John Lennon fue una de las figuras más influyentes en la música popular y su legado musical es ampliamente reconocido. Lennon saltó a la fama como miembro fundador de la legendaria banda británica The Beatles. Junto a Paul McCartney, fue uno de los principales compositores del grupo y juntos crearon algunas de las canciones más icónicas de la historia de la música.

Fue un prolífico compositor con un talento único para crear letras y melodías memorables. Canciones como “Imagine”, “Yesterday”, “Help!”, “A Day in the Life”, “Strawberry Fields Forever” y muchas otras han pasado a la historia como clásicos atemporales. Además de su talento musical, Lennon también fue conocido por su activismo político y social. Canciones como “Imagine” reflejan su visión utópica de un mundo de paz y armonía, mientras que otras composiciones abordan temas como la guerra, la injusticia y el amor.

A lo largo de su carrera, John Lennon colaboró con otros músicos destacados como Elton John, David Bowie y Mick Jagger, entre otros. Su colaboración con Yoko Ono también marcó un hito en su carrera y en la historia de la música. Después de la separación de The Beatles, Lennon continuó su carrera en solitario y lanzó varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo “Imagine” y “Double Fantasy”, este último lanzado poco antes de su trágica muerte en 1980.

Los logros musicales de John Lennon abarcan desde su contribución a The Beatles, su talento como compositor, su activismo, sus colaboraciones con otros artistas y su exitosa carrera en solitario. Su impacto en la música y la cultura popular sigue siendo relevante hasta el día de hoy.

Steven Patrick Morrissey, conocido por su apellido como Morrissey, es un icónico cantante y compositor británico. Nació el 22 de mayo de 1959 en Manchester, Inglaterra. Es reconocido como uno de los artistas más influyentes de la música alternativa y es famoso por su distintiva voz y letras introspectivas.

Morrissey saltó a la fama en la década de 1980 como vocalista de la banda The Smiths. Junto al guitarrista Johnny Marr, formaron una exitosa dupla creativa que dejó una huella duradera en la historia de la música. Juntos, lanzaron clásicos como “This Charming Man”, “How Soon Is Now?” y “There Is a Light That Never Goes Out”. La mezcla de la lírica poética y melancólica de Morrissey con la música innovadora de Marr dio lugar a un sonido único y emocionalmente poderoso.

Después de la separación de The Smiths en 1987, Morrissey comenzó su carrera en solitario. Su álbum debut, “Viva Hate” (1988), fue aclamado por la crítica y le brindó éxitos como “Suedehead” y “Everyday Is Like Sunday”. A lo largo de las décadas siguientes, Morrissey lanzó numerosos álbumes exitosos, incluyendo “Your Arsenal” (1992), “Vauxhall and I” (1994) y “You Are the Quarry” (2004).

Las letras de Morrissey abordan temas como la soledad, la alienación, la identidad y el amor no correspondido. Su estilo lírico ha resonado con legiones de seguidores que se sienten identificados con sus sentimientos y experiencias. Además de su música, Morrissey es conocido por su personalidad carismática y su actitud franca y controvertida.

A lo largo de su carrera, Morrissey ha cultivado una base de seguidores apasionados en todo el mundo. Su influencia ha trascendido generaciones, y su legado como ícono de la música alternativa sigue siendo relevante hoy en día.

La carrera de Morrissey ha sido una montaña rusa de éxitos, desafíos y controversias. Su capacidad para transmitir emociones profundas y su honestidad artística han dejado una marca indeleble en la música popular. Morrissey continúa deleitando a sus seguidores con su música emocionalmente cargada y sigue siendo una figura destacada en el panorama musical actual.

David Bowie, cantante, compositor y actor británico que fue más destacado en la década de 1970 y mejor conocido por sus personajes cambiantes y saltos de género musical.

Llamar a Bowie una figura de transición en la historia del rock es menos un juicio que una descripción del trabajo. Cada nicho que encontró estaba en la cúspide, y no estaba en casa en ningún otro lugar, ciertamente no en el suburbio sin dinero de Londres donde su infancia fue tan lúgubre como deslumbrante sería su vida adulta. Si bien la pose favorita de este aficionado nato era la de un gran artista seducido por las posibilidades del rock como vehículo, en verdad él era más un rockero atraído por el arte porque funcionaba mejor que cualquier otra pose que había probado. Durante la era mod de la década de 1960, lideró varias bandas de cuya minúscula sombra, habiéndose rebautizado para evitar confusiones con el cantante de los Monkees, emergió como cantautor solista. “Space Oddity”, el sencillo de ciencia ficción que marca el verdadero comienzo de su carrera, alcanzó el top 10 en Gran Bretaña en 1969, pero no se convirtió en un elemento básico de la radio estadounidense hasta algunos años después, aunque Bowie había vinculado astutamente su lanzamiento de la Misión Apolo 11 a la Luna. Su primer álbum destacado, The Man Who Sold the World, un profético híbrido de folk, art rock y heavy metal, tampoco lo convirtió en un nombre familiar. No fue hasta Hunky Dory que se le ocurrió la noción atractivamente posmoderna de presentar su camaleonismo como una identidad en lugar de la falta de una.

A la vez frívolo y portentoso, este enfoque fue hecho a medida para la década de 1970, la década característica de Bowie. A raíz del fracaso de la contracultura para lograr la utopía o incluso un modus vivendi viable, Bowie inventó una serie de pastiches inspirados y nerviosamente grandiosos que insistían en la utopía describiendo su alternativa como un infierno, comenzando con la emblemática fantasía de mártir de la estrella de rock The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el proceso, se mantuvo tan pegado al espíritu de la época que la fatalidad de Diamond Dogs y el romanticismo disco de Young Americans se estrenaron con menos de un año de diferencia. Bowie también se convirtió en la primera estrella de rock en convertir una confesión de bisexualidad en un cambio astuto en su carrera, sin embargo, todo esto tuvo un costo privado.

Para 1977, Bowie se había ido, abandonando su versión idiosincrásica de la corriente principal por las austeridades vanguardistas de Low, una colaboración en Berlín con Brian Eno, el más intelectual de los varios ayudantes musicales que Bowie siempre supo cómo aprovechar, incluidos los guitarristas Mick Ronson y Carlos Alomar y el productor de nouveau-funk Nile Rodgers para “Let’s Dance”, cuando necesitaba un éxito. Como música, Low y sus secuelas, “Heroes” y Lodger, demostrarían ser las más influyentes y duraderas de Bowie, sirviendo como modelo para una generación posterior de techno-rock. A corto plazo, marcaron el final de su importante impacto en la audiencia masiva, aunque no de sus ventas, gracias principalmente a Rodgers.

En la década de 1980, a pesar de la impresionante resolución artística de Scary Monsters y el igualmente impresionante cálculo comercial de Let’s Dance, que produjo tres éxitos estadounidenses que llegaron al top 20, el trabajo de Bowie se volvió cada vez más trivial. A la par de una carrera como actor que, desde su deslumbrante debut en The Man Who Fell to Earth de Nicolas Roeg, en gran medida no logró cuajar, sus vagos álbumes posteriores oscilaron entre posibles movimientos comerciales para los que no parecía tener la corazón (Never Let Me Down) y aspiraciones de declaraciones artísticas por las que había perdido la astucia (Outside). A fines de la década de 1990, parecía una fuerza agotada, y quizás la mayor innovación de Bowie en esta era fue la creación de Bowie Bonds, valores financieros respaldados por las regalías generadas por su obra anterior a 1990. La emisión de los bonos en 1997 le valió a Bowie 55 millones de dólares, y los derechos de su catálogo anterior volvieron a él cuando expiró el plazo de los bonos en 2007. Su trabajo de la década de 1970 incluye, además de su propia producción, el servicio como productor en álbumes emblemáticos. de Mott the Hoople, Lou Reed e Iggy and the Stooges sigue siendo un índice vital y, a menudo, convincente de una época en la que hizo su parte para dar forma. Bowie fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996.

Bowie continuó grabando en el siglo XXI, aunque un período de descanso que siguió al lanzamiento de Reality (2003), que miraba hacia atrás, llevó a especular que se había retirado. Resurgió inesperadamente una década después con The Next Day (2013), una colección de canciones de rock seguras, en su mayoría sencillas. La búsqueda Blackstar (2016), infundida con jazz, fue lanzada dos días antes de su muerte.

Nombrada con exuberancia adolescente en honor a un personaje de la película de ciencia ficción de cuasi-sexplotación de Jane Fonda de 1968 Barbarella, la banda se formó cuando eran adolescentes en y alrededor de la escena de la escuela de arte en gran parte poco glamorosa en el Politécnico de Birmingham. La juventud del grupo desmintió la seguridad que aportarían a los primeros sencillos como “Planet Earth” y “Girls On Film”, amalgamas completamente actualizadas de rock duro, soul de ojos azules y música disco, inspiradas en inspiraciones que van desde Brian Ferry hasta Johnny. Truenos a Chic. El álbum debut homónimo de Duran Duran fue un triunfo artístico y un éxito en el Reino Unido, pero apenas causó sensación en los mercados estadounidenses, donde persistía la creencia de que la banda podría ser “demasiado inglesa” para capturar la imaginación estadounidense. Muy pronto, esa visión cambiaría.

De las muchas bandas cuya trayectoria coincidió con el surgimiento de MTV como impulsor del comercio de la industria, quizás no hubo mayor beneficiario que Duran Duran. Los videos de alto valor de producción para éxitos como “Hungry Like The Wolf” y “Rio” retrataron a la banda como apuestos viajeros del mundo, impecablemente peinados y funcionalmente irresistibles para las mujeres exóticas que conocieron en su camino. Un mercado estadounidense bombardeado por los clips rápidamente convirtió a la banda en un nombre familiar y en el sueño febril de las adolescentes que se cuentan por decenas de millones. Tres décadas después, sigue siendo ambiguo si estas imágenes de riqueza decadente y dominación cultural son un comentario pícaro sobre los últimos días del Imperio Británico o una especie de espasmo final del imperialismo de la vieja escuela impulsado por Thatcher. En cualquier caso, siguen siendo un ejemplo incomparable de la construcción del mundo a través del impacto unificado del sonido y la visión.

Para 1982, veinte años completos después de la invasión británica inicial, el tradicional modelo de enviar a jóvenes atractivos y dotados a través del Atlántico para saquear los corazones y las billeteras de la América loca por los ingleses había comenzado a mostrar signos de desgaste. Los caballos de guerra como The Who y los Stones seguían siendo grandes atractivos, y The Police continuaban su lento ascenso al estrellato completo, pero en general, el público estadounidense había demostrado ser sorprendentemente resistente a las súplicas anglosajonas del glamour y la nueva ola: eligiendo estrellas locales como Kiss and The Cars sobre sus contrapartes británicas. El relanzamiento de la fórmula requería en última instancia el quinteto de Birmingham perfectamente cuidado, Duran Duran, cuya aventurera e implacablemente pegadiza serie de sencillos de principios de los 80 pondría en marcha durante un tiempo una histeria tan devota y maníaca como cualquiera de sus antepasados ​​de los 60.

The Fab Five, como la prensa británica denominó a la banda con la sutileza habitual, estaba formado por el cantante Simon Le Bon, el teclista Nick Rhodes y nada menos que tres Taylor en el bajo, la guitarra y la batería: Roger, Andy y John. Aunque cada miembro jugó un papel vital en la formulación del sonido característico de la banda, algo en la belleza uniforme y la nomenclatura compartida de los miembros olía a plasticidad para muchos críticos, quienes con frecuencia parecían considerarlos como una curiosidad ensamblada en fábrica. La condescendencia hacia los artistas basados ​​en sintetizadores no era atípica en la época, pero parece especialmente ridícula en retrospectiva. Trabajando junto a productores legendarios como Colin Thurston y Nile Rodgers, Duran Duran jugó un papel decisivo en la creación de una nueva lengua vernácula para la canción popular cuya resonancia supera con creces a la mayoría de sus contemporáneos de Heartland Rock.

Siguiendo la cola de la nueva ola y el nuevo romanticismo, Tears for Fears, que contó con contribuciones musicales del exteclista de Graduate Ian Stanley en los primeros álbumes, consiguió un contrato discográfico con Polygram en 1982. Al año siguiente, la banda lanzó su debut, The Hurting, que se convirtió en un gran éxito en Gran Bretaña, generando no menos de tres sencillos Top Five. Dos años más tarde, el grupo lanzó Songs From the Big Chair, que demostró un sonido más aerodinámico e influenciado por el soul. Songs From the Big Chair se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos, alcanzando la cima de las listas gracias a los sencillos “Everybody Wants to Rule the World” y “Shout”, que alcanzaron el número uno y el número tres “Head Over Heels”, que fueron apoyados por videos ingeniosos y elegantes que recibieron una gran difusión en MTV.

Orzabal y Smith se conocieron de niños en Bath, Inglaterra. Ambos muchachos procedían de hogares deshechos y Smith se inclinaba hacia la delincuencia juvenil. Orzabal, sin embargo, se volvió hacia los libros y finalmente descubrió la terapia de gritos primarios de Arthur Janov, una forma de confrontar los miedos de la infancia que John Lennon abrazó después de que los Beatles se disolvieron. Orzabal entregó a Smith a Janov, pero antes de que el dúo explorara más esta teoría, formaron la banda de revival ska Graduate a finales de los 70. Después de lanzar un puñado de sencillos, incluido “Elvis Should Play Ska”, Graduate se disolvió a principios de los 80, y el dúo pasó a formar Tears for Fears, un grupo de synth pop inspirado directamente en los escritos de Janov.

Tears for Fears siempre fue más ambicioso que el grupo de synth pop promedio. Desde el principio, el dúo de Roland Orzabal y Curt Smith abordó grandes temas; su mismo nombre deriva de la terapia de gritos primarios de Arthur Janov, y sus teorías fueron evidentes a lo largo de su debut, The Hurting. Impulsados ​​por un synth pop contagioso y pegadizo, The Hurting se convirtió en un gran éxito en su Inglaterra natal, sentando las bases para el estrellato internacional con su segundo álbum, Songs From the Big Chair de 1985. Con la fuerza de los sencillos “Everybody Wants to Rule the World” y “Shout”, el disco se convirtió en un gran éxito, estableciendo al dúo como uno de los actos principales de la segunda generación de estrellas de MTV. En lugar de grabar rápidamente una continuación, Tears for Fears trabajó en su tercer álbum, el psicodélico y teñido de jazz-rock The Seeds of Love. Si bien el álbum fue un gran éxito, fue el final de una era en lugar de un nuevo comienzo. Smith dejó el grupo a principios de los 90 y Orzabal continuó con Tears for Fears, siguiendo direcciones más sofisticadas y pretenciosas para una audiencia más pequeña.

“Alive And Kicking” fue el resultado de que Simple Minds tuvo éxito con “Don’t You (Forget About Me)”, molestos porque no lo escribieron ellos mismos y decidieron seguir adelante y mostrarles a todos qué más podían hacer. Sí, esto es de Once Upon A Time, que a pesar de su éxito pop marcó el principio del fin de la banda creativamente. Al igual que “Don’t You (Forget About Me)”, es un trabajo de pura perfección pop.

“Alive And Kicking” no se convirtió en un gran éxito, aunque es probable que sea la segunda canción más reconocible de la banda. Cuando hablas de lo que hizo que Simple Minds fuera especial, esta canción podría ser un argumento atípico. Se parece poco a sus antiguas excursiones de synthpop, pero está bien. Es el gran final antes de que Simple Minds perdiera el rumbo: desde toda la oscuridad y el escurridizo trabajo inicial, hasta que encontraron su voz para los ganchos, este es el destino final, una canción pop hermosa, conmovedora y cristalina para marcar el final de la banda.

Esos primeros álbumes de art-rock de Simple Minds tenían el brillo y la audacia de los mejores y más innovadores álbumes de la era de la nueva ola. Eran urbanos, postapocalípticos y preocupados por las abstracciones sobre la sociedad europea de posguerra. Encontraron a Simple Minds empujando constantemente en nuevas direcciones, encontrando nuevos sonidos y ritmos extraños, capaces de crear canciones que eran hermosas, inquietantes y fuera de lugar, todo a la vez.

Después de Once Upon A Time, el gran álbum pop de Simple Minds de 1985 que llegó ocho meses después de The Breakfast Club, la banda comenzó a ir cuesta abajo. ¿Pero antes y durante ese tiempo? Eran una banda que, en el lapso de cinco o seis años, demostraron ser compositores talentosos, tocando géneros alternativos y luego utilizando lo que aprendieron allí para hacer grandes himnos más adelante.