¡Atención tributos! La saga de Los Juegos del Hambre está de regreso con una nueva precuela titulada Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha (The Hunger Games: Sunrise on the Reaping), que llegará a los cines el 20 de noviembre de 2026.

La historia se centrará en la juventud de Haymitch Abernathy, el inolvidable mentor de Katniss y Peeta. En esta versión conoceremos su experiencia en la edición 50 de los juegos, mucho antes de los eventos de la película original de 2012. El personaje será interpretado por Joseph Zada, tomando el lugar que en la saga original ocupó Woody Harrelson.

El elenco promete sorprender: Whitney Peak será Lenore Dove Baird, el gran amor de Haymitch; Elle Fanning dará vida a la carismática Effie Trinket y Ralph Fiennes será el temido Presidente Snow, en una actuación que ya genera expectativas gracias a su legado como Voldemort en Harry Potter.

Otros talentos confirmados son Glenn Close como Drusilla Sickle, Billy Porter como Magno Stift, Mckenna Grace como Maysilee Donner, Maya Hawke, Jesse Plemons, Kelvin Harrison Jr., Kieran Culkin, entre muchos más.

Esta nueva entrega nos llevará al pasado del Distrito 12 para revelar los momentos clave que forjaron el carácter de Haymitch y nos permitirá ver desde otra perspectiva cómo funcionaba el cruel sistema de los juegos en esa época.

Con un reparto de lujo y una historia que promete emociones intensas, Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha ya es una de las películas más esperadas por los fans de la franquicia.

En los gloriosos años 80, cuando los peinados voluminosos y los trajes brillantes dominaban los escenarios, dos bandas británicas peleaban silenciosamente por ser los íconos del pop: Duran Duran y Spandau Ballet. Aunque sus fans vivieron esta batalla con pasión, pocos conocen la verdadera historia detrás de esta rivalidad que marcó a toda una generación.

Dos estilos, un mismo sueño: conquistar el mundo

Duran Duran y Spandau Ballet no solo compartían listas de éxitos, también compartían escenario, portadas de revistas y hasta el mismo circuito de fiestas exclusivas. Mientras Duran Duran apostaba por un estilo más salvaje, aventurero y sexy, Spandau Ballet ofrecía elegancia, romanticismo y sofisticación. Cada banda representaba un estilo de vida y sus fans lo defendían como equipo de fútbol.

¿Rivalidad musical o choque de egos?

Aunque siempre intentaron mostrarse cordiales en público, los rumores sobre la tensión entre ambas bandas nunca desaparecieron. Tony Hadley, vocalista de Spandau Ballet, llegó a decir que Duran Duran tenía “demasiada actitud” y Simon Le Bon no se quedó atrás al asegurar que “el glamour sin sustancia no dura”. Las indirectas eran constantes y las entrevistas de la época lo confirmaban.

La batalla por el Top 1

Ambas bandas competían por los mismos premios, los mismos escenarios y el mismo público. Mientras Duran Duran arrasaba con hits como Hungry Like the Wolf y Rio, Spandau Ballet respondía con himnos como True y Gold. La prensa británica se encargó de alimentar esta rivalidad, presentándolos como los grandes enemigos del pop ochentero.

El tiempo todo lo cura… ¿o no?

Con los años, los integrantes han minimizado la supuesta enemistad, pero las entrevistas actuales siguen dejando entrever que, aunque hoy hay respeto, en los 80 hubo celos, comparaciones y mucho pique. Lo que es seguro es que ambas bandas definieron una era y su competencia nos regaló algunos de los mejores momentos del pop.

¿Eras team Duran Duran o team Spandau Ballet?

Esta rivalidad dividió a toda una generación, y aunque ambas bandas siguen teniendo fans apasionados, el debate sobre cuál fue la mejor sigue vivo. ¿Tú de qué lado estabas?

Si creciste en los 80 o eres amante de la música vintage, seguro sabes que los discos de vinil no solo guardan canciones, ¡sino también tesoros! Hoy en día, algunos vinilos de esa década son piezas codiciadísimas que pueden valer miles de dólares. ¿Quieres saber cuáles son los más buscados y por qué se convirtieron en joyas para coleccionistas?

1. Prince – Purple Rain (1984)

Más que un disco, Purple Rain es un ícono cultural. La edición original en vinil, especialmente la primera prensada de Estados Unidos, es una de las más valiosas. Su rareza y la leyenda de Prince hacen que coleccionistas paguen una fortuna por ella.

2. The Smiths – The Queen Is Dead (1986)

Este álbum emblemático del rock alternativo británico tiene versiones limitadas y prensadas especiales que hoy se cotizan en miles de dólares. La portada y la influencia cultural del disco elevan su precio.

3. Madonna – Like a Virgin (1984)

El vinil original de Like a Virgin es otro clásico que ha subido mucho de valor. Las primeras ediciones, con portadas especiales y en perfecto estado, son buscadas por fans y coleccionistas.

4. Metallica – Master of Puppets (1986)

Un must para los amantes del metal, la primera edición en vinil de este álbum es extremadamente rara y valiosa. Su impacto en la escena metalera y su calidad sonora hacen que sea un tesoro para los coleccionistas.

5. Michael Jackson – Thriller (1982)

Aunque Thriller es uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, ciertas ediciones originales en vinil de la década de los 80, sobre todo con detalles específicos en la portada o en la etiqueta, pueden alcanzar precios sorprendentes.

La fiebre por el vinil sigue creciendo y estos discos ochenteros son un ejemplo perfecto de cómo la música y la nostalgia pueden convertir un objeto en una inversión millonaria. ¿Tú tienes alguno en casa? ¡Revísalo, que tal vez estás sentada sobre un tesoro!

Mariah Carey, la icónica cantante de 56 años, sorprendió al mundo con una declaración poco común: no cree en el tiempo. Durante una entrevista reciente, la estrella dejó claro que ni los relojes ni los cumpleaños tienen espacio en su vida. Esta declaración reafirma su reputación como una de las celebridades más excéntricas de la industria.

En la charla con los locutores Sian Welby, Jordan North y Chris Stark, Mariah confirmó que efectivamente no reconoce el paso del tiempo. Cuando le pidieron profundizar en su postura, la cantante fue tajante: “Simplemente no creo en eso”. La conversación se volvió aún más peculiar cuando aclaró que no es cuestión de zonas horarias o relojes, sino que para ella, el tiempo no existe y es algo que prefiere dejar fluir.

Además, Mariah confesó que no celebra cumpleaños, solo “aniversarios”, reafirmando su idea de que los años no la definen. Para ella, las fechas no marcan su vida ni su trayectoria. Y cuando le preguntaron cómo coordina sus compromisos, respondió de manera muy práctica: “Alguien te llamaría y lo resolvería.”

Esta filosofía “sin tiempo” conecta con la imagen que Mariah ha construido: una diva atemporal que se mueve a su propio ritmo, sin atarse a convenciones sociales ni calendarios.

Mariah Carey no solo ha desafiado las listas de éxitos musicales, ahora también desafía las reglas del tiempo. Su visión refuerza su esencia única y sigue conquistando al público con su autenticidad y extravagancia.

El ex vocalista de Frankie Goes To Hollywood, Holly Johnson, compartió que Freddie Mercury probablemente no estuvo muy contento cuando el tema “Relax” destronó a “Radio Ga Ga” de Queen en las listas británicas en 1984. La competencia musical en los 80 era feroz, y para Johnson, ese momento seguramente fue difícil para el legendario líder de Queen.

En una entrevista reciente, Holly recordó que en aquellos años las posiciones en los charts y las portadas de revistas eran asunto serio. Frankie Goes To Hollywood apenas estaba empezando y, de repente, se quedó con el primer lugar que parecía destinado a Queen. Holly cree que eso debió haber sido un golpe duro para Freddie, aunque admite que nunca tuvieron una amistad cercana.

Ambos coincidieron varias veces en bares gay, pero sus interacciones fueron limitadas a miradas amistosas. Holly confesó que era demasiado tímido para acercarse, especialmente cuando Freddie siempre estaba rodeado de su grupo de amigos.

Por otro lado, Holly habló sobre la reciente reunión de Frankie Goes To Hollywood para la ceremonia de apertura de Eurovisión 2023 en Liverpool. Aunque fue una experiencia positiva, dejó claro que una reunión completa y a largo plazo es poco probable. A pesar de las ofertas, no todos los integrantes estaban interesados en continuar.

El cantante cerró diciendo que, aunque no se puede decir “nunca jamás”, la posibilidad de volver a verlos juntos es cada vez más remota debido al paso del tiempo y las prioridades de cada uno.

La historia detrás de este duelo musical muestra lo competitiva que era la industria en los 80 y cómo pequeñas batallas en las listas dejaron huella en los artistas más grandes. Hoy, Holly lo recuerda con humor y sin resentimientos, valorando más los encuentros que los números.

Beyoncé sigue rompiendo esquemas y ahora lo hizo en Londres, donde sorprendió al público con su interpretación del clásico “Blackbird” de The Beatles. La cantante texana no solo grabó su versión para su exitoso álbum Cowboy Carter, sino que también se la dedicó directamente a Sir Paul McCartney, agradeciéndole por escribir “una de las mejores canciones jamás hechas”.

Durante su última presentación en el Tottenham Hotspur Stadium, Beyoncé lució un outfit temático de Blackbird, diseñado por Stella McCartney, hija del legendario Beatle. A través de Instagram, la artista expresó lo honrada que se siente cada vez que interpreta la canción y destacó lo especial que fue cerrar este ciclo usando un diseño de la familia McCartney.

Paul McCartney, de 82 años, no tardó en responder. El músico aplaudió la versión de Beyoncé y la calificó como “magnífica” y “poderosa”, resaltando que mantiene vivo el mensaje por los derechos civiles que lo inspiró a escribir la canción en los años 60. De hecho, recordó que escribió Blackbird tras ver en televisión a niñas negras ser rechazadas en escuelas, y enfatizó que esa lucha sigue vigente hoy en día.

El ex-Beatle compartió que tuvo una videollamada con Beyoncé para agradecerle por revivir el tema con tanto respeto y pasión. Para Paul, cualquier acción que ayude a reducir la tensión racial es motivo de orgullo, y considera que la versión de Beyoncé cumple con ese propósito.

Este encuentro musical entre dos leyendas de diferentes generaciones demuestra cómo la música puede seguir derribando barreras y conectando historias. Beyoncé no solo rindió homenaje a McCartney, también le dio nueva vida a un himno de lucha.

¡Buenas noticias para las y los fans de Stevie Nicks! La icónica cantante ha anunciado ocho nuevas fechas para su gira 2025 por Estados Unidos y Canadá, ampliando su recorrido entre agosto y octubre. Estas nuevas presentaciones también buscan compensar las fechas que tuvo que cancelar junto a Billy Joel, tras el diagnóstico de un problema de salud del cantante.

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Stevie Nicks iniciará la gira el 8 de agosto en Brooklyn y ahora visitará ciudades como Detroit, Portland, Sacramento, Atlantic City y Charlotte, entre otras. La gira cerrará el 25 de octubre en Hartford, Connecticut.

Además, Stevie Nicks compartió que está trabajando en su primer álbum en 14 años, inspirado en vivencias personales y marcado por las recientes tragedias de los incendios en Los Ángeles. La cantante prometió que este disco será el más directo y sincero de su carrera, con historias reales y sin filtros.

La leyenda de Fleetwood Mac sigue conquistando escenarios y ahora se prepara para regresar con nueva música que promete ser profunda, honesta y muy personal. ¡Una gira y un álbum que nadie se querrá perder!

¡Una colaboración que emociona a los fans de los Beatles!  Zak Starkey, hijo de Ringo Starr, James McCartney, hijo de Paul McCartney, y Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon, se unieron para crear “Rip Off”, el nuevo sencillo de la banda Mantra of the Cosmos.

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Zak Starkey, quien fundó la banda en 2023, compartió que este tema sigue siendo parte de su proyecto, aunque ahora con la participación de James y Sean. “Es como Mantra of the Cosmos con ellos dentro”, explicó en entrevista. Aunque la canción aún no se lanza oficialmente, Starkey ya adelantó un fragmento en sus redes sociales.

Durante la entrevista, le preguntaron en tono de broma si faltaba invitar a Dhani Harrison, hijo de George Harrison, pero Starkey respondió con humor: “No, ¿por qué tendría que hacerlo?”.

Esta no es la única colaboración reciente de Starkey. También presentó “Domino Bones (Gets Dangerous)” junto a Noel Gallagher, con quien trabajó tras ser parte de Oasis en su etapa como baterista entre 2004 y 2008. Según Starkey, Noel inicialmente no entendía cómo colaborar con una pista “llena de batería”, pero finalmente lograron crear algo único con un toque de piano y una parte de un coro de Gallagher.

“Rip Off” promete ser un tema icónico que conecta a la nueva generación de los Beatles con los fans de siempre, mientras Mantra of the Cosmos sigue abriendo caminos con fusiones inesperadas.

El director de DC Studios, James Gunn, lanzó una fuerte declaración que está dando de qué hablar en la industria del cine. Según Gunn, el mayor problema no es la competencia de las pantallas en casa, sino que cada vez se hacen más películas sin contar con un guion final sólido. Esta tendencia, asegura, está afectando la calidad y alejando al público de las salas.

En una entrevista para Rolling Stone, Gunn reveló que recientemente cancelaron un proyecto en DC Studios porque el guion no cumplía con la calidad que él exige. Aunque todos querían hacer la película y ya estaba aprobada, Gunn se negó a seguir adelante sin un guion bien trabajado.

El director destacó que, afortunadamente, los guiones de próximas producciones como Supergirl, Lanterns y Clayface han sido extraordinarios desde el inicio, lo que les ha permitido avanzar con seguridad en sus planes. Gunn insistió en que en DC no tienen la presión de lanzar cierto número de proyectos al año, lo que les permite enfocarse en la calidad por encima de la cantidad.

También criticó la estrategia que Disney impuso a Marvel para acelerar la producción de contenido durante el auge de Disney+, lo que, en su opinión, afectó la calidad de los productos. Gunn aseguró que en DC cada proyecto avanza solo si el guion es verdaderamente bueno y personalmente aprobado por él.

El primer estreno de la nueva era DC de Gunn será Superman, que llegará a los cines el próximo mes. Además, Supergirl: Woman Of Tomorrow ya terminó de filmarse y Clayface se perfila como uno de los próximos proyectos importantes del estudio.

Con estas decisiones, James Gunn busca recuperar la confianza del público con historias bien escritas y películas de alta calidad que marquen la diferencia en una industria cada vez más saturada.

Brad Pitt ha dejado claro que estaría dispuesta a trabajar de nuevo con Tom Cruise, pero con una condición: nada de las arriesgadas acrobacias que han hecho famoso al protagonista de Misión: Imposible. Así lo declaró en una reciente entrevista, donde recordó su única colaboración con Cruise en la película Entrevista con el Vampiro de 1994.

Han pasado casi 30 años desde que ambos compartieron pantalla, y aunque sus carreras siguieron caminos distintos, Pitt mantiene buenos recuerdos de aquellos tiempos. Incluso mencionó que en los años 90 solían competir en go-karts, donde Cruise era el más rápido.

Cuando le preguntaron si le gustaría volver a trabajar con Tom Cruise, Brad Pitt respondió con humor que no está dispuesta a colgarse de aviones ni realizar las acrobacias extremas que caracterizan a Cruise, y que sólo aceptaría si se trata de una película “con los pies en la tierra”.

Actualmente, Brad Pitt está por estrenar F1, su nueva película ambientada en el mundo de la Fórmula 1, que llegará a cines el 25 de junio. Además, se confirmó que Rosé, integrante de BLACKPINK, lanzará un tema exclusivo para la banda sonora del filme.

Por su parte, Tom Cruise sigue enfocado en producciones llenas de acción. Se ha revelado que la tercera entrega de Top Gun ya está en desarrollo, lo que confirma que el actor continuará apostando por las escenas de alto riesgo.

Con estas declaraciones, Brad Pitt no cierra la puerta a una colaboración, pero deja claro que prefiere las películas con menos peligro y más estabilidad en tierra firme.