En los 80’s, muchas canciones se volvieron himnos instantáneos, pero pocas dejaron tantas dudas como “Square Rooms” de Al Corley. ¿Por qué ese sonido tan hipnotizante? ¿De qué hablan realmente esas letras? Y lo más intrigante: ¿por qué Al Corley, después de este gran éxito, prácticamente desapareció del mapa musical? Hoy te contamos la historia detrás de este misterioso hit que sigue sonando, pero que casi nadie logró descifrar.

Un actor, un sueño y un golpe de suerte

Al Corley no comenzó como cantante, de hecho, era actor y uno de los rostros más famosos de la serie Dynasty. Pero su verdadero sueño estaba en la música. Tras dejar la actuación, Al se lanzó al mundo pop en pleno auge del synth-pop europeo, y lo hizo con fuerza gracias a “Square Rooms”, producida por el legendario Harold Faltermeyer (sí, el mismo de Axel F).

Un hit… pero solo en Europa

Aunque en Estados Unidos la canción pasó medio desapercibida, en Europa fue un fenómeno. Sonó fuerte en Francia, Alemania y Suiza, gracias a su ritmo pegajoso, su bajo envolvente y su aire misterioso. Lo curioso es que nadie entendía muy bien de qué iba la letra. ¿Era sobre aislamiento? ¿Sobre amor? ¿Sobre un espacio físico o mental? La ambigüedad terminó siendo parte de su encanto.

La letra: un rompecabezas pop

Las letras de “Square Rooms” hablaban de estar atrapado en habitaciones cuadradas, buscando una salida. Para algunas personas, esto reflejaba la lucha interna de Al Corley por encontrar su lugar fuera de la actuación, mientras que para otras simplemente era una letra cool sin mayor intención. Y hasta la fecha, Al nunca aclaró el verdadero significado, aumentando el misterio.

Desapareció pero nunca se fue

Después de este éxito, Al lanzó algunos discos más, pero nunca volvió a alcanzar el mismo nivel de popularidad. Aun así, “Square Rooms” se convirtió en un clásico de culto que sigue apareciendo en playlists ochenteras y sets de DJs nostálgicos. Ese misterio sin resolver es justo lo que la mantiene viva.

El legado de un enigma

Quizá lo más fascinante de “Square Rooms” es que nunca necesitó una explicación. Fue, es y seguirá siendo uno de esos éxitos que simplemente se disfrutan, aunque nadie sepa muy bien de qué hablan. Y eso, en el mundo del pop, es casi magia.

Si creciste en los 80’s o simplemente amas el pop de esa década, seguro bailaste, corriste o brincaste al ritmo de “Maniac” de Michael Sembello. Sí, esa canción icónica de Flashdance que parece hecha para sudar y no parar. Pero detrás de ese beat imparable, hay una historia mucho más intensa y profunda de lo que imaginas. Aquí te la contamos.

Nació para ser oscura… y terminó en la pista de baile

Aunque hoy la asociamos con mallas, calentadores y rutinas de cardio, “Maniac” no fue escrita para hacer ejercicio. Michael Sembello y Dennis Matkosky la compusieron inspirados en una película de terror sobre un asesino en serie. Sí, así como lo lees. La letra original era mucho más oscura, pero cuando los productores de Flashdance la escucharon, vieron su potencial… y pidieron modificarla para que encajara con la historia de la bailarina.

De thriller a himno fitness

La versión final se convirtió en la canción perfecta para la icónica escena de entrenamiento de Alex Owens. Con su energía desbordante, el tema pasó de tener una vibra siniestra a ser la definición musical de “¡dale, tú puedes!”. Ese giro la llevó directo al #1 del Billboard Hot 100 en 1983.

Más que solo cardio

Aunque la letra cambió, el mensaje de fondo quedó intacto: se trata de una persona obsesionada por alcanzar su sueño, alguien que da todo, incluso hasta la locura, para lograrlo. Ese concepto conectó con millones, especialmente con quienes veían a Alex como un símbolo de fuerza, pasión y perseverancia.

El efecto manía que no se apagó

Décadas después, “Maniac” sigue siendo un clásico infaltable en playlists de entrenamiento, fiestas temáticas y películas. La canción trascendió su origen y se convirtió en un himno de empoderamiento con un toque nostálgico que aún nos acelera el corazón.

Huey Lewis, el icónico cantante de “Hip to Be Square”, enfrenta una dura batalla con la enfermedad de Ménière y una pérdida total de audición que podrían marcar el fin de su carrera musical. A sus 74 años, Lewis ha perdido por completo la capacidad de escuchar música, una tragedia para cualquier artista, pero especialmente para quien dedicó su vida a crear y compartir canciones inolvidables.

Desde 1987, Huey vive con los síntomas de Ménière, un trastorno del oído interno que provoca vértigo, tinnitus y pérdida auditiva. En 2018, mientras actuaba en Dallas con su banda The News, perdió totalmente la audición, situación que lo llevó a estados de profunda desesperación e incluso pensamientos suicidas. Aunque hoy cuenta con un implante coclear que le permite oír mejor el habla, lamenta no poder disfrutar ni interpretar música, algo que para él representa una pérdida emocional enorme.

A lo largo de los años, Huey intentó diversas terapias y cambios en su estilo de vida para controlar la enfermedad, desde tratamientos médicos hasta dietas orgánicas y libres de cafeína. Sin embargo, nada ha podido devolverle la experiencia completa de la música. A pesar de ello, su espíritu de lucha sigue intacto, y aunque no sabe si podrá volver a tocar o cantar, no se rinde y mantiene la esperanza.

Este testimonio no solo muestra la dura realidad de quienes padecen Ménière, sino también la resiliencia de un artista que, a pesar de las adversidades, sigue encontrando razones para seguir adelante. La historia de Huey Lewis nos recuerda lo valioso que es el sentido del oído y cómo la música puede ser un tesoro insustituible en la vida.

Para conmemorar el 50 aniversario de su primer show, Talking Heads lanza un nuevo video musical de su icónico sencillo “Psycho Killer” (1977), sorprendiendo a fans tras más de 40 años sin presentarse juntos. La banda, que se disolvió oficialmente en 1991, volvió a generar expectativa con este lanzamiento dirigido por Mike Mills y protagonizado por la actriz Saoirse Ronan.

El video muestra a una joven que se transforma día a día mientras realiza su rutina, interpretada por Ronan, quien expresó su emoción por colaborar en un proyecto tan especial: “Crecer escuchando a Talking Heads hace que este video sea un sueño cumplido para mí”. Por su parte, Mills destacó la oportunidad única de trabajar con la banda y la actriz, calificando la experiencia como uno de sus mejores proyectos creativos.

Los integrantes David Byrne, Tina Weymouth, Jerry Harrison y Chris Frantz se declararon fascinados con el resultado, valorando que el video no cae en clichés ni literalidades, sino que potencia la esencia disruptiva de la canción. Aunque la banda se reunió brevemente en 2023 para celebrar el 40 aniversario del documental ‘Stop Making Sense’, descartaron planes para una gira o reuniones completas, reafirmando la importancia de preservar la magia única de Talking Heads.

Este lanzamiento es una oportunidad única para revivir la innovación y frescura que definieron a Talking Heads, demostrando que su legado sigue vigente y capaz de sorprender incluso después de cinco décadas.

El icónico Morrissey regresa a los escenarios mexicanos con un show inolvidable en Halloween en el Palacio de los Deportes y otra fecha en Guadalajara.

Morrissey, una de las figuras más influyentes del pop británico, anunció su regreso a México como parte de su gira mundial 2025-2026. El artista se presentará el próximo 31 de octubre en el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México y el 4 de noviembre en el Auditorio Telmex en Guadalajara, encendiendo la emoción de sus fans con un espectáculo que promete ser memorable.

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Morrissey es reconocido por su legado musical tanto como vocalista de The Smiths como en su exitosa carrera solista. Con himnos como “Suedehead”, “Everyday Is Like Sunday”, y “First of the Gang to Die”, ha dejado huella en varias generaciones. Además, recientemente fue galardonado con el Premio Social Vanguard 2024 por su compromiso con los derechos de los animales.

El tour mundial de Morrissey incluye presentaciones en Canadá, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Chile, Perú y varias ciudades de Europa y América, consolidando su vigencia y el cariño del público internacional.

El regreso de Morrissey a México en 2025 será una oportunidad única para revivir los clásicos que marcaron la historia del pop británico y disfrutar de la presencia de una leyenda viva en dos noches que prometen ser épicas.

Chappell Roan encendió el escenario de Primavera Sound en Barcelona con una impactante versión del clásico “Barracuda” de Heart, reafirmando su talento y conexión con el público.

Durante su presentación estelar en Primavera Sound Barcelona, Chappell Roan emocionó al público con una electrizante interpretación de “Barracuda” de Heart. Después de cantar su éxito “HOT TO GO!”, la artista sorprendió con este cover que ya había presentado antes en Austin City Limits 2024 y que ha descrito como una de sus canciones favoritas.

chappell roan performing a cover of ‘barracuda’ by heart at primavera sound barcelona pic.twitter.com/SX3RVmP9m5

— best of chappell roan (@bestofchappell) June 7, 2025

El set de la llamada Midwest Princess también incluyó temas como “Naked in Manhattan”, “After Midnight”, “My Kink is Karma” y cerró con la vibrante “Pink Pony Club”, consolidando una noche inolvidable para sus fans europeos.

Chappell Roan sigue cosechando éxitos desde el lanzamiento de su álbum debut The Rise and Fall of a Midwest Princess en 2023. Este año, ganó el Grammy a Mejor Artista Nuevo, donde aprovechó su discurso para pedir condiciones laborales dignas para los músicos, incluyendo sueldos justos y acceso a servicios de salud.

La artista continuará de gira por Europa y Reino Unido este agosto y cerrará el año en noviembre como una de las cabezas de cartel del festival Corona Capital en la Ciudad de México, una presentación muy esperada por sus fans mexicanos.

Su crecimiento imparable y su estilo auténtico la posicionan como una de las artistas más emocionantes del momento, tanto por su música como por su voz social.

El líder de Green Day se solidariza con las protestas pacíficas contra las operaciones de inmigración en Los Ángeles y lanza un mensaje contundente en redes sociales.

Billie Joe Armstrong, vocalista de Green Day, se pronunció en Instagram a favor de los manifestantes que protestan contra las recientes operaciones del Departamento de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) en Los Ángeles. Las protestas comenzaron el 6 de junio y se extendieron durante todo el fin de semana, con ciudadanos exigiendo el fin de las redadas en centros de trabajo por presuntas violaciones migratorias.

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En sus publicaciones, Armstrong compartió videos de las protestas —incluyendo imágenes de un auto autónomo incendiado— usando como soundtrack la canción “Fuck Off” de Green Day, acompañada de un emoji de dedo medio y un cubo de hielo, como referencia directa a ICE.

La respuesta de Armstrong ha sido aplaudida por sus seguidores, quienes lo reconocen por “estar siempre del lado correcto de la historia”. Otros artistas como Finneas también se sumaron al movimiento, condenando públicamente las acciones de ICE y ofreciendo recursos a miembros de la Guardia Nacional que no deseen participar en las operaciones ordenadas por Trump.

Las protestas, inicialmente pacíficas, se tornaron violentas tras la intervención de la Guardia Nacional. Al menos 60 personas fueron arrestadas en San Francisco tras enfrentamientos recientes.

Green Day, conocidos por su postura crítica hacia Donald Trump desde 2016, sigue usando su música y su voz para expresar su rechazo a las políticas que consideran injustas y autoritarias.

El cantante británico sigue enfrentando complicaciones de salud y ha cancelado más conciertos en Las Vegas y otras ciudades de EE. UU.

Rod Stewart continúa luchando contra la gripe que lo ha mantenido alejado de los escenarios. A través de sus redes sociales, el legendario cantante británico anunció la cancelación de cuatro conciertos y la reprogramación de otros dos como parte de su gira por Estados Unidos.

El ícono de 80 años compartió que necesita más tiempo para recuperarse por completo. “Estoy devastado y me disculpo sinceramente por cualquier inconveniente. Estaré de regreso en el escenario pronto”, escribió Stewart en Instagram. Los shows cancelados incluyen tres presentaciones en su residencia en Las Vegas (7, 8 y 10 de junio) y una fecha en Lake Tahoe el 14 de junio.

Además, sus conciertos programados en Rancho Mirage y Paso Robles en California fueron reprogramados para el 20 y 21 de septiembre, respectivamente. Estos anuncios se suman a las recientes cancelaciones de los shows del 1 y 5 de junio en Las Vegas debido a la misma enfermedad.

A pesar de estos contratiempos, Rod Stewart sigue preparándose para su esperada presentación en el Glastonbury Festival este 29 de junio, donde compartirá escenario con Ronnie Wood, su excompañero en la banda Faces. Este reencuentro promete ser uno de los momentos más destacados del festival, que también contará con artistas como The 1975, Neil Young y Olivia Rodrigo.

Después de Glastonbury, Stewart planea regresar a Norteamérica en julio para continuar su gira por Estados Unidos y Canadá, retomar su residencia en Las Vegas en septiembre y visitar Sudamérica y Europa antes de cerrar el año.

Una canción que no solo se canta, se grita con el alma. Y que en los 80, lo tenía todo.

En 1982, Laura Branigan no solo lanzó un sencillo… lanzó una explosión sonora. “Gloria” es una de esas canciones que se sienten más grandes que la vida: con sintetizadores intensos, una letra misteriosa y una voz que podría romper vidrios, este hit se convirtió en un clásico instantáneo. Fue poderosa, glamorosa y dramática, justo como el pop ochentero en su mejor momento.

Aunque originalmente es una adaptación de una canción italiana de Umberto Tozzi, Branigan la reinventó por completo con una interpretación que era puro fuego. Su energía vocal, combinada con la producción synth pop que dominaba la época, la convirtió en una de las voces más reconocibles (y respetadas) de los 80, aunque muchas veces subestimada.

Un power vocal que definió una era

Laura no solo cantaba, arrasaba. Su interpretación en “Gloria” está cargada de intensidad emocional, como si estuviera en una conversación urgente con alguien que no quiere escuchar. Esa mezcla de desespero, fuerza y sensualidad conectó al instante con una generación que también vivía al límite emocional.

¿Pero quién es Gloria? La eterna incógnita

La canción nunca aclara quién es Gloria. ¿Es una mujer que perdió el rumbo? ¿Una amiga imaginaria? ¿Una versión del yo interior? Esa ambigüedad fue parte de su encanto. La letra es casi un grito de advertencia, como si Laura nos suplicara no convertirnos en ella. Misteriosa, intensa y adictiva.

Del club al cine y de regreso al karaoke

“Gloria” se convirtió en himno en clubes nocturnos, apareció en películas como Flashdance y aún vive en cada sesión de karaoke con alma ochentera. Fue un éxito en Billboard, sonó en Europa, y su legado se mantiene tan brillante como su sintetizador principal.

Una canción eterna para gritar con el corazón

No importa si la descubriste en los 80, en una peli, o gracias a tus papás: “Gloria” es de esas canciones que siguen emocionando como la primera vez. Porque a veces, lo único que necesitamos es gritar el nombre de alguien a todo pulmón… y sentir que el drama también se puede bailar.

Parecía inocente… pero escondía una potente crítica al miedo nuclear de los 80.

A primera escucha, “99 Luftballons” suena como un tema pegajoso y ligero con sintetizadores ochenteros, perfecto para la pista de baile. Pero detrás de ese coro inolvidable y esos globos flotando al cielo, se esconde una crítica poderosa a la paranoia militar de la Guerra Fría. Lanzada en 1983 por la banda alemana Nena, esta canción se convirtió —sin proponérselo del todo— en un himno antibélico global.

Su historia arranca cuando los miembros de la banda vieron globos volando durante un concierto de los Rolling Stones. Esa imagen los inspiró a imaginar un escenario distópico: ¿qué pasaría si los globos fueran confundidos con una amenaza aérea? La canción plantea cómo un gesto inocente puede desencadenar una guerra nuclear absurda y devastadora. Nada más ochentero que eso: bailar al borde del apocalipsis.

Un hit en alemán que conquistó el mundo

Aunque su letra original está en alemán, el mensaje de “99 Luftballons” fue tan claro y potente que traspasó fronteras sin necesidad de traducción. Aun así, en 1984 se lanzó una versión en inglés titulada “99 Red Balloons”, que también fue un éxito, aunque muchos fans aún prefieren la crudeza poética de la versión original.

El poder de la música pop como protesta

En plena Guerra Fría, con Reagan y la URSS tensando la cuerda, Nena logró colarse en los charts de medio planeta con una canción política, disfrazada de hit pop. Fue una hazaña única: una canción antibélica hecha por una banda alemana joven, con una estética colorida y new wave, que terminó siendo parte de la conciencia colectiva de toda una generación.

Mucho más que un one-hit wonder

Aunque muchos en el mundo anglosajón conocieron a Nena solo por este tema, en Alemania la banda (y su vocalista) mantuvo una carrera sólida. Sin embargo, “99 Luftballons” se volvió su carta de presentación eterna… y eso no está nada mal cuando logras escribir una canción que sigue sonando actual y necesaria, décadas después.

Un clásico que flota sobre el tiempo

Hoy, “99 Luftballons” no solo vive en playlists nostálgicas, también sigue siendo un recordatorio musical de que hasta el pop más bailable puede tener un mensaje fuerte y claro. Porque a veces, basta con soltar unos globos al cielo para exponer lo frágil que puede ser la paz.