, a diferencia de eventos como Monterey Pop o Gimme Shelter. Wilson, quien vio la película cuando era niña, confesó que influyó profundamente en su carrera. “Quise mantener un sonido seco, claro y frontal, como si estuvieras ahí, bajo el sol, en medio del desierto”, comentó.

Además de este lanzamiento, Steven Wilson continúa en activo con su álbum The Overview, un viaje musical de solo dos canciones inspirado en la perspectiva espacial de ver la Tierra desde el cosmos. Su gira mundial arranca en mayo por Europa y llega a Estados Unidos en septiembre, con una mezcla de sonidos analógicos, tecnología moderna y una propuesta conceptual que equilibra lo vintage con lo digital.

El regreso de Pink Floyd at Pompeii no es solo una proyección más; es una experiencia inmersiva que celebra la historia, la innovación y el legado de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Con el toque visionario de Steven Wilson, este clásico revive para emocionar a nuevas generaciones y reconectar con quienes lo vieron por primera vez. Una cita imperdible para las y los fans del rock progresivo.

Andy Bell, la voz inconfundible de Erasure, regresa con todo: nuevo álbum, tour mundial y una colaboración de ensueño con Debbie Harry, de Blondie. Su nuevo sencillo, “Heart’s a Liar”, es un himno pop con alma ochentera que celebra el desamor con estilo.

Bell lanzará su tercer disco como solista, Ten Crowns, el 2 de mayo bajo su propio sello Crown Recordings. El álbum fue producido en Nashville junto a su colaborador Dave Audé, lo que le dio un giro inesperado con toques gospel y un mensaje poderoso sobre amor propio, resiliencia y orgullo.

La joya del álbum es “Heart’s a Liar”, una nueva versión de un tema de Luciana, donde Debbie Harry aporta su voz enigmática a un track pegajoso, bailable y lleno de emociones encontradas. Bell no pudo ocultar su emoción por colaborar con la leyenda: “Aún no lo creo… Debbie le dio ese toque coqueto, pero muy firme”.

Además del estreno del álbum, Andy Bell confirmó una extensa gira por Europa, Reino Unido y Norteamérica para 2025, con fechas en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Toronto y más. La preventa ya está activa y la venta general comienza el 25 de abril.

Tras encender Coachella 2025, Green Day se suma al Paseo de la Fama de Hollywood. El 1º de mayo, Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool recibirán su propia estrella en una ceremonia especial que contará con Ryan Reynolds, Serena Williams y el presentador Matt Pinfield.

La ceremonia se transmitirá en vivo a través del sitio oficial del Walk of Fame. La estrella estará ubicada en el 6212 de Hollywood Boulevard, justo frente a Amoeba Music, y cerca de la estrella de los Red Hot Chili Peppers. Un lugar icónico para una banda que marcó a generaciones con himnos como Basket Case y American Idiot.

Además del reconocimiento, Green Day sigue activo: en mayo arranca su gira por Europa, Brasil, EE.UU. y Canadá. Su próximo show será en Welcome to Rockville el 16 de mayo. Y para cerrar el mes con broche de oro, lanzarán la edición deluxe de Saviors el 23 de mayo, con siete nuevas canciones.

Lanzado en 2024, Saviors fue nominado a tres premios Grammy, incluyendo Mejor Álbum de Rock, y reafirmó que la banda sigue más viva que nunca. ¡Y ahora, con estrella incluida!

Antonio Banderas se suma al elenco de Tony, la nueva película biográfica sobre el chef, escritor y presentador Anthony Bourdain, producida por A24 y dirigida por Matt Johnson (BlackBerry). La cinta comenzará a rodarse en mayo.

El actor Dominic Sessa, revelación de The Holdovers, interpretará a un joven Bourdain en 1976, durante su etapa formativa en Provincetown, Massachusetts, donde tuvo una experiencia transformadora que marcó su carrera.

Tony explorará los años que precedieron al boom de Bourdain como figura pública, cuando ya destacaba en el mundo culinario neoyorquino. Su ascenso fue impulsado por su libro Kitchen Confidential (2000), que lo catapultó a la fama y lo convirtió en ícono global gracias a series como No Reservations y Parts Unknown.

Bourdain era admirado por su mirada crítica sobre la cocina como reflejo social y cultural. Falleció en 2018 a los 61 años, dejando un legado irrepetible. Aún no se ha revelado qué papel interpretará Banderas en la cinta.

Este no es el primer proyecto que retrata su vida: en 2021, el documental Roadrunner generó polémica por usar inteligencia artificial para recrear su voz, decisión que dividió opiniones.