El fin del Upside Down ya tiene fecha: la temporada final de Stranger Things se estrenará en tres entregas, marcando el cierre de una era para Netflix y sus fans. El Volumen 1 llegará el 26 de noviembre, el Volumen 2 el 25 de diciembre y el gran final se transmitirá el 31 de diciembre. Prepárate para despedirte con todo del fenómeno que nos voló la cabeza desde 2016.
Con el elenco original de regreso —Millie Bobby Brown, Winona Ryder, David Harbour, Finn Wolfhard, Joe Keery, Maya Hawke y más— esta última temporada promete ser intensa, emotiva y llena de nostalgia ochentera. La filmación terminó en diciembre de 2024 y, desde entonces, la expectativa no ha hecho más que crecer.
Aunque esta será la última entrega de la serie principal, el universo de Stranger Things no se acaba aquí. Los hermanos Duffer confirmaron que hay varios proyectos en desarrollo: “hay más historias que contar”, aseguraron. Ya está en Broadway la obra The First Shadow, y se vienen más spinoffs que prometen expandir este mundo con la misma calidad.
Mientras tanto, el teaser ya está disponible y, aunque dura muy poco, esa palabra que gritan al final —”¡Run!”— te va a dejar helada.
¡La comedia deportiva más irreverente está de regreso! Netflix estrenó el tráiler oficial de Happy Gilmore 2 durante su evento Tudum, confirmando que la esperada secuela llegará a la plataforma el 25 de julio.
Adam Sandler vuelve como el peculiar golfista que, esta vez, regresa al campo para costear la universidad de su hija. Pero no estará solo: lo acompaña Bad Bunny como su nuevo caddie, y el infame Shooter McGavin (Christopher McDonald) también está de vuelta para desatar viejas rivalidades.
El elenco mezcla nostalgia y nuevas estrellas: regresan Julie Bowen, Ben Stiller, Allen Covert y Dennis Dugan, y se suman Travis Kelce, Eminem, Margaret Qualley, Benny Safdie, Maxwell Jacob Friedman y más figuras del golf real.
Dirigida por Kyle Newacheck (Murder Mystery) y escrita por Sandler junto a su colaborador Tim Herlihy, la película promete ser un festín de risas, cameos y golpes (literalmente).
¡El juego final está por comenzar! Durante el evento Tudum, Netflix reveló el tráiler oficial de la tercera y última temporada de Squid Game, que se estrenará el 27 de junio.
La serie más vista en la historia de la plataforma trae de vuelta a Gi-hun (Lee Jung-jae), The Front Man (Lee Byung-hun) y el detective Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon), además de nuevos jugadores que conocimos en la segunda entrega. El tráiler adelanta que Gi-hun regresa al juego tras su intento de rebelión, pero esta vez parece estar más cerca que nunca de descubrir la verdad detrás de los organizadores.
Con una estética intensa y frases como “todos los juegos llegan a su fin”, la serie promete un cierre brutal y emocional para la historia que cambió las reglas del juego en el streaming.
Squid Game no solo rompió récords con su primera temporada (265.2 millones de vistas), sino que la segunda también hizo historia al ser el estreno más visto de su semana en Netflix. ¿Podrá la tercera superar todo?
Taylor Swift finalmente es dueña de toda su música. Después de años de lucha pública y regrabaciones estratégicas, la cantante anunció que ha adquirido sus grabaciones originales, un paso crucial que marca el cierre de una de las batallas más sonadas en la industria musical.
La artista confirmó la noticia con una emotiva carta publicada en su sitio web, donde reveló que ahora posee todos los derechos sobre sus canciones, videos, portadas y material inédito. Swift compró los masters directamente a Shamrock Capital, empresa que los había adquirido previamente de Scooter Braun. El trato se cerró por aproximadamente 360 millones de dólares, según Billboard.
Este movimiento pone fin a una disputa que comenzó en 2019, cuando Braun compró Big Machine Records, sello que tenía los derechos de los seis primeros álbumes de Swift. Ella calificó aquella compra como su “peor pesadilla”. Como respuesta, Taylor lanzó su ambicioso proyecto Taylor’s Version, regrabando álbumes como Fearless, Red, Speak Now y 1989, para recuperar el control sobre su obra y permitir su uso comercial bajo sus propios términos.
Aunque ya regrabó cuatro álbumes, Swift admitió que Reputation ha sido un reto emocional, y que aún no ha completado ni una cuarta parte. Sobre su álbum debut, ya regrabado por completo, se mostró emocionada por su nueva versión. Ambos discos podrían ver la luz más adelante, cuando el momento sea el adecuado.
Con este logro, Taylor Swift no solo cierra un ciclo personal, sino que sienta un precedente en la industria. Inspiró a artistas emergentes a negociar la propiedad de sus masters desde el inicio de sus carreras. Su victoria no solo es artística, sino también simbólica: ahora sí, “lo mejor que ha sido suyo… finalmente lo es de verdad”.
Con dos conciertos sold out en el estadio de Stanford, Coldplay dio inicio a la etapa norteamericana de su exitosa Music Of The Spheres World Tour 2025, convirtiendo un recinto histórico del deporte en un templo musical lleno de luces, emociones y conciencia ambiental.
El sábado 31 de mayo y domingo 1 de junio, la banda británica ofreció un espectáculo deslumbrante con canciones de su nuevo álbum Moon Music y clásicos como “Yellow”, “Viva La Vida”, “Paradise”, “Fix You” y “A Sky Full Of Stars”. El show mantuvo su característico despliegue visual: pulseras LED, fuegos artificiales, confeti, lásers y una producción que convirtió al estadio en una experiencia inmersiva total.
Este arranque también fue significativo porque marcó la primera vez que el Stanford Stadium abrió sus puertas a un concierto, sumando otro hito a la gira más taquillera de la historia, que ya superó los 12 millones de boletos vendidos en todo el mundo.
Las teloneras Willow y Elyanna fueron recibidas con entusiasmo por el público, demostrando la fuerza diversa y global de este tour. Pero Coldplay no solo se destaca por su música y producción, sino también por su fuerte compromiso con el medio ambiente. La banda informó que esta gira ha reducido sus emisiones en un 59% comparado con su tour anterior y ya ha sembrado más de 9 millones de árboles en todo el planeta.
Coldplay está demostrando que es posible hacer historia en la música y al mismo tiempo cuidar del planeta. Y apenas va comenzando esta nueva etapa.
A sus 80 años, Rod Stewart continúa demostrando que el rock no tiene fecha de caducidad, aunque la salud a veces impone pausas. El legendario cantante anunció que reprogramó su show del 26 de mayo en Las Vegas por sentirse indispuesto, informando a sus fans que los boletos serán válidos para la nueva fecha: 10 de junio.
Este concierto será el cierre de su actual residencia en The Colosseum at Caesars Palace, antes de regresar en septiembre y octubre para más presentaciones. Mientras tanto, le quedan cuatro fechas en su actual etapa de The Encore Shows, con el próximo show agendado para este jueves.
Pero lo más esperado viene a fin de mes: Rod Stewart subirá al icónico Pyramid Stage del Festival Glastonbury el 29 de junio, ocupando el codiciado legends slot, acompañado por su excompañero de Faces, Ronnie Wood. Será su primera vez en ese escenario desde 2002 y promete ser un momento emotivo para los fans del rock clásico.
Tras Glastonbury, Stewart emprenderá su gira “One Last Time” por EE.UU. en julio y agosto, la cual ha declarado como su último tour a gran escala. Eso sí, aclaró que no piensa retirarse, sino enfocarse en conciertos más íntimos.
Una canción que une beats electrónicos con emoción pura y que no ha envejecido ni un solo segundo.
En 1988, cuando el synth-pop ya dominaba las pistas de baile y la radio, Erasure lanzó “Chains of Love” y todo cambió. No era solo otro éxito con sintetizadores: tenía alma, mensaje y una melodía tan poderosa que aún hoy, al escucharla, sentimos que estamos en plena era dorada del pop ochentero. Fue una joya que encapsuló el sonido de su tiempo, pero con una frescura tan atemporal que podría haber salido ayer.
Con Vince Clarke en la producción —ex miembro de Depeche Mode y Yazoo— y Andy Bell en la voz, el dúo encontró el equilibrio perfecto entre lo bailable y lo emotivo. “Chains of Love” se convirtió en su carta de presentación global y es, hasta hoy, un himno pop que nunca pierde brillo.
Una canción con corazón y beats
Lo que hizo única a “Chains of Love” fue su mezcla de energía electrónica con una letra que hablaba de romper barreras, de liberarse del miedo a amar. Era synth-pop con causa, en una época en la que la visibilidad LGBTQ+ apenas comenzaba a encontrar espacio en el mainstream. Andy Bell, abiertamente gay desde el inicio, le puso alma y verdad a cada palabra, algo poco común en la música pop comercial del momento.
Vince Clarke: el genio detrás del sonido
No podemos hablar de esta canción sin destacar a Vince Clarke, arquitecto del sonido de Erasure. Ya había revolucionado la electrónica con Depeche Mode y Yazoo, pero fue con Erasure donde encontró el vehículo ideal para crear melodías pop luminosas con una estructura emocional sólida. Los sintetizadores de “Chains of Love” no son fríos; son cálidos, expansivos y cargados de sentimiento.
Un coro que se te queda para siempre
“Do you remember, there was a time… when people on the street were walking hand in hand in hand?” Esa línea, acompañada por uno de los coros más pegajosos del pop británico, tiene una fuerza nostálgica que atraviesa décadas. Es de esas canciones que puedes cantar en automático, pero también detenerte a escuchar con atención y descubrir nuevas capas de significado.
Un clásico que nunca se fue
Aunque Erasure tuvo muchos éxitos (como “A Little Respect” o “Always”), “Chains of Love” fue el punto de inflexión. Hoy, a más de 35 años de su lanzamiento, sigue siendo una favorita en playlists, fiestas temáticas y corazones nostálgicos. Es más que una canción: es una cápsula de tiempo emocional que conecta pasado y presente con pura elegancia electrónica.
Erasure y el legado de una canción inmortal
“Chains of Love” no solo marcó un hito para Erasure, también ayudó a definir el synth-pop de los 80 como algo profundamente humano. Hoy sigue sonando igual de fresca, igual de necesaria, igual de bella. Porque algunas canciones no pasan de moda… simplemente se vuelven eternas.
Una canción que casi no sale como sencillo… y terminó definiendo el synth-pop de los 80.
En 1981, cuando The Human League lanzó “Don’t You Want Me”, nadie —ni siquiera ellos mismos— esperaba que se convirtiera en un fenómeno global. De hecho, su vocalista, Phil Oakey, no quería incluirla como sencillo, y mucho menos como cierre del álbum Dare. Pero el destino (y el oído afilado de su disquera) tenía otros planes: el tema no solo alcanzó el número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, también definió el sonido y la estética de toda una década.
Con su pegajoso sintetizador, su estructura a dos voces y un videoclip que parecía una mini película noir, “Don’t You Want Me” se convirtió en un ícono del synth-pop ochentero. Pero detrás de su beat bailable hay una historia curiosa de peleas creativas, decisiones arriesgadas y magia musical inesperada.
Una canción que nació de la tensión creativa
Phil Oakey escribió la canción inspirado en una historia clásica: chico descubre a una chica, la ayuda a alcanzar el éxito… y luego ella ya no lo necesita. Aunque él no la veía como una gran apuesta, la disquera pensaba distinto. La tensión entre ambas partes fue tan fuerte que Oakey insistió en que el sencillo llevara un mensaje en la portada que decía: “Estamos totalmente en contra del lanzamiento de este sencillo, pero se hace bajo presión”. Ironic twist: fue el mayor éxito de su carrera.
La fórmula mágica: dos voces, dos puntos de vista
Lo que hizo única a “Don’t You Want Me” fue su estructura de dúo: Oakey cantaba el punto de vista del hombre herido, mientras que Susan Ann Sulley respondía con una serenidad implacable. Esta narrativa de ida y vuelta creó un drama sonoro irresistible, donde cada quien podía tomar partido en la historia.
Un videoclip adelantado a su época
En plena explosión de MTV, el video de “Don’t You Want Me” usó un estilo cinematográfico que lo diferenció de otros. En lugar de solo mostrar a la banda cantando, lo convirtieron en un thriller breve, con giros, estética noir y una narrativa visual sofisticada. Fue clave para captar una nueva generación de fans visuales.
El impacto: una canción más grande que su tiempo
No solo fue el sencillo más exitoso de The Human League, también se convirtió en un símbolo de la música electrónica accesible, emocional y pop. Desde entonces ha aparecido en películas, series, comerciales y playlists nostálgicas de todo el mundo. Su legado sigue creciendo… a pesar de que casi no ve la luz.
De despreciada a legendaria: “Don’t You Want Me” vive para siempre
Lo que empezó como un sencillo casi descartado terminó siendo una joya inmortal. “Don’t You Want Me” no solo representa lo mejor del synth-pop, también nos recuerda que el instinto no siempre acierta… y que la magia del pop muchas veces nace de la sorpresa.
Si eres fan del estilo único de Wes Anderson, prepárate: la Criterion Collection lanzará el 30 de septiembre The Wes Anderson Archive: Ten Films, Twenty-Five Years, una edición de lujo en 4K Ultra HD que reúne sus 10 primeras películas aprobadas por el propio director.
Esta colección especial incluye nuevas restauraciones en 4K de joyas como Bottle Rocket, Rushmore, The Royal Tenenbaums, The Life Aquatic with Steve Zissou, Moonrise Kingdom y The Grand Budapest Hotel, entre otras. Cada cinta será presentada en formato 4K UHD con tecnología Dolby Vision HDR, acompañada también de su versión en Blu-ray.
Pero eso no es todo. Este box set viene cargado con más de 25 horas de material adicional, como comentarios del director, entrevistas exclusivas, escenas eliminadas, documentales, pruebas de animación, audiciones y storyboards. Todo esto se complementa con 10 libros ilustrados y una presentación tipo libro de tela para coleccionistas.
Esta edición no solo celebra 25 años de una filmografía inconfundible, sino que ofrece una mirada profunda al proceso creativo detrás de cada obra. Ya está disponible para preventa en el sitio oficial de Criterion Collection.
Además, Wes Anderson estrenará su próxima película, The Phoenician Scheme, en Estados Unidos este 30 de mayo con un elenco estelar que incluye a Benicio del Toro, Michael Cera, Scarlett Johansson, Tom Hanks y más. El estreno nacional será el 6 de junio.The Wes Anderson Archive es una joya imprescindible para fans del cine de autor. Con una curaduría minuciosa y materiales inéditos, esta colección es el homenaje perfecto al mundo visualmente excéntrico de Anderson. No te quedes sin la tuya.
Si eres fan del universo surrealista de David Lynch, esta es tu oportunidad de tener un pedazo de su legado. Más de 450 artículos de su archivo personal, incluidos objetos icónicos de Twin Peaks y otras cintas de culto, serán subastados en Los Ángeles y en línea a partir del 18 de junio.
La casa Julien’s Auctions, en colaboración con Turner Classic Movies, organiza esta subasta sin precedentes que incluirá desde su famosa cortina roja y alfombra zigzag de la Black Lodge de Twin Peaks, hasta su silla de director, máquina de espresso personal y una gran colección de impresos y memorabilia de sus películas.
Entre los objetos más codiciados está su copia personal en 35mm de Eraserhead, una guitarra consola con cinco brazos personalizada que usaba en su estudio casero, su colección de vinilos de Blue Velvet y hasta un sofá vintage tipo boomerang como el que aparece en Lost Highway. También se subastarán cámaras, instrumentos, libros y ropa.
Esta subasta no solo celebra la vida y obra del director, quien falleció en enero de 2025 a los 78 años, sino que también ofrece a fans y coleccionistas piezas irrepetibles de su universo creativo.
Además, a partir de agosto, miembros del elenco original de Twin Peaks se reunirán en una gira por Estados Unidos para homenajear a Lynch, compartir anécdotas y proyectar un video tributo especial.
Esta subasta es una ventana al mundo íntimo de uno de los directores más enigmáticos del cine contemporáneo. Ya sea en línea o en persona, no pierdas la oportunidad de participar en este evento único y rendir homenaje a David Lynch a través de sus objetos más personales.