El sexismo en la industria del entretenimiento ha sido una constante durante décadas, pero muchas mujeres han alzado la voz para visibilizar las desigualdades que enfrentan en su carrera. Desde la presión por encajar en estándares físicos hasta la falta de oportunidades frente a sus colegas hombres, estas artistas han usado su plataforma para exigir un trato más justo y abrir camino a nuevas generaciones.

Aquí te compartimos 5 declaraciones poderosas de mujeres que han puesto el tema sobre la mesa.

1. Taylor Swift

La cantante ha sido una de las voces más fuertes sobre la desigualdad de género en la música. En su documental Miss Americana, habló sobre cómo la industria exige a las mujeres reinventarse constantemente para seguir siendo relevantes:

“Las artistas femeninas que conozco se han reinventado 20 veces más que los artistas masculinos… Tienes que hacerlo, o te quedas sin trabajo.”

Además, ha señalado cómo las críticas hacia las mujeres suelen centrarse en su vida personal más que en su talento:

“Un hombre escribe sobre sus sentimientos y es valiente, una mujer lo hace y es demasiado emocional.”

2. Sheryl Crow

La cantautora ha señalado cómo las expectativas son distintas para las mujeres, especialmente conforme avanzan en edad:

“En el rock, los hombres pueden seguir siendo relevantes hasta los 60 o 70 años, mientras que las mujeres son prácticamente descartadas después de los 40.”

Crow ha sido una defensora de la igualdad, cuestionando por qué las estaciones de radio dejan de programar música de mujeres mayores, mientras que los hombres siguen dominando las listas sin importar su edad.

3. Florence Welch (Florence and the Machine)

La líder de Florence and the Machine ha hablado sobre la presión que enfrentan las mujeres para ser siempre perfectas, especialmente en la era de las redes sociales:

“Las mujeres sienten que tienen que ser todas las cosas al mismo tiempo: talentosas, bellas, fuertes, pero también vulnerables… Es agotador.”

Welch ha utilizado su música para explorar la feminidad desde un lugar crudo y honesto, desafiando la idea de que las mujeres deben ajustarse a un molde para ser exitosas.

4. Norah Jones

La ganadora de múltiples Grammys ha hablado sobre cómo las mujeres suelen ser tratadas como productos y no como artistas completas:

“A menudo asumen que si eres mujer y tocas música, alguien más escribió tus canciones o produjo tu disco.”

Jones ha señalado que esa percepción minimiza el trabajo y la creatividad de las mujeres en la música, una industria donde los hombres siguen dominando los créditos de composición y producción.

5. Lana del Rey

La cantante ha sido criticada por la manera en que aborda temas como la vulnerabilidad y las relaciones en su música, algo que pocas veces se cuestiona en artistas masculinos:

“He sido criticada por cantar sobre relaciones abusivas, pero cuando hombres lo hacen, son considerados poetas.”

Del Rey ha desafiado los estereotipos sobre cómo deben comportarse las mujeres en la música, defendiendo su derecho a explorar cualquier faceta de la experiencia femenina sin ser juzgada.

Un cambio que sigue en marcha

Aunque la industria ha evolucionado en los últimos años, las historias de estas mujeres nos recuerdan que la igualdad de género aún es un desafío pendiente en el entretenimiento. El talento femenino ha sido clave para transformar la música y la cultura pop, pero muchas artistas siguen enfrentando barreras solo por su género.

La lucha por una industria más justa continúa, y cada vez más voces se suman para romper con los estereotipos y construir un espacio donde el talento se valore por encima de todo.

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La música siempre ha sido un espacio para alzar la voz, pero durante décadas la industria ha sido dominada por hombres, dejando a las mujeres en segundo plano. Sin embargo, algunas artistas no solo conquistaron los escenarios, sino que usaron su talento para desafiar los estereotipos, abrir camino para otras mujeres y recordarnos que la música también es un acto de resistencia.

En los 80 y 90, estas mujeres no solo brillaron con su talento, sino que rompieron barreras con su mensaje y actitud.

Amy Winehouse: La voz que marcó una generación

Aunque su carrera fue corta, Amy Winehouse dejó huella con su estilo único y sus letras honestas. Con canciones como “You Know I’m No Good” o “Stronger Than Me”, hablaba de relaciones de poder, desamor y la lucha por ser ella misma, sin seguir los estándares impuestos.

Blondie: El poder de una mujer al frente del punk-pop

Debbie Harry fue la líder de Blondie en una época donde pocas mujeres encabezaban bandas. Con canciones como “Atomic” y “One Way or Another”, proyectaba una imagen fuerte y desafiante, demostrando que el punk también podía tener voz femenina.

Diana Ross: La definición de empoderamiento

Desde sus días con The Supremes hasta su carrera en solitario, Diana Ross se convirtió en un símbolo de elegancia, talento y poder femenino. Canciones como “I’m Coming Out” se convirtieron en himnos de libertad y orgullo personal.

4 Non Blondes: Himnos de libertad femenina

Linda Perry y su banda crearon uno de los himnos más icónicos de los 90 con “What’s Up?”, una canción que hablaba sobre la búsqueda de identidad, libertad y el deseo de cambiar el mundo.

Florence Welch: La voz etérea de la libertad

Con su banda Florence + The Machine, ha creado canciones que celebran la independencia femenina como “Dog Days Are Over” y “Shake It Out”, fusionando espiritualidad, arte y poder femenino.

Norah Jones: La suavidad como fortaleza

Con su mezcla de jazz, soul y folk, Norah Jones demostró que no se necesita gritar para hacerse escuchar. Canciones como “Don’t Know Why” hablan de vulnerabilidad, pero también de fuerza interior.

Shania Twain: Rompiendo esquemas en el country-pop

En una industria dominada por hombres, Shania Twain revolucionó el country con canciones como “Man! I Feel Like a Woman!”, un himno de independencia y empoderamiento femenino.

Spice Girls: El grito de la generación Girl PowerEl mensaje era claro: Girl Power. Con éxitos como “Wannabe” y “Spice Up Your Life”, las Spice Girls llevaron la independencia femenina a las listas de éxitos, inspirando a toda una generación.

La lucha continúa… con música

Estas mujeres usaron su música para desafiar las reglas, romper el silencio y demostrar que el talento femenino no tiene límites. Aunque la industria ha cambiado, aún queda mucho por hacer para alcanzar la igualdad en la música. Cada canción, cada voz y cada artista que levanta la voz nos recuerda que la lucha sigue y que, a través de la música, las mujeres siguen haciendo historia.

Durante décadas, la música pop ha sido el soundtrack de nuestras vidas, pero no todas las canciones han envejecido con gracia. Lo que alguna vez sonaba como un éxito pegajoso, hoy podría levantar más de una ceja. La misoginia en las letras de los 80 y 90 era más común de lo que creemos, pero gracias a la evolución social y al movimiento feminista, muchas de estas canciones serían impensables en la actualidad.

Aquí repasamos algunos temas que, aunque marcaron una época, hoy serían señalados por su mensaje sexista.

1. “Brown Sugar” – The Rolling Stones (1971)

Aunque este clásico no es de los 80 o 90, se siguió escuchando con fuerza en esas décadas. Su ritmo pegajoso ocultaba una letra que hablaba de esclavitud, sexo no consensuado y objetificación femenina. Durante años pasó desapercibido, pero en la actualidad ha sido criticado por su contenido racista y misógino.

2. “I Used to Love Her” – Guns N’ Roses (1988)

Axl Rose no se ha caracterizado precisamente por su sensibilidad, y esta canción es prueba de ello. Aunque muchos la interpretaron como una broma negra, la letra cuenta cómo el narrador mata a su pareja porque ya no la soportaba… y lo peor es que lo hacía sonar como algo gracioso.

3. “Blurred Lines” – Robin Thicke (2013)Aunque no pertenece a los 80 o 90, este tema merece una mención porque marcó el inicio de un cambio de mentalidad. Con frases como “I know you want it” (“Sé que lo quieres”), la canción fue criticada por romantizar el consentimiento ambiguo y la cultura de la violación.

4. “Under My Thumb” – The Rolling Stones (1966, pero popular en los 80)

Otra joya que se mantuvo sonando en los 80. La letra habla de cómo el protagonista logra someter a su pareja, retratando la relación como una lucha de poder. Lo que en su época se interpretaba como rebeldía, hoy suena como control y dominación.

¿Por qué antes era normal… y ahora no?

Las canciones son reflejo de la sociedad que las crea. En los 80 y 90, la cultura pop estaba marcada por la visión masculina que dominaba la industria musical. La objetificación femenina y las letras sexistas se normalizaban porque pocas voces alzaban la voz para cuestionarlas.

Hoy, con movimientos como #MeToo y la lucha feminista, esas mismas canciones han sido reexaminadas bajo una nueva luz. Lo que antes se aceptaba como “rockstar attitude” o simple diversión, ahora es visto como un reflejo de la desigualdad de género que aún persiste.

¿Se puede separar la música del mensaje?

Este debate sigue abierto. ¿Podemos seguir disfrutando de canciones con letras problemáticas solo por su valor musical? ¿O es necesario replantearnos lo que consumimos? Lo que es seguro es que la música tiene el poder de moldear nuestras ideas… y la evolución de la sociedad se refleja en cada canción que cuestionamos.

Aunque la industria ha cambiado, todavía queda un largo camino por recorrer. El primer paso es reconocer las letras que alguna vez bailamos sin pensar y seguir exigiendo que la música sea un espacio más inclusivo para todas las voces.

El talento femenino ha iluminado la música durante décadas con canciones que marcaron generaciones y rompieron estereotipos. Pero aunque sus voces han hecho historia, la industria musical ha sido, y sigue siendo, un terreno desigual. Las mujeres han ganado algunas batallas, pero la lucha por la igualdad en premios, festivales y representación aún no termina.

Un espacio que se pelea canción por canción

Aunque hoy es más común ver a mujeres liderando las listas de éxitos, los números siguen siendo alarmantes. Entre 2012 y 2023, solo 23% de los artistas en el top 100 de Billboard eran mujeres. Y detrás de los escenarios, la cifra es aún más baja: solo 2.8% de los productores son mujeres.

En festivales como Glastonbury o Coachella, las artistas principales siguen siendo minoría. Hasta 2024, solo 13% de los headliners en Glastonbury han sido mujeres.

Premios… pero con cuentagotas

Los premios de la industria tampoco han sido justos con ellas. En los 80 y 90, pocas lograban ganar las categorías principales a pesar de tener discos icónicos.

• Lauryn Hill fue la primera mujer en ganar Álbum del Año en los Grammys con The Miseducation of Lauryn Hill… pero tuvieron que pasar 20 años para que otra mujer lo lograra como solista (Kacey Musgraves en 2019).

• Sinead O’Connor rechazó su Grammy como protesta, pero su mensaje sobre la hipocresía de la industria sigue siendo igual de vigente.

• Tori Amos fue nominada a 8 Grammys en su carrera, pero nunca ganó ninguno.

Canciones que fueron una protesta en sí mismas

A pesar de la desigualdad, hubo canciones que se convirtieron en himnos para alzar la voz:

• Taylor Swift con The Man es una canción que habla sobre el doble estándar de género y cómo la sociedad percibe el éxito de hombres y mujeres de manera distinta. La letra imagina cómo sería su vida si fuera hombre, destacando que sus logros serían vistos con más admiración y menos críticas.

Swift critica cómo las mujeres suelen ser etiquetadas como “mandonas” o “ambiciosas”, mientras que los hombres con las mismas actitudes son celebrados. La canción es un himno de empoderamiento que denuncia la desigualdad de género con un tono irónico y sarcástico.

El video oficial refuerza el mensaje mostrando a Taylor disfrazada de hombre para evidenciar cómo se comporta y es tratado alguien con privilegios masculinos.

Es una de las canciones más icónicas de su disco Lover (2019) y se convirtió en un símbolo feminista dentro de su discografía.

• Tori Amos con Me and a Gun, una confesión brutal sobre la violencia sexual basada en su propia experiencia.

• Sheryl Crow con A Change Would Do You Good, donde denunciaba la superficialidad de la sociedad y la falta de oportunidades para las mujeres.

• The Cranberries con Free to Decide, una declaración de independencia femenina con Dolores O’Riordan alzando la voz.

¿Y qué falta por ganar?

Aunque cada vez hay más voces femeninas en la música, la desigualdad persiste. La mayoría de las listas de éxitos, festivales y premios siguen dominados por hombres.

Iniciativas como Keychange han impulsado la paridad de género en festivales, pero falta mucho para que las mujeres ocupen los mismos espacios y oportunidades que los hombres.

La música no sería la misma sin ellas

Las mujeres han cambiado la historia de la música, pero la industria sigue en deuda con ellas. Cada canción, cada álbum y cada premio es una batalla ganada… pero la lucha por la igualdad continúa.

Mientras haya desigualdad, siempre habrá una voz lista para romper el silencio.