Mucho antes de que el pop adolescente se convirtiera en una industria millonaria, una pelirroja de voz potente y jeans deslavados tomó un micrófono y lo convirtió en fenómeno. En 1987, Tiffany Darwish, conocida simplemente como Tiffany, se convirtió en un ícono inesperado, gracias a su cover infeccioso de “I Think We’re Alone Now” y una gira poco convencional por centros comerciales que marcó historia. Sin redes sociales ni TikTok, ella ya sabía cómo viralizarse.

1. Giras por centros comerciales: la movida más gen Z… hecha en los 80

Antes de que los influencers convirtieran los centros comerciales en sets de contenido, Tiffany los usó como escenarios reales. Su “mall tour” no solo fue brillante por lo low-budget, sino porque conectaba directamente con su público: adolescentes que veían en ella una de las suyas. Fue marketing, carisma y timing perfecto, todo envuelto en laca para el cabello y denim acid wash.

2. Un hit que sonó en cada rincón (y aún lo hace)

“I Think We’re Alone Now” no solo fue un hit: fue el himno no oficial de millones de adolescentes ochenteros. Con su energía rebelde y ese toque nostálgico, el tema llegó al #1 del Billboard Hot 100. Y lo mejor: lo logró a los 15 años. Tiffany fue la pre-Britney, la Christina antes del “Genie in a Bottle”, la blueprint que muchos aún ignoran.

3. La adolescente que abrió el camino sin pedir permiso

Ser joven, mujer y estrella en los 80 no era fácil. Tiffany enfrentó desafíos, presiones de la industria, e incluso batallas legales con su propio equipo. Pero su autenticidad nunca flaqueó, y su imagen —una mezcla de ternura y fuerza adolescente— dejó una huella que artistas como Avril, Billie o Olivia siguen explorando hoy.

4. ¿Y hoy? Sigue girando, sigue cantando, sigue siendo ícono

Mientras muchas teen stars desaparecieron con el tiempo, Tiffany nunca dejó de hacer música. Su legado como pionera se siente más fuerte que nunca ahora que la nostalgia ochentera está en su apogeo. Y aunque no siempre recibe el crédito que merece, nosotros sí recordamos quién lo hizo primero.

Si creciste en los 80 (o si simplemente tienes buen gusto musical), seguro te partió el alma escuchar “Toy Soldiers”, ese himno melancólico con voz angelical y un coro que todavía duele. Martika no era solo una cara bonita ni una voz más del montón: era una artista con sensibilidad, presencia escénica y una visión creativa adelantada a su tiempo. Pero como muchas figuras brillantes de la época, su momento en el centro del escenario fue tan fugaz como inolvidable.

1. Toy Soldiers: la canción que fue mucho más que un one-hit wonder

Lanzada en 1989, “Toy Soldiers” llegó al #1 del Billboard Hot 100 con una mezcla de vulnerabilidad y fuerza pocas veces vista en el pop adolescente. Escrita por la propia Martika sobre la lucha de un amigo con las drogas, fue un tema audaz y crudo, muy alejado del glamour superficial que dominaba el momento. ¿Quién más estaba escribiendo letras así a los 19? Exacto.

2. Más que una estrella juvenil: actriz, compositora y productora

Antes de los escenarios, Martika ya era conocida por su papel en la serie infantil “Kids Incorporated”, donde compartió pantalla con futuras leyendas como Fergie. Pero su talento desbordaba el set: coescribió gran parte de su álbum debut, y colaboró con Prince en su segundo disco (Martika’s Kitchen), algo que pocas pueden presumir. Spoiler: Prince no trabajaba con cualquiera.

3. El precio de ser auténtica en una industria que no siempre lo era

Martika no se adaptó a la fórmula pop que otras siguieron. Su música tenía una carga emocional, latina (es de ascendencia cubana), y artística que la alejaba de lo que los ejecutivos buscaban moldear. Su pausa voluntaria a inicios de los 90 y el rechazo a encasillarse en un estereotipo le costaron visibilidad, pero hoy esa misma autenticidad es lo que la convierte en una pionera incomprendida.

4. El legado silencioso de una artista que sigue inspirando

“Toy Soldiers” ha sido sampleada por Eminem (Like Toy Soldiers), versionada por decenas y aún hoy suena como un grito atemporal. Martika fue parte de esa generación de artistas que pusieron emoción real al pop, y aunque su discografía no es extensa, cada canción que grabó lleva su alma adentro. Su nombre puede no estar en todos los rankings, pero en el corazón de los verdaderos fans del pop, sigue siendo realeza.

Cuando pensamos en el sonido de los 80, nos vienen a la mente sintetizadores envolventes, beats robóticos y voces cargadas de drama. The Human League no solo fue pionero de ese sonido… lo definió. Originarios de Sheffield, Reino Unido, estos visionarios combinaron la frialdad de la tecnología con emociones intensas, creando canciones que hoy suenan tan modernas como en su apogeo. Aquí te dejamos 5 himnos que no solo marcaron una década, sino que siguen inspirando a artistas de Tame Impala a Dua Lipa.

1. “Don’t You Want Me” (1981)

Con su historia de amor rota, vocales enfrentadas y ese riff de sintetizador absolutamente inolvidable, esta canción definió 1981 y cambió la percepción de lo que podía ser el pop. Fue su primer #1 en Estados Unidos y Reino Unido, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Hasta hoy, sigue siendo coreado en karaokes, bares, bodas… y TikToks.

2. “Love Action (I Believe in Love)” (1981)

Antes de que el synthpop fuera un género bien definido, The Human League ya estaba combinando ritmos industriales con confesiones emocionales. Esta canción habla sobre amor, pérdida y aprendizaje, todo sobre un beat seco y futurista que parece salido de una fábrica de robots sentimentales.

3. “(Keep Feeling) Fascination” (1983)

Más que un simple hit, esta canción encapsula la energía vibrante de los 80 en tres minutos perfectos. Sus capas vocales, el juego de sintetizadores brillantes y ese estribillo contagioso la convierten en una cápsula sonora de puro technicolor emocional. Imposible no bailar.

4. “Mirror Man” (1982)

Inspirada por la figura de Adam Ant (sí, en serio), esta canción es una mezcla de homenaje y advertencia. Es alegre por fuera, pero con un tono irónico que se adelantaba al pop de crítica social, muy al estilo Pet Shop Boys. Fue un éxito instantáneo en el Reino Unido y sigue siendo joyita para los fans.

5. “Human” (1986)

Coproducida por Jimmy Jam y Terry Lewis (sí, los mismos detrás de Janet Jackson), esta canción fue un cambio de tono total: más suave, más íntima y 100% emocional. Llegó al #1 en EE. UU. y demostró que The Human League no era solo un grupo de synthpop… eran narradores del corazón humano.

Antes de convertirse en el rey inesperado del internet gracias al Rickroll, Rick Astley ya era una superestrella con una de las voces más inconfundibles de los 80. Con solo 21 años, este chico de pelo rojo, traje ancho y voz de barítono hizo que el mundo entero se levantara a bailar. Su éxito fue meteórico, pero lo más impresionante es que sus canciones siguen sonando igual de frescas, pegajosas y llenas de groove.

Aquí te dejamos 5 temazos que prueban por qué Rick Astley es mucho más que un chiste viral… es una leyenda viva.

1. “Never Gonna Give You Up” (1987)

Sí, es imposible hablar de Rick sin mencionar su debut mundial. Pero más allá del chiste, “Never Gonna Give You Up” es un hit perfecto de pop ochentero: sintetizadores bailables, un bajo funk delicioso y una interpretación vocal que ningún adolescente de 21 años debería haber sido capaz de dar… pero Rick sí lo hizo. Fue #1 en 25 países.

2. “Together Forever” (1988)

Otro clásico de la dupla Stock Aitken Waterman, esta canción es todo lo que amamos del pop de los 80: romántica, energética, y absolutamente pegajosa. Suena como si pudieras caminar sobre una nube neón mientras canta Rick. También llegó al #1 en EE. UU., consolidando su estatus de hitmaker internacional.

3. “Whenever You Need Somebody” (1987)

Aunque fue el título de su álbum debut, muchos olvidan que esta canción también es una joyita pop que se ganó el corazón europeo. Con sintetizadores exuberantes y un groove irresistible, demuestra que Rick podía llenar pistas de baile sin dejar de sonar sincero y emotivo.

4. “She Wants to Dance with Me” (1988)

Esta fue la primera canción escrita por el propio Rick que lanzó como sencillo, y es una mezcla perfecta de pop, dance y actitud juvenil. Es pegajosa, divertida y tiene ese toque encantador de chico bueno que definía su imagen. ¡Una gema que no recibe el reconocimiento que merece!

5. “Cry for Help” (1991)

Cuando los 80 terminaron, Rick también evolucionó. Esta balada soul-pop demuestra su rango vocal y madurez artística. Un coro gospel, una letra desgarradora y una producción más orgánica la convirtieron en un éxito inesperado de los 90. Una prueba de que Rick tenía mucho más que dar… y lo sigue haciendo.

El mítico concierto de Pink Floyd at Pompeii resurge como nunca antes. Gracias a una restauración minuciosa, este clásico filmado sin público en 1971 vuelve a la pantalla grande en formato IMAX, con imagen renovada y un audio envolvente a cargo del maestro del sonido progresivo: Steven Wilson.

El 24 de abril se estrenará mundialmente Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII, una nueva versión del icónico concierto grabado entre ruinas romanas. Lo impresionante no solo es el regreso del material, sino la manera en que fue rescatado: el negativo original de 35mm, dado por perdido durante años, fue hallado en cinco latas mal etiquetadas dentro de los archivos de la propia banda. Lo que siguió fue un trabajo artesanal cuadro por cuadro que tomó años completar.

La restauración de audio quedó en manos de Steven Wilson, conocido por su habilidad para revitalizar catálogos de leyendas del rock progresivo como Yes, King Crimson o Jethro Tull. Wilson enfrentó un gran reto técnico: el material original solo contaba con cuatro canales mono para batería, bajo, guitarra y teclado. Con creatividad y precisión, logró adaptarlo a sonido Dolby Atmos sin perder la esencia cruda e instrumental del show.

Este concierto es considerado una rareza desde su origen: fue ideado como un “anti-concierto”, sin audiencia, a diferencia de eventos como Monterey Pop o Gimme Shelter. Wilson, quien vio la película cuando era niña, confesó que influyó profundamente en su carrera. “Quise mantener un sonido seco, claro y frontal, como si estuvieras ahí, bajo el sol, en medio del desierto”, comentó.

Además de este lanzamiento, Steven Wilson continúa en activo con su álbum The Overview, un viaje musical de solo dos canciones inspirado en la perspectiva espacial de ver la Tierra desde el cosmos. Su gira mundial arranca en mayo por Europa y llega a Estados Unidos en septiembre, con una mezcla de sonidos analógicos, tecnología moderna y una propuesta conceptual que equilibra lo vintage con lo digital.

El regreso de Pink Floyd at Pompeii no es solo una proyección más; es una experiencia inmersiva que celebra la historia, la innovación y el legado de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Con el toque visionario de Steven Wilson, este clásico revive para emocionar a nuevas generaciones y reconectar con quienes lo vieron por primera vez. Una cita imperdible para las y los fans del rock progresivo.

Andy Bell, la voz inconfundible de Erasure, regresa con todo: nuevo álbum, tour mundial y una colaboración de ensueño con Debbie Harry, de Blondie. Su nuevo sencillo, “Heart’s a Liar”, es un himno pop con alma ochentera que celebra el desamor con estilo.

Bell lanzará su tercer disco como solista, Ten Crowns, el 2 de mayo bajo su propio sello Crown Recordings. El álbum fue producido en Nashville junto a su colaborador Dave Audé, lo que le dio un giro inesperado con toques gospel y un mensaje poderoso sobre amor propio, resiliencia y orgullo.

La joya del álbum es “Heart’s a Liar”, una nueva versión de un tema de Luciana, donde Debbie Harry aporta su voz enigmática a un track pegajoso, bailable y lleno de emociones encontradas. Bell no pudo ocultar su emoción por colaborar con la leyenda: “Aún no lo creo… Debbie le dio ese toque coqueto, pero muy firme”.

Además del estreno del álbum, Andy Bell confirmó una extensa gira por Europa, Reino Unido y Norteamérica para 2025, con fechas en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Toronto y más. La preventa ya está activa y la venta general comienza el 25 de abril.

Tras encender Coachella 2025, Green Day se suma al Paseo de la Fama de Hollywood. El 1º de mayo, Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool recibirán su propia estrella en una ceremonia especial que contará con Ryan Reynolds, Serena Williams y el presentador Matt Pinfield.

La ceremonia se transmitirá en vivo a través del sitio oficial del Walk of Fame. La estrella estará ubicada en el 6212 de Hollywood Boulevard, justo frente a Amoeba Music, y cerca de la estrella de los Red Hot Chili Peppers. Un lugar icónico para una banda que marcó a generaciones con himnos como Basket Case y American Idiot.

Además del reconocimiento, Green Day sigue activo: en mayo arranca su gira por Europa, Brasil, EE.UU. y Canadá. Su próximo show será en Welcome to Rockville el 16 de mayo. Y para cerrar el mes con broche de oro, lanzarán la edición deluxe de Saviors el 23 de mayo, con siete nuevas canciones.

Lanzado en 2024, Saviors fue nominado a tres premios Grammy, incluyendo Mejor Álbum de Rock, y reafirmó que la banda sigue más viva que nunca. ¡Y ahora, con estrella incluida!

Antonio Banderas se suma al elenco de Tony, la nueva película biográfica sobre el chef, escritor y presentador Anthony Bourdain, producida por A24 y dirigida por Matt Johnson (BlackBerry). La cinta comenzará a rodarse en mayo.

El actor Dominic Sessa, revelación de The Holdovers, interpretará a un joven Bourdain en 1976, durante su etapa formativa en Provincetown, Massachusetts, donde tuvo una experiencia transformadora que marcó su carrera.

Tony explorará los años que precedieron al boom de Bourdain como figura pública, cuando ya destacaba en el mundo culinario neoyorquino. Su ascenso fue impulsado por su libro Kitchen Confidential (2000), que lo catapultó a la fama y lo convirtió en ícono global gracias a series como No Reservations y Parts Unknown.

Bourdain era admirado por su mirada crítica sobre la cocina como reflejo social y cultural. Falleció en 2018 a los 61 años, dejando un legado irrepetible. Aún no se ha revelado qué papel interpretará Banderas en la cinta.

Este no es el primer proyecto que retrata su vida: en 2021, el documental Roadrunner generó polémica por usar inteligencia artificial para recrear su voz, decisión que dividió opiniones.

Prepárate para revivir uno de los clásicos adolescentes más icónicos de los 90… ¡en versión musical! El filme 10 Things I Hate About You (1999), que catapultó a la fama a Julia Stiles, Heath Ledger y Joseph Gordon-Levitt, será adaptado a Broadway y ya tiene a dos grandes nombres al frente: Carly Rae Jepsen y Lena Dunham.

Según Billboard, Jepsen coescribirá la música junto al productor Ethan Gruska, con quien trabajó en su álbum The Loveliest Time (2023). Gruska ha colaborado también con Phoebe Bridgers y Bon Iver, por lo que el soundtrack promete una vibra pop alternativa que encaje con el espíritu del filme.

Por su parte, Lena Dunham, creadora de la serie Girls, coescribirá el guion junto a la dramaturga Jessica Huang. En la dirección estará Christopher Wheeldon, ganador del Tony, mientras que Tom Kitt será el supervisor musical y Mike Bosner (productor de Beautiful) se encargará de la producción.

Aunque aún no hay fecha de estreno ni elenco confirmado, esta adaptación promete reinventar la historia de Kat y Patrick con una estética actual y una dosis de nostalgia noventera. Recordemos que la cinta original fue una reinterpretación de la obra The Taming of the Shrew de Shakespeare, pero con actitud punk y mucho eyeliner.

Cuando piensas en The Cranberries, seguro lo primero que viene a tu mente es esa voz etérea de Dolores O’Riordan que parecía flotar sobre melodías suaves… hasta que explotaban en un grito desgarrador. Pero detrás de su apariencia dulce y melancólica había una fuerza brutal: la banda irlandesa usó sus canciones para hablar de guerra, dolor, pérdida y rebeldía con una honestidad que te dejaba el corazón apretado. Aquí te contamos por qué su música sigue tocando fibras profundas hasta hoy.

1. “Zombie” – Una protesta con distorsión y rabia

Inspirada en un atentado en Irlanda del Norte, “Zombie” es mucho más que un hit de MTV. Es un grito de hartazgo, una crítica directa al conflicto armado y a la repetición del odio. Con guitarras pesadas y una interpretación vocal desgarradora, Dolores nos entregó uno de los himnos más poderosos de los 90. Cada vez que suena, duele… pero se queda contigo.

2. “Ode to My Family” – La nostalgia como refugio

Esta joya introspectiva parece suave, pero pega fuerte. Dolores canta sobre la pérdida de inocencia y los lazos con su infancia, con una mezcla de ternura y dolor que te deja pensando en tu propia historia. Es de esas canciones que escuchas una vez… y ya nunca la olvidas.

3. “Daffodil Lament” – Soledad en estado puro

Una de sus canciones más atmosféricas y desgarradoras. Casi seis minutos de cambios de ritmo, silencios que pesan y una letra que retrata la tristeza como pocas. Dolores canta desde un lugar profundo, como si hablara directamente desde su alma. Es poesía hecha música.

4. “Ridiculous Thoughts” – Confusión y ansiedad en clave grunge

Aquí, The Cranberries explora el peso de la fama, las inseguridades y el juicio ajeno. La canción es un vaivén entre fuerza y vulnerabilidad, con una energía grunge que la hace perfecta para cuando sientes que el mundo no te entiende.

5. “No Need to Argue” – La despedida más dolorosa

La canción que cierra su segundo álbum suena como un adiós inevitable. Sin grandes arreglos, solo un órgano y la voz de Dolores desmoronándose lentamente. Es un cierre perfecto para un disco cargado de emoción, y uno de los momentos más crudos en la historia de la banda.

The Cranberries no solo nos hicieron cantar con el corazón roto, también nos enseñaron que la tristeza puede ser un acto de resistencia, que la poesía puede gritar, y que el dolor compartido tiene una fuerza brutal. Su música sigue siendo un refugio para quienes necesitan sentir que no están solas.