El sexismo en la industria del entretenimiento ha sido una constante durante décadas, pero muchas mujeres han alzado la voz para visibilizar las desigualdades que enfrentan en su carrera. Desde la presión por encajar en estándares físicos hasta la falta de oportunidades frente a sus colegas hombres, estas artistas han usado su plataforma para exigir un trato más justo y abrir camino a nuevas generaciones.

Aquí te compartimos 5 declaraciones poderosas de mujeres que han puesto el tema sobre la mesa.

1. Taylor Swift

La cantante ha sido una de las voces más fuertes sobre la desigualdad de género en la música. En su documental Miss Americana, habló sobre cómo la industria exige a las mujeres reinventarse constantemente para seguir siendo relevantes:

“Las artistas femeninas que conozco se han reinventado 20 veces más que los artistas masculinos… Tienes que hacerlo, o te quedas sin trabajo.”

Además, ha señalado cómo las críticas hacia las mujeres suelen centrarse en su vida personal más que en su talento:

“Un hombre escribe sobre sus sentimientos y es valiente, una mujer lo hace y es demasiado emocional.”

2. Sheryl Crow

La cantautora ha señalado cómo las expectativas son distintas para las mujeres, especialmente conforme avanzan en edad:

“En el rock, los hombres pueden seguir siendo relevantes hasta los 60 o 70 años, mientras que las mujeres son prácticamente descartadas después de los 40.”

Crow ha sido una defensora de la igualdad, cuestionando por qué las estaciones de radio dejan de programar música de mujeres mayores, mientras que los hombres siguen dominando las listas sin importar su edad.

3. Florence Welch (Florence and the Machine)

La líder de Florence and the Machine ha hablado sobre la presión que enfrentan las mujeres para ser siempre perfectas, especialmente en la era de las redes sociales:

“Las mujeres sienten que tienen que ser todas las cosas al mismo tiempo: talentosas, bellas, fuertes, pero también vulnerables… Es agotador.”

Welch ha utilizado su música para explorar la feminidad desde un lugar crudo y honesto, desafiando la idea de que las mujeres deben ajustarse a un molde para ser exitosas.

4. Norah Jones

La ganadora de múltiples Grammys ha hablado sobre cómo las mujeres suelen ser tratadas como productos y no como artistas completas:

“A menudo asumen que si eres mujer y tocas música, alguien más escribió tus canciones o produjo tu disco.”

Jones ha señalado que esa percepción minimiza el trabajo y la creatividad de las mujeres en la música, una industria donde los hombres siguen dominando los créditos de composición y producción.

5. Lana del Rey

La cantante ha sido criticada por la manera en que aborda temas como la vulnerabilidad y las relaciones en su música, algo que pocas veces se cuestiona en artistas masculinos:

“He sido criticada por cantar sobre relaciones abusivas, pero cuando hombres lo hacen, son considerados poetas.”

Del Rey ha desafiado los estereotipos sobre cómo deben comportarse las mujeres en la música, defendiendo su derecho a explorar cualquier faceta de la experiencia femenina sin ser juzgada.

Un cambio que sigue en marcha

Aunque la industria ha evolucionado en los últimos años, las historias de estas mujeres nos recuerdan que la igualdad de género aún es un desafío pendiente en el entretenimiento. El talento femenino ha sido clave para transformar la música y la cultura pop, pero muchas artistas siguen enfrentando barreras solo por su género.

La lucha por una industria más justa continúa, y cada vez más voces se suman para romper con los estereotipos y construir un espacio donde el talento se valore por encima de todo.

Descubre más de estas artistas en: https://udiscover.mx/

La música siempre ha sido un espacio para alzar la voz, pero durante décadas la industria ha sido dominada por hombres, dejando a las mujeres en segundo plano. Sin embargo, algunas artistas no solo conquistaron los escenarios, sino que usaron su talento para desafiar los estereotipos, abrir camino para otras mujeres y recordarnos que la música también es un acto de resistencia.

En los 80 y 90, estas mujeres no solo brillaron con su talento, sino que rompieron barreras con su mensaje y actitud.

Amy Winehouse: La voz que marcó una generación

Aunque su carrera fue corta, Amy Winehouse dejó huella con su estilo único y sus letras honestas. Con canciones como “You Know I’m No Good” o “Stronger Than Me”, hablaba de relaciones de poder, desamor y la lucha por ser ella misma, sin seguir los estándares impuestos.

Blondie: El poder de una mujer al frente del punk-pop

Debbie Harry fue la líder de Blondie en una época donde pocas mujeres encabezaban bandas. Con canciones como “Atomic” y “One Way or Another”, proyectaba una imagen fuerte y desafiante, demostrando que el punk también podía tener voz femenina.

Diana Ross: La definición de empoderamiento

Desde sus días con The Supremes hasta su carrera en solitario, Diana Ross se convirtió en un símbolo de elegancia, talento y poder femenino. Canciones como “I’m Coming Out” se convirtieron en himnos de libertad y orgullo personal.

4 Non Blondes: Himnos de libertad femenina

Linda Perry y su banda crearon uno de los himnos más icónicos de los 90 con “What’s Up?”, una canción que hablaba sobre la búsqueda de identidad, libertad y el deseo de cambiar el mundo.

Florence Welch: La voz etérea de la libertad

Con su banda Florence + The Machine, ha creado canciones que celebran la independencia femenina como “Dog Days Are Over” y “Shake It Out”, fusionando espiritualidad, arte y poder femenino.

Norah Jones: La suavidad como fortaleza

Con su mezcla de jazz, soul y folk, Norah Jones demostró que no se necesita gritar para hacerse escuchar. Canciones como “Don’t Know Why” hablan de vulnerabilidad, pero también de fuerza interior.

Shania Twain: Rompiendo esquemas en el country-pop

En una industria dominada por hombres, Shania Twain revolucionó el country con canciones como “Man! I Feel Like a Woman!”, un himno de independencia y empoderamiento femenino.

Spice Girls: El grito de la generación Girl PowerEl mensaje era claro: Girl Power. Con éxitos como “Wannabe” y “Spice Up Your Life”, las Spice Girls llevaron la independencia femenina a las listas de éxitos, inspirando a toda una generación.

La lucha continúa… con música

Estas mujeres usaron su música para desafiar las reglas, romper el silencio y demostrar que el talento femenino no tiene límites. Aunque la industria ha cambiado, aún queda mucho por hacer para alcanzar la igualdad en la música. Cada canción, cada voz y cada artista que levanta la voz nos recuerda que la lucha sigue y que, a través de la música, las mujeres siguen haciendo historia.

Durante décadas, la música pop ha sido el soundtrack de nuestras vidas, pero no todas las canciones han envejecido con gracia. Lo que alguna vez sonaba como un éxito pegajoso, hoy podría levantar más de una ceja. La misoginia en las letras de los 80 y 90 era más común de lo que creemos, pero gracias a la evolución social y al movimiento feminista, muchas de estas canciones serían impensables en la actualidad.

Aquí repasamos algunos temas que, aunque marcaron una época, hoy serían señalados por su mensaje sexista.

1. “Brown Sugar” – The Rolling Stones (1971)

Aunque este clásico no es de los 80 o 90, se siguió escuchando con fuerza en esas décadas. Su ritmo pegajoso ocultaba una letra que hablaba de esclavitud, sexo no consensuado y objetificación femenina. Durante años pasó desapercibido, pero en la actualidad ha sido criticado por su contenido racista y misógino.

2. “I Used to Love Her” – Guns N’ Roses (1988)

Axl Rose no se ha caracterizado precisamente por su sensibilidad, y esta canción es prueba de ello. Aunque muchos la interpretaron como una broma negra, la letra cuenta cómo el narrador mata a su pareja porque ya no la soportaba… y lo peor es que lo hacía sonar como algo gracioso.

3. “Blurred Lines” – Robin Thicke (2013)Aunque no pertenece a los 80 o 90, este tema merece una mención porque marcó el inicio de un cambio de mentalidad. Con frases como “I know you want it” (“Sé que lo quieres”), la canción fue criticada por romantizar el consentimiento ambiguo y la cultura de la violación.

4. “Under My Thumb” – The Rolling Stones (1966, pero popular en los 80)

Otra joya que se mantuvo sonando en los 80. La letra habla de cómo el protagonista logra someter a su pareja, retratando la relación como una lucha de poder. Lo que en su época se interpretaba como rebeldía, hoy suena como control y dominación.

¿Por qué antes era normal… y ahora no?

Las canciones son reflejo de la sociedad que las crea. En los 80 y 90, la cultura pop estaba marcada por la visión masculina que dominaba la industria musical. La objetificación femenina y las letras sexistas se normalizaban porque pocas voces alzaban la voz para cuestionarlas.

Hoy, con movimientos como #MeToo y la lucha feminista, esas mismas canciones han sido reexaminadas bajo una nueva luz. Lo que antes se aceptaba como “rockstar attitude” o simple diversión, ahora es visto como un reflejo de la desigualdad de género que aún persiste.

¿Se puede separar la música del mensaje?

Este debate sigue abierto. ¿Podemos seguir disfrutando de canciones con letras problemáticas solo por su valor musical? ¿O es necesario replantearnos lo que consumimos? Lo que es seguro es que la música tiene el poder de moldear nuestras ideas… y la evolución de la sociedad se refleja en cada canción que cuestionamos.

Aunque la industria ha cambiado, todavía queda un largo camino por recorrer. El primer paso es reconocer las letras que alguna vez bailamos sin pensar y seguir exigiendo que la música sea un espacio más inclusivo para todas las voces.

El talento femenino ha iluminado la música durante décadas con canciones que marcaron generaciones y rompieron estereotipos. Pero aunque sus voces han hecho historia, la industria musical ha sido, y sigue siendo, un terreno desigual. Las mujeres han ganado algunas batallas, pero la lucha por la igualdad en premios, festivales y representación aún no termina.

Un espacio que se pelea canción por canción

Aunque hoy es más común ver a mujeres liderando las listas de éxitos, los números siguen siendo alarmantes. Entre 2012 y 2023, solo 23% de los artistas en el top 100 de Billboard eran mujeres. Y detrás de los escenarios, la cifra es aún más baja: solo 2.8% de los productores son mujeres.

En festivales como Glastonbury o Coachella, las artistas principales siguen siendo minoría. Hasta 2024, solo 13% de los headliners en Glastonbury han sido mujeres.

Premios… pero con cuentagotas

Los premios de la industria tampoco han sido justos con ellas. En los 80 y 90, pocas lograban ganar las categorías principales a pesar de tener discos icónicos.

• Lauryn Hill fue la primera mujer en ganar Álbum del Año en los Grammys con The Miseducation of Lauryn Hill… pero tuvieron que pasar 20 años para que otra mujer lo lograra como solista (Kacey Musgraves en 2019).

• Sinead O’Connor rechazó su Grammy como protesta, pero su mensaje sobre la hipocresía de la industria sigue siendo igual de vigente.

• Tori Amos fue nominada a 8 Grammys en su carrera, pero nunca ganó ninguno.

Canciones que fueron una protesta en sí mismas

A pesar de la desigualdad, hubo canciones que se convirtieron en himnos para alzar la voz:

• Taylor Swift con The Man es una canción que habla sobre el doble estándar de género y cómo la sociedad percibe el éxito de hombres y mujeres de manera distinta. La letra imagina cómo sería su vida si fuera hombre, destacando que sus logros serían vistos con más admiración y menos críticas.

Swift critica cómo las mujeres suelen ser etiquetadas como “mandonas” o “ambiciosas”, mientras que los hombres con las mismas actitudes son celebrados. La canción es un himno de empoderamiento que denuncia la desigualdad de género con un tono irónico y sarcástico.

El video oficial refuerza el mensaje mostrando a Taylor disfrazada de hombre para evidenciar cómo se comporta y es tratado alguien con privilegios masculinos.

Es una de las canciones más icónicas de su disco Lover (2019) y se convirtió en un símbolo feminista dentro de su discografía.

• Tori Amos con Me and a Gun, una confesión brutal sobre la violencia sexual basada en su propia experiencia.

• Sheryl Crow con A Change Would Do You Good, donde denunciaba la superficialidad de la sociedad y la falta de oportunidades para las mujeres.

• The Cranberries con Free to Decide, una declaración de independencia femenina con Dolores O’Riordan alzando la voz.

¿Y qué falta por ganar?

Aunque cada vez hay más voces femeninas en la música, la desigualdad persiste. La mayoría de las listas de éxitos, festivales y premios siguen dominados por hombres.

Iniciativas como Keychange han impulsado la paridad de género en festivales, pero falta mucho para que las mujeres ocupen los mismos espacios y oportunidades que los hombres.

La música no sería la misma sin ellas

Las mujeres han cambiado la historia de la música, pero la industria sigue en deuda con ellas. Cada canción, cada álbum y cada premio es una batalla ganada… pero la lucha por la igualdad continúa.

Mientras haya desigualdad, siempre habrá una voz lista para romper el silencio.

La música siempre ha sido una herramienta poderosa para alzar la voz, pero en los años 80 y 90, algunas mujeres convirtieron sus canciones en himnos para desafiar las reglas y hablar sobre temas que pocos se atrevían a tocar. Con talento, valentía y actitud, estas artistas dejaron claro que la música también es un acto de resistencia.

Annie Lennox: Feminismo a través de la música

La voz y presencia de Annie Lennox no solo conquistaron los charts con Eurythmics, también se convirtió en una figura clave para el feminismo en la música. Canciones como “Sisters Are Doin’ It for Themselves” junto a Aretha Franklin, se convirtieron en un himno de empoderamiento femenino que celebraba la independencia de las mujeres en una industria dominada por hombres.

Sinéad O’Connor: Rompiendo el silencio

La voz desgarradora de Sinéad O’Connor dejó una marca imborrable con “Nothing Compares 2 U”, pero fue su actitud combativa lo que la convirtió en un símbolo de resistencia. Su protesta más icónica ocurrió en Saturday Night Live, cuando rompió la foto del Papa Juan Pablo II como denuncia a los abusos dentro de la Iglesia Católica.

Madonna: Libertad sin censura

Madonna redefinió lo que significaba ser una mujer en la música pop. Su carrera estuvo marcada por canciones que hablaban de sexualidad, religión y libertad, desafiando las normas sociales con cada álbum. “Express Yourself” se convirtió en un himno feminista que alentaba a las mujeres a tomar el control de sus vidas y exigir lo que merecen.

Tracy Chapman: Protesta hecha canción

Con su guitarra y su voz suave, Tracy Chapman convirtió la protesta en arte. “Talkin’ ’Bout a Revolution” hablaba sobre la desigualdad social, mientras que “Fast Car” retrataba la lucha por escapar de la pobreza y la violencia doméstica, una realidad que muchas mujeres vivían en silencio.

Música que inspira, voces que resisten

Estas mujeres no solo llenaron escenarios con su talento, también usaron sus voces para cuestionar, exigir y romper el silencio en una época donde hacerlo podía costarles la carrera. Cada acorde, cada letra y cada acto de rebeldía ayudó a abrir caminos para que hoy más mujeres puedan expresarse con libertad.

La música es más que entretenimiento… es una forma de lucha. Y aunque los años han pasado, sus canciones siguen siendo el eco de todas aquellas mujeres que aún luchan por ser escuchadas.

La música siempre ha sido una forma de resistencia, y en los 80 y 90 hubo mujeres que no solo dominaron las listas de éxitos, sino que usaron sus canciones para hablar de independencia, igualdad y libertad. Aunque a veces las industrias las encasillaban en estereotipos, ellas rompieron con lo establecido… con música que sigue siendo himno para muchas hasta hoy.

Aquí van algunas canciones que alzaron la voz por las mujeres en una época donde no era tan fácil hacerlo.

1. Sisters Are Doin’ It for Themselves – Eurythmics ft. Aretha Franklin (1985)

“Now this is a song to celebrate…”

No había mejor dúo para cantar sobre independencia femenina que Annie Lennox y Aretha Franklin. Esta canción no solo era un hit pegajoso, era un mensaje claro: las mujeres no necesitaban que nadie hablara por ellas, podían hacerlo por sí mismas.

En plena década de los 80, cuando la industria musical seguía dominada por hombres, este himno se convirtió en un símbolo de sororidad y fuerza.

Dato curioso: El video muestra imágenes de sufragistas y mujeres trabajadoras, dejando claro que la lucha por la igualdad venía desde mucho antes.

2. I’m Every Woman – Whitney Houston (1993)

“I’m every woman, it’s all in me”

Whitney le dio nueva vida a este clásico originalmente cantado por Chaka Khan en los 70, pero con una energía que lo hizo inmortal. La canción celebra la fuerza, la diversidad y el poder de todas las mujeres, sin importar su historia o contexto.

Era 1993, una época donde los íconos femeninos comenzaban a ser más visibles, pero aún con muchas barreras que romper.

Dato curioso: El video muestra a Whitney embarazada, rodeada de mujeres de diferentes edades y razas, como un homenaje a la unidad femenina.

3. You Oughta Know – Alanis Morissette (1995)

Sí, esta canción es rabia, dolor y catarsis pura… pero también es libertad. Alanis se atrevió a cantar sobre una mujer herida, con enojo y sin filtros, en una época donde las baladas románticas eran lo común para las cantantes.

La letra habla de desamor, pero también de una mujer que no tiene miedo de expresar lo que siente, rompiendo la idea de que las mujeres solo debían cantar sobre corazones rotos desde la tristeza.

Dato curioso: El álbum Jagged Little Pill se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, abriendo camino para que otras mujeres cantaran con la misma intensidad.

4. Free Your Mind – En Vogue (1992)

“Before you can read me, you gotta learn how to see me”

La misoginia y el racismo eran dos temas que pocas veces se tocaban en la música pop de los 90… hasta que En Vogue lanzó este temazo. Con una base funky y guitarras rockeras, la canción era un grito para desafiar los prejuicios y estereotipos sobre las mujeres, especialmente mujeres negras.

Dato curioso: El video mostraba a las integrantes caminando con actitud desafiante entre hombres blancos con trajes… una declaración visual que sigue siendo poderosa.

5. Independent Women Pt. 1 – Destiny’s Child (1999)

Antes de que Beyoncé se convirtiera en la reina del empoderamiento femenino, Destiny’s Child ya hablaba de independencia económica y emocional. Esta canción, que fue parte del soundtrack de Los Ángeles de Charlie, se convirtió en todo un himno de mujeres que no necesitaban de nadie para conseguir lo que querían.

Dato curioso: La canción pasó 11 semanas en el #1 de Billboard, marcando una nueva era para las mujeres en el pop.

Estas canciones no solo fueron hits, fueron banderas.

En una época donde la misoginia se disfrazaba de “normal”, ellas tomaron el micrófono para gritar lo que muchas pensaban pero no podían decir. La música pop también puede ser política… y estas mujeres lo sabían muy bien.

En los años 90, pocas voces brillaban con tanta fuerza como la de Mariah Carey. Su rango vocal de cinco octavas y su inconfundible estilo la convirtieron en una de las artistas más exitosas de la década. Pero si hubo un disco que la llevó al siguiente nivel, ese fue Music Box, lanzado en 1993.

Este álbum no solo definió su carrera, sino que la consolidó como la diva absoluta del pop en los 90. Con una mezcla perfecta de baladas sentimentales, éxitos pegajosos y una producción impecable, Music Box se convirtió en la banda sonora de una generación que soñaba, amaba y lloraba con su música.

1. La era donde las baladas dominaban la radio

Los 90 fueron la década dorada de las baladas, y Mariah Carey lo sabía perfectamente. Con Hero, uno de sus mayores himnos, conquistó los corazones de millones de personas alrededor del mundo. La canción se convirtió en un símbolo de esperanza y fortaleza, y hasta la fecha es una de las más representativas de su carrera.

Otra joya del álbum fue Without You, una poderosa interpretación del clásico de Harry Nilsson que dejó claro que la voz de Mariah podía llevar cualquier canción a otro nivel. Si alguna vez tuviste el corazón roto, seguro esta canción fue parte de tu playlist melancólica.

2. De la melancolía a la fiesta: el toque pop que lo cambió todo

Aunque las baladas eran su zona de confort, Mariah también sabía cómo ponernos a bailar. Dreamlover fue el primer sencillo del álbum y una de sus canciones más alegres y pegajosas. El tema llegó directo al #1 del Billboard Hot 100 y se convirtió en uno de los grandes himnos pop de los 90.

La mezcla de R&B, pop y el toque fresco de los sintetizadores convirtió a Dreamlover en la canción perfecta para cantar con tus amigas frente al espejo o para acompañar los días soleados con la radio a todo volumen.

3. Éxito tras éxito… y récord tras récord

Desde su lanzamiento, Music Box no dejó de romper récords. El álbum vendió más de 28 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el más vendido de toda la carrera de Mariah Carey y uno de los discos más exitosos de los años 90.

Tres de sus sencillos llegaron al #1 de las listas de Billboard, consolidando a Mariah como la artista femenina más importante de la época. La combinación de su talento vocal y una producción impecable la llevaron a competir directamente con otras divas como Whitney Houston y Celine Dion.

4. El secreto detrás del éxito: la fórmula Mariah

Uno de los grandes aciertos de Music Box fue la dupla que Mariah hizo con el productor Walter Afanasieff, con quien escribió algunas de las canciones más icónicas del disco. La mezcla entre baladas desgarradoras, letras románticas y arreglos orquestales le dio al álbum un sonido atemporal que sigue vigente hasta hoy.

Además, Mariah cuidaba cada detalle, desde las armonías vocales hasta los coros de fondo, que muchas veces ella misma grababa en capas para darle ese sonido celestial que se convirtió en su sello personal.

5. El álbum que la convirtió en leyenda

Si bien Mariah ya era famosa antes de Music Box, este álbum la catapultó al estatus de icono global. Con este disco, dejó de ser solo una cantante con talento para convertirse en la voz femenina más importante de los 90.

Su habilidad para mezclar pop, R&B y baladas sentimentales marcó el camino para toda una generación de artistas que vinieron después, desde Beyoncé hasta Ariana Grande.

Mariah para siempre

Más que un álbum, Music Box es un viaje emocional que acompañó a toda una generación. Canciones como Hero, Without You y Dreamlover no solo dominaron las listas, sino que se convirtieron en himnos que seguimos cantando hasta hoy.

Tres décadas después, este disco sigue siendo un recordatorio de por qué Mariah Carey es la reina del pop de los 90. Su voz, su estilo y su legado son eternos… porque si algo nos enseñó Music Box, es que siempre habrá una canción de Mariah para cada emoción de la vida.