El día de hoy, falleció Sly Stone, líder de la banda Sly & The Family Stone. Sly y su banda sacudieron la escena musical de mediados de los 60´s y principios de los 70`s con un funk infeccioso que contagiaba a cualquiera que lo escuchara. 

Sin embargo, la influencia de Sly traspasó la música y fue uno de los primeros en romper las barreras de géneros y razas en su banda, en la que lo mismo había mujeres y hombres, blancos y negros. A Stone eso no le importaba, el solo buscaba el Groove. 

Stone tocaba cualquier instrumento que se le pusiera enfrente: teclados, bajo, batería, guitarra; cantaba escribía y componía. Aunque nació en Texas, se crió en la bahía de San Francisco, una ciudad que en ese momento explotaba musicalmente. Trabajó como locutor de radio, a la par que estudiaba trompeta y composición. 

En 1967 lanzó el álbum debut A Whole New Thing. Año siguiente llegarían los primeros éxitos con el álbum y canción Dance To The Music.

Para 1969 aparecería Stand! álbum que es un manifiesto de la lucha por los derechos civiles, destacando la canción que le da nombre al álbum y  la explicita Dont Call Me Nigger, Whitey. 

Sly & The Family Stone se presentaron en el mítico festival de Woodstock, siendo considerada una de las mejores actuaciones. 

El éxito comenzó a ser una presión para Sly, y los problemas llegaban de todas partes. Incluso la organización política Black Panthers le pidió a Sly que despidiera a los músicos blancos de su banda. A ese nivel llegaba la influencia musical Stone. El grupo se disolvió en 1975, con un Sly mentalmente agotado. Continuó como solista pero jamás volvió a alcanzar el éxito y cayó en el olvido… y en las drogas. 

Fue hasta los años 90 que artistas como los Beastie Boys, Fatboy Slim, Arrested Development, Los Red Hot Chili Peppers, entre muchos otros, lo acercaron a nuevos fans ya sea a través de sampleos de sus canciones o nuevas versiones. 

La música de Sly resuena en artistas como Prince, Outkast, Ice Cube, Rick James o Erykah Badu, en donde es innegable su influencia. 

Hasta siempre Sly, te recordaremos por tu exquisita fusión de ritmos para ponernos a bailar. 

Apenas unos días atrás Luis Maldonado, guitarrista y cantante de Foreigner estuvo en México para presentar un par de canciones de la banda ahora en español. Estos días, Foreigner no deja de ser noticia, ya que Kelly Hansen, vocalista de la banda desde 2005 ha anunciado que deja al grupo, cediéndole la voz principal a Luis, con quien platicamos en el Estudio B de Stereo Cien. 

¿Cómo te sientes en México?

Muy bien, muy bien, es fantástico estar aquí: toda la ciudad, la gente, la comida, todo, maravilloso. 

Hace poco estuviste en concierto en la Arena Ciudad de México, ¿qué te pareció? 

Fue una noche electrizante. La reacción de la gente en el concierto. No pude dormir esa noche de tanta energía. El concierto fue maravilloso.

 ¿Por qué nos siguen cautivando las canciones de Foreigner? 

Yo creo que estas canciones están escritas tan bien que es como si tuvieran vida para siempre, porque estamos viendo que diferentes generaciones están descubriendo la banda por primera vez, y estamos viendo todas las reacciones de la gente en los conciertos y mira, no sé dónde estaba, pero en esta gira por Sudamérica, vi una foto de toda la gente ahí y eran todos jóvenes, muy jóvenes. Estas canciones tocan el corazón tan profundamente por primera vez y como la primera vez que yo toco estas canciones en mi corazón, y además cantar esta canción en español, es como, es casi como una nueva canción también, y es una nueva vida para la banda también, hacer cosas así, grabar canciones en español, entonces es un momento muy fantástico, muy suave, muy maravilloso. 

Tocas un punto muy importante: hay canciones que son intocables, solo deben ser interpretadas por sus creadores. Sin embargo, creo que lo que has presentado, al interpretarlas en español, demuestra que sale del corazón.

Cuando surgió la idea de hacer esta canción en español, solo dije una cosa, que si vamos a hacer una canción traducida al español, necesitamos sacar lo mejor de la mejor versión, ¿de acuerdo? Porque has escuchado canciones traducidas al español o al inglés. Y cuando las escuchas, es como que pierdes algo, pierdes algo al traducir la canción, o pierdes la fuerza del original, o el sentimiento del original. Pero es como que falta algo. Y no quería eso con esta canción, porque la canción es perfecta tal como está, pero si la vamos a hacer en español, también necesita ser perfecta, al mismo nivel que la original. Un amigo nuestro de la disquera Warner, Chris Zayas, nos ayudó con la letra y a traducirla al español. Trabajamos arduamente en tres o cuatro versiones para que la fuerza, el sentimiento y la musicalidad, al cantarla, tuvieran la misma fuerza que la original. Y creo que hicimos un buen trabajo. Veo las reacciones de todo el público cuando empiezo a cantar la canción en español, y es maravilloso ver cómo reacciona la gente, como, wow, y muchos así, llorando, y también estoy orgulloso de cantarla en español, soy mexicano, y tengo muchas emociones dentro de mí.

¿Cómo eliges a Joy para que te acompañe en la versión de Quiero saber si es amor? Porque creo que es una elección muy acertada. 

Mi manager  tuvo una idea de hacer esta canción a dúo, y me preguntó, ¿qué piensas de esta cantante? Se llama Joy Huerta, de Jessie y Joy, y yo dije, “oh Dios mío, sí”. Mira, conozco su voz, es maravillosa, tiene una voz que llega al corazón cuando canta, ese es el poder de su voz. Y pensé que era perfecto, era perfecto cantar esta canción como pareja.  Nos reunimos en Nueva York, en un estudio, y estuvimos con Mick Jones, quien formó la banda y también escribió la canción. Fue un día mágico. Fue un día maravilloso, estuvimos allí, hablando, riendo, cantando, y la pasamos genial, y creo que la canción salió muy bien, y estoy muy orgulloso de eso.

Creo que la gente ha recibido muy bien esta nueva versión. Ya nos dijiste que en concierto funciona, la gente se emociona.

Mira, eso es fantástico, estamos muy emocionados por eso, y también es una sorpresa para nosotros, porque, como dije, cuando empezamos con esta versión, fue una idea muy simple, porque estábamos organizando la gira por México y Sudamérica, y fue como, hay que grabar esta canción como un regalo para la gente latina, ¿de acuerdo?, pero no pensé que iba a tener una vida así, que está creciendo, creciendo, creciendo, y estoy viendo cada vez más reacciones de la gente, que les encanta, que, como dije, tiene la misma fuerza que la original,  gracias a Dios que lo es, porque estamos orgullosos de estar en esta banda, estamos orgullosos de poder darle a la gente latina una versión en español, y es como un regalo.

Foreigner es una banda que ha superado muchos desafíos, problemas internos, fricciones, pero también problemas de salud muy fuertes y delicados, tanto Mick como Lou. Y el lanzamiento de estas canciones, más que parecer un cierre para la banda es como un nuevo capítulo. 

Es como una nueva vida para la banda, y es como una nueva vida para esta canción. Como dije, hay generaciones que están descubriendo esta banda por primera vez, y también la canción por primera vez, y ver eso es algo maravilloso, es como un pequeño milagro, un poco maravilloso. Lo estamos viendo y nos inspira a hacer más, y estamos hablando de eso: grabar más canciones en español. Lo estamos haciendo momento a momento, poco a poco, no estamos siguiendo cómo va todo, la electricidad de todo, y a ver cómo va todo, pero sí, todos tenemos aquí en nuestros corazones la gracia de que estas canciones sigan vivas. Vamos a grabar más canciones, también estamos escribiendo canciones nuevas, y hay canciones que Mick Jones y Lou Gramm no terminaron. Ahora mismo estamos intentando organizar nuevas canciones, y quizás terminemos las que escribieron Mick y Lou, y también salgamos de gira, y más giras, pero aún queda mucho trabajo por hacer. 

Aprovechando la visita de Luis a nuestras instalaciones le pedimos que nos dejara un recuerdo especial para sus fans en Stereo Cien, y nos firmó una guitarra eléctrica! Así que no pierdas detalle de la estación del Delfín, ya que podría ser tuya. 

1968. 

Se estrena la película Space Odyssey del cineasta Stanley Kubrick. Un joven David Bowie queda impresionado por el estilo visual y la temática de la cinta. Además, la carrera espacial estaba en pleno auge, especialmente tratando de conquistar la luna. 

Con esto en mente, Bowie crea una de sus más celebres canciones: Space Oddity que, aunque habla de la conquista del espacio, en realidad es una canción melancólica que va sobre el aislamiento y la desconexión. El mismo Bowie declararía que cuando la escribió se sentía perdido y sin rumbo. 

Bastantes años después, el astronauta norteamericano Chris Hadfiel, la retomaría, grabándola nuevamente. Esto no tendría nada de especial, solo que lo hizo mientras se encontraba flotando, literalmente, en la Estación Espacial Internacional, convirtiéndose en el primer video musical grabado en el espacio exterior. Y así, el 12 de mayo de 2013, Hadfield publica la canción “desde el espacio”. Al día siguiente regresó a la Tierra para darse cuenta de que el video se había hecho viral y contaba sus reproducciones por millones.

Todo iba bien hasta que en mayo del 2014 la canción fue retirada por cuestiones de derechos de autor, ya que la licencia solo se otorgó por un año por la editorial de David Bowie, ocasionando un debate sobre derechos de autor y contenidos grabados “fuera del planeta”.

Sin embargo, el mismo David Bowie se quejó del manejo de la situación y pidió que se subiera nuevamente el video y no solo eso, que se sometiera a un proceso de restauración. Así, el 3 de noviembre del 2014, el video cobró nueva vida.  

El entusiasmo de Bowie era tal que la llamó “la versión más conmovedora jamás hecha”, siendo uno de los últimos homenajes a este gran artistas antes de su muerte en el 2016. 

Toda esta historia resurge ya que recientemente el astronauta Chris Hadfield fue entrevistado sobre su colaboración con el Rey Carlos III en la creación de la “Astra Carta”, un documento que busca promover prácticas responsables de la exploración y utilización del espacio. 

Hatdfield finalizó la entrevista afirmando su satisfacción al saber que si interpretación puso una sonrisa en la cara de David Bowie. 

Aquí te dejamos esta gran interpretación de Space Oditty desde su mejor ángulo y con la Tierra de fondo. 

Es 1984. 

Londres es la ciudad en donde sucede esto. Bueno, solo al principio. 

Tanto Simple Minds como The Pretenders, gozaban de una carrera ascendente a mediados de los años 80. Chrissie, aunque nació en Akron, Ohio, se estableció en el Reino Unido. Por su parte, Jim frecuentaba la capital británica desde su natal Glasgow, en Escocia. 

No faltó quién los presentara y rápidamente surgió una tórrida historia de amor. Tan solo nueve meses después de conocerse decidieron casarse. Este fue el segundo matrimonio de Chrissie, y el segundo con una superestrella de la música, ya que previamente se casó con Ray Davies de The Kinks. 

Al año siguiente, Chrissie y Jim tuvieron una hija: Yasmin Kerr Hynde.

El matrimonio no duró mucho, y sin escándalos públicos ni declaraciones amargas, se separaron. Quizá, como muchas parejas de artistas, la vida de gira y las presiones de la fama jugaron un papel importante en la separación. A pesar de ello, siempre mantuvieron una relación cordial, sobre todo por su hija en común. En distintas ocasiones, tanto Chrissie como Jim hablan con respeto y afecto uno del otro. Curiosamente, nunca colaboraron para crear música, aunque si compartieron el escenario. 

Chrissie tuvo otra hija, ahora con Luciend Freud, nieto del famoso psicólogo Sigmund Freud, mientras que Jim Kerr tuvo un breve matrimonio con Patsy Kensit, que posteriormente fue pareja de Liam Gallagher de Oasis. Hace algunos años entrevisté a Jim y me comentó que había encontrado el amor en un recóndito lugar del mar Mediterráneo, en Taormina, en la isla de Sicilia, en donde conoció a una misteriosa mujer llamada Yumi. Tan establecido (y enamorado) está ahí que compró un hotel llamado Villa Angela. 

Pero… regresemos al personaje principal de esta nota: Yasmin Kerr Hynde. ¿Qué hará este miércoles 7 de mayo? ¿Irá a ver a Mamá al Pepsi Center? ¿O irá a la Arena CDMX a ver a Papá?

Porque, cosas del destino, sus padres tocan al mismo tiempo en la CDMX, Chrissie con sus Pretenders en el Pepsi Center y Jim con sus Simple Minds en la Arena CDMX. 

No sé vaya hacer, seguramente ni cuenta se ha dado. A sus 40 años dudo que ande de gira con alguno de sus padres. Lo que tú debes hacer es registrarte en stereociendigital.mx para no perderte ninguno de los conciertos que tenemos para ti. 

No solo se ha destacado por ser  un músico que rompió paradigmas. Su experiencia como productor musical lo llevó a trabajar con uno de los mejores de todos los tiempos: George Martin en los estudios Abbey Road, en donde colaboró con artistas de la talla de The Beatles y Pink Floyd. 

Previo a su presentación este miércoles 9 en la Arena CDMX, Alan Parsons dio muestra de su sabiduría y talento en conferencia de prensa. 

¿En qué momento te diste cuenta de que querías ser músico? ¿En qué momento te diste cuenta de que la música sería importante en tu vida?

Crecí en una familia muy musical. Mi madre era cantante folk. Mi padre era un pianista y flautista bastante bueno, y siempre hubo música en casa. Mi padre era un gran aficionado a la música clásica. Siempre hubo música en casa. Tomé clases de piano. También tomé clases de flauta para intentar emular lo que mi padre había logrado. El verdadero comienzo ocurrió cuando descubrí la música pop en mi adolescencia, a los 13 años. Compré una guitarra en una tienda de segunda mano y empecé a entender qué era la música pop. Ese fue el comienzo. Además de que siempre me han gustado los gadgets. En aquella época, me apasionaban los gadgets y la música pop. Creo que eso contribuyó. Mi amor por los gadgets y la música me condenó a ser ingeniero de grabación. De ingeniero de grabación, pasé a productor. Es un proceso muy complejo. 

De repente, terminas trabajando en los estudios Abbey Road ¿Pensabas dedicarte por completo a la música? ¿Qué te hizo cambiar de opinión y centrarte en la otra faceta de la música? 

Cuando conseguí el trabajo en Abbey Road, la banda en la que estaba se separó. Era crucial que me propusiera convertirme en ingeniero de grabación y dedicarme a la música, a grabarla. La banda de blues era divertida, pero me perdí entre la multitud de otras bandas de blues. No era muy buen guitarrista de blues. Lo intenté, pero el trabajo en Abbey Road era mucho más importante para mí.

¿Crees que haber participado en la grabación de álbums tan definitivos en la historia de la música con dos bandas tan emblemáticas como The Beatles y Pink Floyd definió el futuro de tu música? 

Nunca discutiría la idea de que me influyeron todas las personas con las que trabajé. Eso incluye, por supuesto, a The Beatles y Pink Floyd. Usaron el estudio de tal manera que definieron el futuro de la música. Los Beatles empezaron grabando en dos pistas y luego pasaron a cuatro. Aunque no lo creas, algunos de ellos estaban en el estudio de cuatro pistas. Aprendí de uno de los mejores ingenieros de los Beatles, Jeff Emery, junto con todos los demás ingenieros. Todo fue una influencia, especialmente The Beatles y Pink Floyd, porque realmente les gustaba experimentar y usar el estudio como su propio instrumento musical.

Alan, ¿quiénes son tus Beatles favoritos y por qué? 

Me gustan todos, por supuesto. Creo que al que mejor conocí fue a Paul McCartney. Sentí que él fue el motor principal del álbum Abbey Road. Trabajé con él como Paul McCartney en Red Rose Speedway. Sencillos como “Hi Hi High”, “Seen When I’m Sad” y “My Love”. Era mi favorito. También éramos amigos. Vivíamos bastante cerca. Hacíamos fiestas, almuerzos y cenas. Nos conocimos bastante bien, socialmente. Eso fue en la época de Linda McCartney. 

¿Cómo abordas tus canciones como Alan Parsons Project en vivo? ¿Intentas recrearlas? ¿O te mantienes fiel a la versión original? 

Creo que intentamos recrear los discos tanto como podemos. Si tenemos una orquesta sinfónica completa, eso ayuda, porque gran parte de la música está orquestada. Pero cada vez es más fácil duplicar los sonidos de los discos. Porque la tecnología de teclado es tecnología de sampling. Y ahora la Inteligencia Artificial ha simplificado mucho la reproducción de los sonidos. 

¿Qué opinas del uso de estas herramientas en el estudio de grabación? ¿Y qué impacto tiene en nosotros escucharlas habitualmente, que ni siquiera nos damos cuenta de qué herramientas se utilizan? 

Probablemente ni siquiera sabemos qué está pasando. ¿Y esto hace que los artistas sean menos competentes o menos hábiles? Creo que la IA es una tecnología muy joven, sobre todo en la música. Y solo llevamos hablando de ello un año. No más. Y creo que es emocionante, pero a la vez desconcertante. Es un momento interesante. Y espero de verdad que el verdadero talento de los artistas, los cantantes y los compositores, siga siendo reconocido y reciba crédito. 

Hablando de inteligencia artificial, y refiriéndonos al documental de Peter Jackson sobre los Beatles, Get Back, con la ayuda de esta tecnología, ¿qué sentiste cuando estabas en la azotea de los Beatles cuando dieron su último concierto en Londres, en Apple Records? ¿Qué sentiste al verte allí, a esa edad, y cuánto ha sucedido en tu vida desde entonces? 

Tuve el gran placer de conocer a Peter Jackson poco antes del estreno de la película. Creo que él y su equipo hicieron un trabajo increíble restaurando el video y creando una película mucho más informativa, mucho más Beatles que la original. Tuvo la amabilidad de mostrarme algunas imágenes de la sesión en la azotea. Por supuesto, yo estaba allí, con una camisa naranja brillante y una corbata negra muy a la moda. Eran dos imágenes, dos fotos, que se habían duplicado un millón de veces, pero se nota que estuve allí, y estoy muy orgulloso de ello. Estoy muy agradecido con Peter Jackson no solo por mostrarme en la película por primera vez (no aparecí en la película original), sino por poner mi nombre en pantalla, el operador de cinta de Alan Parsons. Así que me alegré mucho.

En una entrevista dijiste algo fantástico. Dices que, al crear canciones o estar en un proceso creativo, hay accidentes afortunados. De repente, ocurre algo que hace que todo marche bien y termina de forma afortunada.

En el estudio ocurren muchas cosas inesperadas. Creo que en «Dark Side of the Moon», una de ellas fue un efecto vocal en las chicas que descubrimos al procesar las voces con un procesador llamado Frequency Translator. Produjo un efecto realmente bueno, que es una especie de sello distintivo del álbum. Trabajé bastante en Dark Side of the Moon sin la presencia de la banda. Por ejemplo, la secuencia de la fuga. Mi segundo ingeniero estaba corriendo por el estudio, y la verdad es que no esperaba que eso se usara en el álbum, pero les encantó, aunque no estuvieran allí.

Alan Parsons regresa a México este 9 de abril al escenario de la Arena CDMX. 

Dentro de las bandas que más llamaron la atención a finales de los años 80 se encuentra The Cult, quienes celebran 40 años de carrera con una gira que los trae de vuelta a México a Monterrey, Guadalajara y CDMX. 

Previo a sus conciertos, Stereo Cien platicó con el líder y cantante, el enigmático Ian Astbury, un músico reconocido por su poderosa voz y por lo interesado que siempre se ha mostrado en las culturas originarias de América. 

Aquí les presentamos un extracto de esa entrevista. 

Es un gran placer tener la oportunidad de hablar contigo. Ahora estás en una gran gira por Latinoamérica. ¿Cómo te sientes? Darás tres conciertos aquí en México. ¿Listos para sentir la pasión del público mexicano? 

¡Claro que sí! ¡Totalmente de acuerdo! Esta es la joya de la gira. Toda la gira se basó en ESTOS 3 conciertos, especialmente en Ciudad de México. Este es el diamante en la corona. Esto es muy especial. Es un gran honor estar aquí. Y ya conoces la historia de la banda. Llevamos 30 años viniendo aquí. 

¿Qué recuerdas del primer concierto que ofrecieron en los 90?s Ese concierto es muy importante para esta ciudad, ya que le abrió la puerta a los conciertos en la Ciudad de México, no solo en el país, sino en esta gran ciudad. 

Bueno, sin duda es un honor formar parte de la primera ola de embajadores culturales que vienen a abrir. Pero ahora la Ciudad de México está prosperando. México está prosperando. Está prosperando culturalmente y a nivel mundial. Todo el mundo habla de México. Antes se hablaba de Berlín o Tokio, pero ahora se habla de Ciudad de México. Todo está como debe ser. Es genial saberlo porque siento una conexión especial con la Ciudad de México.

Sé que vives en California, ¿sientes alguna conexión con la cultura, el arte, la comida y la música mexicana? 

Claro, mi familia, sí. Es mi familia. Me siento muy atraído, especialmente por esta zona, esta región del sur de Estados Unidos por lo que sucedió aquí culturalmente a lo largo de miles de años. Y ahora el mundo está en llamas, pero algunas de las ideas de la cultura indígena, de la cultura mesoamericana, de la integración de la cultura europea, se están integrando aquí, especialmente en México. Es casi como un catalizador. Creo que es un momento cultural importantísimo para el mundo. Las ideas que se expresan aquí, la diversidad y la integración, son como una flor: florecerán, y espero que esta energía me la lleve después de este viaje. Así que estoy hablando con todos mis amigos sobre la Ciudad de México. ¿Adónde quieren ir? Les digo: Ciudad de México. Tiene que ser aquí, por la arquitectura, la energía. En cuanto llegas, en cuanto llegas aquí, sientes la energía. Y sabemos que quienes estudian historia, la historia de la región, la integración de indígenas y europeos, es muy compleja, pero ahora mismo hay un verdadero poder aquí, es un centro de poder. 

Cuando lanzaste el álbum Ceremony estabas muy influenciado por las historias de los nativos americanos. ¿Qué cosas te inspiran ahora mismo? Como dijiste, el mundo está en llamas. ¿Qué cosas te inspiran?

Estas enseñanzas, es decir, todo, desde los tarahumaras, los yaquis, los aztecas, los mayas, los toltecas, todas estas civilizaciones y culturas indígenas, especialmente los elementos femeninos. Y, por supuesto, todas las pintoras surrealistas, como Leonora Carrington, Frida Kahlo, sus visiones.

Ahora el mundo del arte habla más de las surrealistas y su influencia en Picasso y Max Ernst, etc. Así que esto tiene muchos aspectos diferentes. Es energía femenina y es muy particular. Trata sobre regeneración, nacimiento, pero también destrucción y cambio. Y hay un cambio hacia lo femenino como el principal motor de la cultura. Y se manifiesta de muchísimas maneras. Algunos hombres le temen a esta energía. Creen que les quitará poder. Y no lo hace. Simplemente despierta esa parte latente de la psique de un hombre. No han explorado esa parte de sí mismos. Le tienen miedo. Es decir, es muy poderoso. Por cierto, me encanta la presidenta mexicana. Ella es increíble. Ella es fuego. Ella es fuerza. Tiene un asunto arancelario fiscal muy complejo con el presidente de Estados Unidos. Todos lo tienen. Me preguntan mucho sobre Estados Unidos. Y yo les pregunto: ¿Por qué me lo preguntan? No trabajo en ese campo. Esto no es lo mío. No trabajo en política. Trabajo en el campo infinito de la expansión de la conciencia. No me interesa la política. Soy cantante. Es mi trabajo. Es mi vida, mi vocación.

Siento que tienes una conexión muy especial con el público. 

Todos son bienvenidos a nuestros conciertos. Es una puerta abierta. Es una familia. Vengo de la calle. Mi madre murió de cáncer cuando tenía 17 años. Sé lo que es vivir en la pobreza. Sé lo que es no tener nada. Sé lo que es no tener educación. No fui a la universidad. Mi educación fue David Bowie. El fue mi maestro. Como también lo son Carlos Castaneda, Frida Kahlo, Diego Rivera, Federico García Loca. Estás en contacto con esa gente porque tienen algo que decir. También soy bueno en el fútbol, y en la música. Al mismo tiempo que nací en 1962, tan cerca de Liverpool, de donde vinieron los Beatles. Mi abuela era espiritista. Mi padre tenía tres hermanas. Mi madre tenía siete hermanas. Así que me crié entre mujeres y con la música. Así que esta es mi educación. Y ahora tengo 62 años. Y pienso: “¡Guau! ¿Qué pasó?”. Bueno. Así que tengo que aceptar el envejecimiento y mi posición.

Intento no dejarme llevar por el dogma de la gente que proyecta su impresión de mí o intenta manipularme o hacer algo en los medios que diga que soy esto o aquello o lo que sea, porque todo es subjetivo. Mi verdadera pasión es crear. Para mí, un concierto no es entretenimiento, es un espacio ritual. Es una oportunidad para estar en comunidad. Y podemos venir con nuestro dolor, nuestro sufrimiento, nuestro amor, nuestra alegría, todo.

Mi verdadera pasión, además de actuar y crear, es servir. Cómo puedo ayudar a aliviar el sufrimiento en el mundo. No busco elogios, recompensas ni dinero. Para mi familia, sí. Para mi casa, sí. Pero no más de lo que necesito. A veces es bueno tener un poquito de dinero para poder subirme a un avión, volar, ir a ver un partido de fútbol o ir a un museo. Lo que sea que quiera hacer para llevar a mi familia. He tenido dos vacaciones en 15 años.

The Cult se presentará con Tool en la explanada del Estadio Azteca este sábado 15 de marzo. 

El DJ y productor alemán Felix Jaehn, quien actualmente goza de un gran éxito en las listas de popularidad de EDM gracias a la canción “Walk With Me” ha lanzado un nuevo sencillo que ha tomado todos por sorpresa.

Hace unos días, Felix posteó en sus redes que estaba trabajando en una nueva remezcla que resultó ser “Its Not Right But Its Ok” de la inolvidable Whitney Houston, lanzada originalmente el 15 de febrero de 1999. Con esta canción, Whitney ganó el 23 de febrero del 2000 uno de sus tantos premios grammy por mejor interpretación Vocal Femenina de R&B. Incluso esta canción fue incluida en el listado la de revista Q Magazine a las 1001 mejores canciones de todos los tiempos, alcanzando el lugar 638. En el año 2022, la revista Rolling Stone la consideró como una de las mejores 200 canciones dance de todos los tiempos. 

Cuando Whitney editó su álbum de grandes éxitos en el año 2000, incluyó algunas remezclas de este tema. 

Ahora, 25 años después, Felix Jaehn trae de vuelta a la vida esta canción que nos muestra la enorme influencia que sigue ejerciendo la siempre querida y admirada Whitney en las nuevas generaciones. 

Con un ritmo infecciosamente pegajoso “Its Not Right But Its Ok”, nos recuerda la poderosa y versátil voz de la inconfundible de Whitney Houston con un sonido absolutamente renovado en las manos de uno de los mejores Dj´s del momento. 

No dejes de escucharla, por supuesto, en Stereo Cien, Siempre Contigo. 

Burger Fest, el festival más delicioso, dedicado a las hamburguesas, llega a su tercera edición este domingo 9 de marzo en el Campo Martes de la CDMX.

Su creador, Burgerman (creado por Marcelo Lara, a quien recordamos como guitarrista fundador de Moderatto, A&R en la industria discográfica, productor y locutor de radio)  platicó con Stereo Cien sobre esta nueva edición. 

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¿Te ha sorprendido la respuesta que has obtenido con BurgerFest? 

La verdad, sí, y no. Sí, porque siempre sorprende que la tercera edición de un festival ya esté consolidada. En la segunda apretamos tuercas y como en la segunda salió tan perfecto. Entonces, como todo lo que había que corregir, se corrigió en la segunda. Y en esta tercera, pues, va creciendo poco a poco. Entonces, sí, me sorprende en ese sentido que se haya establecido tan rápido. Pero no me sorprende porque el mundo de las hamburguesas y la comunidad de hamburguesas ha estado creciendo exponencialmente en los últimos años. Se ha vuelto una locura. BurgerMan ha crecido mucho. Por eso no me sorprende que todos los años se agote. Estoy contando, casi este año también se agote. No por presuntuoso, sino más bien porque cada vez hay más gente a la que le gustan las hamburguesas.

¿Por qué nos atrae la hamburguesa? 

Siento, y lo he dicho desde el principio, que es uno de los platos más instagrameables que existen. Y más fotografiables. Y creo que ese ha sido su gran acierto y su gran virtud. Porque estoy completamente seguro de que mucha más gente consume comida pakistaní, o comida hindú, o sushi, o cosas así. Pero en las fotografías se ven muy feas. Por otro lado, una hamburguesa, incluso la más fea, se ve deliciosa. Así que nos hemos convertido en un mundo hipernecesitado de ver las cosas antes de probarlas. Y creo que ahí es donde la hamburguesa. Incluso lo sé, porque he visto cifras de ventas y cosas así, que en México se venden más pizzas que hamburguesas. Sin duda. Y obviamente más tacos y cosas así. Pero no fotografían tan bien como las hamburguesas. Ese es el éxito de la hamburguesa, que con un poco de luz y un ángulo correcto, cualquier hamburguesa parece una joya. Y creo que eso ha sido lo que más me ha servido.

Gran parte del éxito del festival es, evidentemente, que es diferente, que hay buen ambiente, que se junta gente linda para compartir una pasión, que en este caso es la hamburguesa. Pero también creo que tanto la personalidad de Burger Man como su creador, tienen mucho que ver con que el festival tenga gran aceptación. 

Bueno, gracias. Gracias por pensar de esa manera. Creo que parte del éxito del festival ha sido que, efectivamente, hay un rostro detrás de él. No porque sea el mío, sino porque podría ser el de cualquiera. Mientras haya una carita que invite y que mencione todo el tiempo, y que la haga más amable, que la haga más personalizable. Afortunadamente Burger Man ha crecido mucho en los últimos años. Y lo digo con mucho orgullo, me he convertido en la autoridad de las hamburguesas en el país, lo cual es una responsabilidad enorme e increíble que nunca pensé que tendría. Pero eso sí que hace posible que el festival tenga la credibilidad que tiene, que sepas que vas a llegar y que todo lo que comas va a estar testeado y verificado, y que nada te va a defraudar. Yo creo que eso es lo chulo del festival. 

Ahora que hablas de compromiso, los restaurantes, muchos sitios de comida, deben tener el distintivo H, de salud. ¿Burger Man no ha pensado en tener su distintivo de calidad BM?

 Sí, claro, claro. Ya estamos trabajando en ello, y en cuanto pase el Burger Fest, y pasen un par de sorpresas que vamos a anunciar después de Burger Fest, que los van a sorprender mucho, hay toda una iniciativa de las hamburguesas que he recomendado, de poner físicamente un distintivo, como “recomienda Burger Man”. Yo no hablo mal de ninguna hamburguesa, yo solo recomiendo las que a mí me gustan, y recomiendo los lugares donde siento que el público debería ir a comer. Entonces, sí, hemos pensado en poner como una calcomanía o algo en la entrada que cuando veas digas, “ah, mira, Burger Man vino a comer aquí, entonces vale la pena”. 

¿Qué es lo que más te ha sorprendido con la creación de Burger Man? 

Siento que la gente se identificó completa y rápidamente con ese personaje. Bueno, eso es lo que me sorprende, ¿no? O sea, lo dije como en broma, y ​​hace mucho que no lo digo en broma, pero ya se ha hecho realidad. Pensé que tenía un gran trabajo, o el mejor trabajo del mundo, tocar en una banda de rock y ser una estrella de rock. Uno pensaría que este es el mejor trabajo del mundo, ¿no? Subirse a un escenario, viajar, tocar y ser adulado. Y no, el mejor trabajo del mundo es este. A mí me pagan por comer, me pagan por comer lo que más me gusta en la vida, y puedo andar por el mundo ya dedicado a buscar platillos y a levantar contenido, porque yo no me considero un influencer ni nada, yo solo soy un creador de contenido. Entonces, me sorprende mucho cómo llegué a esta posición. 

Hablando de esto, de redes y de tener contacto con la gente, ¿qué países te han sorprendido más para tener feedback, o que te digan, ven a este país a probar esta cosa? 

Bueno, me acaban de invitar a hacer la imagen, todavía no sé si la voy a hacer, de un Burger Fest en Ecuador. Ellos vinieron al Burger Fest el año pasado, van a venir al Burger Fest el próximo domingo, y me escribieron y me dijeron, tienes que venir, lo vamos a hacer, estés o no estés, pero nos encantaría que fueras la imagen. Uno nunca pensaría que en Ecuador hay un gran movimiento de hamburguesas, aparentemente lo hay, y eso lo he ido descubriendo básicamente en todo el mundo. La semana pasada conocí a un grupo de australianos con los que voy a empezar a trabajar, para ir, hay un movimiento enorme de hamburguesas en Australia, el más grande y el más prometedor. Así pues, Burger Man amplía sus fronteras y ahí va creciendo. Entremos en materia del festival, porque no se trata solo de ir y conocer platos diferentes, sino que hay un ambiente muy agradable alrededor. 

Cuéntanos qué podemos encontrar en la edición de este año del Burger Fest.

Lo padre del festival este año, en la tercera edición, esta del 2025, tiene dos o tres cosas diferentes. Una es un poquito más grande, hay 45 expositores en total, de comida, 26, 27 son hamburguesas, y el resto son cosas cercanas: hamburguesas, postres, que habíamos cogido un poquito en años anteriores, y cerveza sobre todo. Eso por un lado. Entonces por otro lado, no todo es comida, para que vean que no es solo ir allí a comer desenfrenadamente. Hay una exhibición de lucha que se repite este año, porque el año pasado a alguien se le ocurrió, la pusimos y fue un éxito. ¿Quién diría que la lucha va en la mano de una hamburguesa tan sabrosa? Luego va a haber esa exhibición, va a haber una serie de retos, ahí donde van a poder ver gente cocinando, no solo a mí, mucha gente cocinando, actores famosos, chefs famosos, compitiendo entre ellos, y hablando de hamburguesas en general. Y la otra diferencia es que este año es en domingo, entonces eso me ha dado la emoción de que es un gran día de campo de domingo, y más como el paseo dominical de Paseo de la Reforma los domingos, porque agarras una bici, vas ahí, pedaleas para llegar, llegas, comes, estás un rato, te la pasas bien, y luego regresas a casa en la bici a bajar todas las cosas que comiste. Entonces creo que va a ser un domingo muy bonito, un domingo muy familiar, y un domingo, como decías, donde ya hay un sentido de comunidad de hamburguesas, muy presente, muy grande, muy buena vibra, no sólo entre quienes las hacen, sino entre quienes las comen, y entre quienes les gusta descubrirlas y disfrutarlas. 

La hamburguesa tiene, creo, dos amigos cercanos. En mi caso particular, debe tener unas buenas papas y una bebida.

Totalmente. Una hamburguesa sin un buen refresco, sin unas buenas papas, es como una piscina sin trampolín, un Batman sin su Robin, como cosas muy clásicas. En el mundo de las hamburguesas, también está el mundo de los helados, el mundo de los bocadillos, el mundo de los postres, el mundo de esta combinación dulce-salada que siempre está muy rica y que gusta a mucha gente.

¿Cuál sería el gran reto? ¿Cuál es el gran reto que tiene Burger Man, digamos, este año? 

Buena pregunta. Mira, de repente estoy caminando así, como un caballo desbocado, sin poder sentarme a pensar mucho. Yo creo que lo principal es seguir creciendo, y lo principal es, ya que el festival está bien establecido, seguir creciendo, seguir creciendo, y poder traer hamburguesas del interior de la República o más hamburguesas del interior de la República. De hecho, este año hubo una posibilidad, pero al final no pudieron venir, pero sí hubo un interés de un par de hamburgueserías de Los Ángeles, California, de venir a mostrar su producto aquí, lo cual es increíble, la internacionalización, la nacionalización, ese es el siguiente paso. Hay un par de hamburgueserías que empezaron, por ejemplo, a aparecer en mi top ten anual, que son del interior de la República, de mi top ten de 2024, hay una de Mazatlán, hay una de Monterrey, hay una de Guadalajara. Entonces, este movimiento va creciendo, entonces yo, sin duda, en la edición de 2026, va a haber más hamburgueserías del interior de la República, y con un poquito de suerte, ya internacionales, y estoy empezando a hacer crecer el festival y podemos tener música en vivo. 

¿Alguna recomendación a los asistentes al Burger Fest?

Bueno, solo pido a todos los que estén pensando en ir al Burger Fest, dos cosas. La primera es que anticipen la compra de la entrada, porque siempre está lleno. Afortunadamente, siempre está lleno, por lo que si llegas ese día pensando que vas a comprar la entrada allí, es muy probable que no haya más, eso por un lado. Por otro lado, también les pido a todos que se cuiden mucho a la hora de comer hamburguesas. Es un trabajo, o sea, si ustedes no pueden andar comiendo hamburguesas yo tampoco. Yo me cuido mucho para comer dos o tres hamburguesas a la semana, así que vayan, hagan mucho ejercicio esta semana, hagan un ayuno intermitente de aquí al domingo para que lleguen el domingo y puedan probar la mayor cantidad de hamburguesas que les dicte el corazón. Eso es todo.

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El Beatle del “Amor y Paz” se lanzó a una nueva aventura y ha presentado su nuevo álbum Look Up, en que se sumerge en los sonidos de la música country. Y no lo hace solo, se apoya en T-Bone Burnett el legendario productor que ayuda a poner en orden y movimiento el proyecto.

Para dar a conocer el álbum, Starr se presentó en el Ryman Auditorium, un templo sagrado de la música en Nashville, lugar en el que convocó a varios medios de literal, todo el planeta. Y no es un evento menor, es un nuevo material de un Beatle y por supuesto, Stereo Cien fue convocado a tan magnífico evento.
Haciendo gala de su puntualidad inglesa, y previo al concierto, con una sencillez asombrosa para un artista de su talla, Ringo Starr, acompañado de T-Bone Burnett nos platicó sobre Look Up.

¿Cómo surgió la idea de este nuevo álbum?

RINGO: Tuvimos una plática informal en una fiesta. T-Bone me preguntó ¿qué estás haciendo? Y le dije que estaba grabando una canción. ¿Tienes canciones? Y me contestó que sí, me dio una canción y me pareció maravillosa. Le pregunté si tenía más y me dio 9 que traía en los bolsillos del pantalón, así que le pedí que mejor hiciéramos un EP country. Nos volvimos a encontrar en Los Angeles y ahora le pedí que se encargara de la producción del material. En realidad no teníamos ningún plan.

¿Cuánto tiempo llevó el proceso de escribir esas canciones?

T-BONE BURNETT: No mucho. Una vez que comienzo, no pude parar. Es un problema que he tenido toda mi vida.

¿Podrían hablarnos de cómo se hicieron amigos?

RINGO: Bueno, en realidad somos amigos desde los años 70 porque yo vivía en Los Ángeles y durante un tiempo organizaba muchas fiestas. Y en todas las fiestas que organizaba, él estaba allí. Y no lo invité ni una vez!!!. Él venía con una de las bandas, ya sabes, y se iba con una de ellas. Y así nos fuimos conociendo un poco. ¿Qué más se puede decir sobre la amistad? Oh, me encanta el trabajo de este hombre.

¿Qué es lo que te ha gustado de la música country durante todos estos años? Es decir, ¿qué es lo que te ha llamado la atención desde pequeño y que te ha acompañado toda la vida?

RINGO: Que es una música muy emotiva. Y yo soy una persona bastante emotiva. Así que, ya sabes, me gusta decir que en los años 50 todas las canciones country eran “la esposa se fue”, “el perro murió. Siempre fue un problema.

¿Hay alguna canción en Look Up que destaque la voz de Starr por encima de todas?

T-Bone Burnett: Creo que Time on My Hands. Puedes escucharlo cantar. Ya sabes, es solo que lo escuchas. Está muy claro. Ringo tiene una dicción hermosa. Se entiende cada palabra que dice. Tiene un tono hermoso.

Starr ha estado muy ocupado en los últimos meses, basta recordar el EP que lanzó el año pasado titulado Crooked Boy con la producción de Linda Perry, la extensa gira que realizó con su All Starr Band y ahora este nuevo material, Look Up que lo muestra con un músico siempre dispuesto a transitar por nuevos caminos, un artista que ha conquistado a diversas generaciones, que ha influenciado a miles de músicos y sus 84 años sigue conquistando corazones.