A principios de los 90, el mundo veía a Janet Jackson como la hermanita talentosa de una familia legendaria. Pero bastaron un par de álbumes, una coreografía poderosa y mucha actitud para que pasara de ser “la niña buena” del pop a convertirse en una reina indiscutible de la música, el estilo y el empoderamiento femenino.

El parteaguas llamado Rhythm Nation 1814

Aunque salió en 1989, fue en los 90 cuando Rhythm Nation explotó globalmente. Janet mostró una imagen fuerte, con mensajes sociales, beats industriales y videos icónicos. El uniforme negro, los guantes y la gorra militar se volvieron parte de su nuevo ADN artístico: más atrevida, más crítica, más poderosa.

El sex appeal elegante de Janet.

En 1993, la portada sin blusa del disco janet. dejó claro que ya no era una adolescente tímida. Este álbum fue una declaración de independencia y sensualidad, con temas como “That’s the Way Love Goes” que fusionaban R&B suave con un estilo visual sofisticado. Janet empezó a hablar abiertamente de deseo, amor y autonomía.

El Super Bowl antes del Super Bowl

Antes del famoso “wardrobe malfunction”, Janet ya era sinónimo de performance y legendaria. Sus giras eran espectáculos con coreografías imposibles, vestuario icónico y una energía que la colocaba a la altura de los grandes. En los 90, nadie dominaba el escenario como ella.

Una influencia que sigue viva

Artistas como Beyoncé, Britney Spears, Ciara y Normani han citado a Janet como una de sus mayores influencias. Su legado en la cultura pop está marcado por su capacidad de reinventarse sin perder autenticidad, usando su arte como canal para hablar de política, feminismo y sensualidad.

Antes de que el K-pop y el reguetón dominaran las listas globales, un cuarteto sueco llegó con sintetizadores, ritmos pegajosos y un estilo que mezclaba pop, reggae y dance. Ace of Base no solo fue un fenómeno, fue un parteaguas en la música pop noventera, logrando lo impensable: sonar en todas partes y hacerlo con un sonido que aún hoy seguimos tarareando.

Un debut explosivo que lo cambió todo

Su primer álbum Happy Nation (también conocido como The Sign en Estados Unidos) llegó en 1993 y explotó a nivel mundial. Con sencillos como “All That She Wants”, “The Sign” y “Don’t Turn Around”, el grupo vendió más de 23 millones de copias y colocó a Suecia nuevamente en el mapa del pop global, años después del reinado de ABBA.

Su fórmula: reggae-pop y estética misteriosa

Ace of Base no se parecía a nada en ese momento. Su sonido era una mezcla única entre ritmos caribeños, synth-pop europeo y letras misteriosas. Sumado a eso, sus videoclips eran oscuros, simbólicos y enigmáticos, lo cual los hizo aún más llamativos en la era dorada de MTV.

Dominando los charts y la cultura pop

“The Sign” se convirtió en una de las canciones más exitosas del año en Estados Unidos, pasando seis semanas en el #1 del Billboard Hot 100. Incluso en pleno auge del grunge y el R&B, ellos lograron que el pop europeo se mantuviera relevante, abriendo paso a otros actos como Aqua o Robyn más adelante.

¿Qué pasó después?

Tras su éxito inicial, su segundo álbum The Bridge también tuvo hits, pero su impacto fue disminuyendo con la llegada de nuevos sonidos. Aun así, Ace of Base dejó una huella imborrable: en fiestas, playlists nostálgicas y corazones noventeros. Y sí, todavía nos sabemos sus letras de memoria.

1983 no fue otro año más en la historia del pop… fue el punto de quiebre. Mientras la moda explotaba con hombreras y neón, la música vivía una revolución que cambiaría las reglas del juego. Nuevos íconos nacieron, los videos musicales se convirtieron en arte y los sintetizadores conquistaron el mundo. Si alguna vez te preguntaste cuándo empezó el pop moderno, la respuesta es clara: en 1983.

1. MTV + videoclips = el combo ganador del pop

Aunque MTV arrancó en 1981, fue en 1983 cuando su impacto fue innegable. Los artistas ya no solo tenían que sonar bien, ahora también tenían que verse increíbles. Este fue el año en que el videoclip se volvió un arma creativa clave. El mejor ejemplo: “Thriller” de Michael Jackson, que se estrenó en diciembre y dejó al mundo boquiabierto. Fue un cortometraje musical, un fenómeno cultural y una revolución visual que marcó el antes y el después del formato.

2. Nacen himnos eternos que aún cantamos

En 1983 se lanzaron sencillos que hoy son clásicos que no pueden faltar en ninguna fiesta. Hablamos de “Sweet Dreams (Are Made of This)” de Eurythmics, “Let’s Dance” de David Bowie, “Every Breath You Take” de The Police y “Total Eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler. No solo dominaron las listas, también definieron el sonido ochentero: letras poderosas, producción pulida y melodías inolvidables.

3. Madonna y Cyndi: las nuevas reinas del pop

1983 fue el año en que dos mujeres cambiaron para siempre la industria. Madonna debutó con su primer álbum, y aunque aún no era la superestrella que sería, ya mostraba su estilo atrevido y ambición sin límites. Mientras tanto, Cyndi Lauper comenzaba a brillar con She’s So Unusual, que se lanzaría a finales del año y nos daría “Girls Just Want to Have Fun”, himno de una generación.

4. Los sintetizadores toman el control

El sonido del pop dio un giro con la invasión del synthpop. Bandas como Depeche Mode, New Order, Duran Duran y Tears for Fears dominaron la escena con beats electrónicos y atmósferas futuristas. Las guitarras aún estaban ahí, pero el sintetizador se volvió la estrella. Fue el inicio de un sonido que definió la década.

5. Un año tan icónico que aún inspira

Lo que se lanzó en 1983 sigue siendo referencia en el cine, la moda y la música actual. Series como Stranger Things y películas como Guardians of the Galaxy han recuperado estos himnos, demostrando que el espíritu pop ochentero sigue tan vivo como siempre. Fue un año donde todo cambió… y nada volvió a ser igual.

Elton John no solo fue un ídolo absoluto en los 80 con sus looks excéntricos y sus himnos inolvidables… ¡También arrasó en los 90 como si fuera su segunda juventud! Mientras otros íconos ochenteros batallaban por adaptarse, él supo evolucionar, reinventarse y mantenerse en la cima.

¿Crees que su legado terminó con “I’m Still Standing”? Aquí te va una dosis de datos, hits y momentos clave que prueban que los 90 también le pertenecen.

1. “The One” (1992) marcó su gran comeback

Después de superar problemas de salud y adicciones, Elton regresó con todo en 1992 con el álbum The One. Fue su primer material nuevo en tres años y se sintió como una declaración personal: elegante, emocional y con un sonido más maduro. El disco fue un hit en ventas y reafirmó que seguía siendo un titán del pop.

2. Su alianza con Disney y “Can You Feel the Love Tonight”

¿Quién no se conmovió con su música en El Rey León? En 1994, Elton compuso junto a Tim Rice una de las bandas sonoras más queridas de todos los tiempos. Ganó el Oscar y el Grammy por “Can You Feel the Love Tonight”, conectando con una nueva generación de fans y demostrando que su talento era atemporal.

3. Su amistad con la Princesa Diana y “Candle in the Wind 1997”

Uno de los momentos más icónicos de los 90: Elton rinde tributo a Lady Di con una versión renovada de Candle in the Wind. Esta balada se convirtió en el sencillo más vendido de todos los tiempos. Un homenaje poderoso que mostró su lado más humano y sensible.

4. Siguió marcando tendencia en moda y actitud

Aunque suavizó un poco su extravagancia, los looks de Elton en los 90 seguían siendo únicos y teatrales. Trajes coloridos, lentes icónicos, pero con un aire más sobrio. Era un Elton más maduro, pero igual de fabuloso. Un referente eterno de estilo sin reglas.

5. Se convirtió en leyenda viva… en tiempo real

A diferencia de otros ídolos ochenteros que se apagaron, Elton usó los 90 para consolidarse como leyenda viva. Sus colaboraciones, premios, conciertos multitudinarios y presencia mediática lo mantuvieron vigente. No sólo sobrevivió al cambio de década: la dominó con clase.

¡Prepárate para vivir un espectáculo que lo tiene TODO! Música en vivo, danza, historia, emociones y el sello único de Nacho Cano, el creador de Hoy No Me Puedo Levantar y ex integrante de Mecano. Malinche El Musical llega al corazón de la Ciudad de México con una puesta en escena que celebra la mezcla de culturas y el poder de la mujer. Aquí te damos 5 razones por las que no te lo puedes perder:

1. Es la obra cumbre de Nacho Cano

Después del exitazo mundial de Hoy No Me Puedo Levantar, Nacho Cano se supera con Malinche, una obra que ha roto récords en Madrid y que ahora llega por fin a México. No es cualquier musical: es el proyecto más ambicioso de su carrera.

2. Una historia que honra nuestras raíces

Más que un musical, es una carta de amor a la identidad mexicana. Malinche relata el mestizaje desde una visión poderosa y femenina, en la figura de una mujer que transformó la historia. Una experiencia que conecta con nuestras raíces y nos hace reflexionar sobre lo que somos.

3. Un espectáculo visual y sonoro de otro nivel

Prepárate para ver una fusión de flamenco, pop y rock como nunca antes. Malinche mezcla el poder del teatro con la energía de un concierto y la elegancia del ballet contemporáneo. Y sí: ¡hay un pre-show con música en vivo y un after lleno de baile!

4. Un elenco que representa la unión de dos mundos

La puesta en escena contará con talento mexicano y español. Jóvenes formados en España, bailarines de flamenco y actores nacionales se unen para contar esta historia tal como la imaginó Nacho Cano: una verdadera celebración del mestizaje.

5. Llega al emblemático Frontón México

Desde el 28 de marzo de 2025, Malinche El Musical estará en uno de los espacios más icónicos del centro de la CDMX, frente al Monumento a la Revolución. Fácil de llegar, cómodo y con todo para disfrutar de una noche épica.

Malinche El Musical es más que un show: es una experiencia transformadora. Si amaste Hoy No Me Puedo Levantar, esto te va a volar la cabeza.

Cuando U2 lanzó The Unforgettable Fire en 1984, no solo estaban presentando un nuevo álbum, estaban dando un salto artístico que definiría su sonido en los años por venir. Este disco marcó un antes y un después en su carrera, alejándose del rock más crudo de sus primeros trabajos y abrazando una atmósfera más experimental, emocional y ambiciosa.

Con la producción de Brian Eno y Daniel Lanois, The Unforgettable Fire no solo fue un reto sonoro, sino también una apuesta que transformó a U2 de una banda prometedora a un acto internacional con voz propia. A continuación, te dejamos 4 datos que te harán escuchar este disco con otros oídos:

1. Cambiaron de rumbo completamente

Después del éxito de War, U2 sorprendió al dejar atrás el rock combativo y adoptar una estética más etérea y abstracta. La influencia de Eno se nota desde la primera nota: menos riffs agresivos, más ambient, más emoción contenida.

2. “Pride (In the Name of Love)” los puso en el mapa global

Este fue el sencillo más exitoso del álbum y el primero en entrar fuerte en las listas de EE. UU. y el Reino Unido. Es un homenaje a Martin Luther King Jr., y su coro pegajoso hizo que hasta quienes no eran fans de U2 voltearan a verlos.

3. Fue el inicio de su relación con Eno y Lanois

La dupla de productores se convirtió en pieza clave para el sonido de U2 en los discos siguientes, incluyendo el aclamado The Joshua Tree. Aquí nació esa química creativa que llevaría su música a otro nivel.

4. La portada tiene una vibra muy U2

La imagen del castillo Moydrum en Irlanda refleja perfectamente el tono melancólico y místico del disco. Una mezcla entre lo etéreo y lo político, como todo en esta era de la banda.

Este disco es el puente entre el U2 joven e idealista y el U2 épico que conquistaría estadios. Si hace tiempo no lo escuchas completo, este es el momento perfecto para redescubrirlo.

Si hay una balada que ha hecho llorar, cantar y reflexionar a millones desde los 80, esa es I Want to Know What Love Is. Lanzada por Foreigner en 1984, esta power ballad trascendió el hard rock y se convirtió en un himno emocional que sigue sonando fuerte hasta hoy. Pero, ¿cómo se creó esta joya y por qué nos sigue pegando directo al corazón? Aquí te lo contamos.

Una canción nacida del corazón (y de una crisis)

Mick Jones, el guitarrista y principal compositor de Foreigner, escribió esta canción en medio de una etapa complicada en su vida personal. Él mismo ha dicho que fue casi una experiencia espiritual. El resultado fue una balada sincera, vulnerable y poderosa, que conectó con la audiencia por su honestidad brutal.

Un coro que te eriza la piel

Lo que hace única a esta canción es su coro épico, interpretado junto al New Jersey Mass Choir, un grupo de góspel que elevó la canción a niveles celestiales. Esa mezcla de rock con góspel no era común en la época y le dio un alma especial, intensa y conmovedora.

Una producción pulida y emocional

Producida por Mick Jones y Alex Sadkin, la canción tiene una atmósfera envolvente, con sintetizadores suaves, guitarras discretas y una voz cargada de emoción. Cada elemento está ahí para empujar el sentimiento al límite sin volverse cursi.

Éxito instantáneo y legado eterno

‘I Want to Know What Love Is’ fue número uno en más de 10 países, incluyendo Estados Unidos y Reino Unido. Ha sido versionada por decenas de artistas, desde Tina Arena hasta Mariah Carey, y sigue sonando en películas, series y playlists de corazones rotos.

Esta canción no solo marcó un punto alto en la carrera de Foreigner, sino que también dejó claro que el rock puede ser tan sensible como poderoso.

Kate Bush no fue solo una cantante más de los 80, fue una fuerza creativa única que rompió todas las reglas del pop convencional. Con su voz etérea, letras enigmáticas y producciones arriesgadas, nos regaló algunos de los temas más intensos, extraños y bellamente complejos de la década. Si creías que “Running Up That Hill” era lo único que tenías que conocer, prepárate para sorprenderte.

1. “Running Up That Hill (A Deal with God)” (1985)

Sí, es su canción más popular y sí, se volvió viral gracias a Stranger Things, pero desde su lanzamiento fue una joya adelantada a su tiempo. Kate explora el deseo de entender al otro desde una propuesta casi mística, envuelta en sintetizadores hipnóticos.

2. “Cloudbusting” (1985)

Inspirada en la relación entre el psicoanalista Wilhelm Reich y su hijo, esta canción mezcla historia, emoción y un videoclip protagonizado por Donald Sutherland. La base rítmica repetitiva y los arreglos orquestales crean una experiencia única.

3. “Babooshka” (1980)

Una historia de celos y manipulación contada desde una narrativa teatral. Kate canta sobre una mujer que pone a prueba a su esposo… ¡haciéndose pasar por otra! El resultado: drama puro con tintes de art pop.

4. “The Sensual World” (1989)

Aunque salió al final de la década, esta canción es la cúspide de su evolución artística. Basada en Ulises de James Joyce, Bush transforma literatura compleja en una experiencia musical sensual, elegante y absolutamente única.

5. “Sat in Your Lap” (1981)

Una mezcla impredecible de percusiones tribales, sintetizadores caóticos y preguntas existenciales. Esta canción es un recordatorio de que Kate siempre estuvo más interesada en empujar los límites que en sonar comercial.

Kate Bush no solo fue una artista, fue una visionaria que le dio al pop una dimensión completamente nueva. Y lo mejor es que aún hay mucho por descubrir en su catálogo.

En una era dominada por bandas masculinas, The Go-Go’s llegaron como un huracán de frescura, actitud punk y melodías irresistibles. No solo conquistaron a la crítica y al público, sino que marcaron un antes y un después en la historia de la música pop. ¿Lo más impresionante? Fueron la primera banda integrada y compuesta totalmente por mujeres en alcanzar el #1 del Billboard con un álbum escrito e interpretado por ellas mismas.

Un inicio punk y callejero que evolucionó al pop

The Go-Go’s comenzaron su carrera en la escena punk de Los Ángeles a finales de los 70, pero rápidamente encontraron su voz en el pop rock con tintes new wave. Su energía era cruda, auténtica y contagiosa, y no tardaron en destacar entre cientos de bandas.

‘Beauty and the Beat’: El álbum que lo cambió todo

Lanzado en 1981, Beauty and the Beat fue su carta de presentación al mundo. Con hits como “We Got the Beat” y “Our Lips Are Sealed”, el disco escaló al primer lugar del Billboard 200 y se mantuvo ahí por seis semanas. Un logro histórico para una banda sin padrinos musicales, sin hombres detrás y sin miedo a romper estereotipos.

Iconos de moda, rebeldía y sororidad

Además de su música, The Go-Go’s se convirtieron en referentes de estilo y libertad para miles de chicas. Con su look ochentero, actitud irreverente y letras que hablaban de fiestas, amor y empoderamiento, marcaron la pauta de lo que significaba ser mujer en el rock sin tener que pedir permiso.

Legado eterno y reconocimiento tardío

A pesar de su impacto, tardaron décadas en obtener el reconocimiento que merecían. No fue sino hasta 2021 que fueron incluidas en el Rock and Roll Hall of Fame, demostrando que su legado sigue tan vigente como sus canciones en nuestras playlists.

The Go-Go’s no solo abrieron camino, lo pavimentaron con glitter, guitarras y actitud.

En 1985, el mundo fue testigo de un momento musical simplemente eléctrico: David Bowie y Tina Turner compartiendo escenario en una colaboración tan poderosa que aún hoy sigue siendo referencia de química escénica. Fue más que un dueto: fue el cruce perfecto entre elegancia camaleónica y energía arrolladora. ¿Qué pasó realmente detrás de este momento legendario?

Un encuentro de titanes en plena cima de sus carreras

Ambos artistas vivían un punto altísimo en los 80. Tina acababa de resurgir con el éxito de Private Dancer y Bowie reinaba con Let’s Dance. Cuando se juntaron para el Private Dancer Tour de Tina en Birmingham, no solo unieron voces: unieron dos mundos artísticos únicos que se complementaron a la perfección.

La química sobre el escenario que desató rumores (y suspiros)

La versión de “Tonight” que cantaron juntos, además de otros momentos como su interpretación de “Let’s Dance”, dejaron al público boquiabierto. La complicidad, las miradas y el coqueteo descarado hicieron pensar a muchos que había algo más que música entre ellos. Aunque nunca se confirmó nada, la magia era evidente.

Una noche tan icónica que quedó inmortalizada en video

El show fue grabado en video y lanzado en el VHS Tina Live – Private Dancer Tour, donde se ve a un Bowie relajado, divertido y totalmente conectado con una Tina en su mejor momento. Incluso él llegó a decir que fue una de sus colaboraciones más “libres y sensuales”.

Un legado de respeto mutuo y empoderamiento

Más allá del show, esta colaboración demostró cómo dos artistas con estilos distintos podían crear algo inolvidable sin opacarse. Tina, una mujer que se reinventó ante la adversidad, y Bowie, un artista sin límites, dejaron claro que el respeto y la admiración también hacen buena música.