Para conmemorar el 50 aniversario de su primer show, Talking Heads lanza un nuevo video musical de su icónico sencillo “Psycho Killer” (1977), sorprendiendo a fans tras más de 40 años sin presentarse juntos. La banda, que se disolvió oficialmente en 1991, volvió a generar expectativa con este lanzamiento dirigido por Mike Mills y protagonizado por la actriz Saoirse Ronan.

El video muestra a una joven que se transforma día a día mientras realiza su rutina, interpretada por Ronan, quien expresó su emoción por colaborar en un proyecto tan especial: “Crecer escuchando a Talking Heads hace que este video sea un sueño cumplido para mí”. Por su parte, Mills destacó la oportunidad única de trabajar con la banda y la actriz, calificando la experiencia como uno de sus mejores proyectos creativos.

Los integrantes David Byrne, Tina Weymouth, Jerry Harrison y Chris Frantz se declararon fascinados con el resultado, valorando que el video no cae en clichés ni literalidades, sino que potencia la esencia disruptiva de la canción. Aunque la banda se reunió brevemente en 2023 para celebrar el 40 aniversario del documental ‘Stop Making Sense’, descartaron planes para una gira o reuniones completas, reafirmando la importancia de preservar la magia única de Talking Heads.

Este lanzamiento es una oportunidad única para revivir la innovación y frescura que definieron a Talking Heads, demostrando que su legado sigue vigente y capaz de sorprender incluso después de cinco décadas.

El icónico Morrissey regresa a los escenarios mexicanos con un show inolvidable en Halloween en el Palacio de los Deportes y otra fecha en Guadalajara.

Morrissey, una de las figuras más influyentes del pop británico, anunció su regreso a México como parte de su gira mundial 2025-2026. El artista se presentará el próximo 31 de octubre en el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México y el 4 de noviembre en el Auditorio Telmex en Guadalajara, encendiendo la emoción de sus fans con un espectáculo que promete ser memorable.

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Morrissey es reconocido por su legado musical tanto como vocalista de The Smiths como en su exitosa carrera solista. Con himnos como “Suedehead”, “Everyday Is Like Sunday”, y “First of the Gang to Die”, ha dejado huella en varias generaciones. Además, recientemente fue galardonado con el Premio Social Vanguard 2024 por su compromiso con los derechos de los animales.

El tour mundial de Morrissey incluye presentaciones en Canadá, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Chile, Perú y varias ciudades de Europa y América, consolidando su vigencia y el cariño del público internacional.

El regreso de Morrissey a México en 2025 será una oportunidad única para revivir los clásicos que marcaron la historia del pop británico y disfrutar de la presencia de una leyenda viva en dos noches que prometen ser épicas.

Chappell Roan encendió el escenario de Primavera Sound en Barcelona con una impactante versión del clásico “Barracuda” de Heart, reafirmando su talento y conexión con el público.

Durante su presentación estelar en Primavera Sound Barcelona, Chappell Roan emocionó al público con una electrizante interpretación de “Barracuda” de Heart. Después de cantar su éxito “HOT TO GO!”, la artista sorprendió con este cover que ya había presentado antes en Austin City Limits 2024 y que ha descrito como una de sus canciones favoritas.

chappell roan performing a cover of ‘barracuda’ by heart at primavera sound barcelona pic.twitter.com/SX3RVmP9m5

— best of chappell roan (@bestofchappell) June 7, 2025

El set de la llamada Midwest Princess también incluyó temas como “Naked in Manhattan”, “After Midnight”, “My Kink is Karma” y cerró con la vibrante “Pink Pony Club”, consolidando una noche inolvidable para sus fans europeos.

Chappell Roan sigue cosechando éxitos desde el lanzamiento de su álbum debut The Rise and Fall of a Midwest Princess en 2023. Este año, ganó el Grammy a Mejor Artista Nuevo, donde aprovechó su discurso para pedir condiciones laborales dignas para los músicos, incluyendo sueldos justos y acceso a servicios de salud.

La artista continuará de gira por Europa y Reino Unido este agosto y cerrará el año en noviembre como una de las cabezas de cartel del festival Corona Capital en la Ciudad de México, una presentación muy esperada por sus fans mexicanos.

Su crecimiento imparable y su estilo auténtico la posicionan como una de las artistas más emocionantes del momento, tanto por su música como por su voz social.

El líder de Green Day se solidariza con las protestas pacíficas contra las operaciones de inmigración en Los Ángeles y lanza un mensaje contundente en redes sociales.

Billie Joe Armstrong, vocalista de Green Day, se pronunció en Instagram a favor de los manifestantes que protestan contra las recientes operaciones del Departamento de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) en Los Ángeles. Las protestas comenzaron el 6 de junio y se extendieron durante todo el fin de semana, con ciudadanos exigiendo el fin de las redadas en centros de trabajo por presuntas violaciones migratorias.

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En sus publicaciones, Armstrong compartió videos de las protestas —incluyendo imágenes de un auto autónomo incendiado— usando como soundtrack la canción “Fuck Off” de Green Day, acompañada de un emoji de dedo medio y un cubo de hielo, como referencia directa a ICE.

La respuesta de Armstrong ha sido aplaudida por sus seguidores, quienes lo reconocen por “estar siempre del lado correcto de la historia”. Otros artistas como Finneas también se sumaron al movimiento, condenando públicamente las acciones de ICE y ofreciendo recursos a miembros de la Guardia Nacional que no deseen participar en las operaciones ordenadas por Trump.

Las protestas, inicialmente pacíficas, se tornaron violentas tras la intervención de la Guardia Nacional. Al menos 60 personas fueron arrestadas en San Francisco tras enfrentamientos recientes.

Green Day, conocidos por su postura crítica hacia Donald Trump desde 2016, sigue usando su música y su voz para expresar su rechazo a las políticas que consideran injustas y autoritarias.

El cantante británico sigue enfrentando complicaciones de salud y ha cancelado más conciertos en Las Vegas y otras ciudades de EE. UU.

Rod Stewart continúa luchando contra la gripe que lo ha mantenido alejado de los escenarios. A través de sus redes sociales, el legendario cantante británico anunció la cancelación de cuatro conciertos y la reprogramación de otros dos como parte de su gira por Estados Unidos.

El ícono de 80 años compartió que necesita más tiempo para recuperarse por completo. “Estoy devastado y me disculpo sinceramente por cualquier inconveniente. Estaré de regreso en el escenario pronto”, escribió Stewart en Instagram. Los shows cancelados incluyen tres presentaciones en su residencia en Las Vegas (7, 8 y 10 de junio) y una fecha en Lake Tahoe el 14 de junio.

Además, sus conciertos programados en Rancho Mirage y Paso Robles en California fueron reprogramados para el 20 y 21 de septiembre, respectivamente. Estos anuncios se suman a las recientes cancelaciones de los shows del 1 y 5 de junio en Las Vegas debido a la misma enfermedad.

A pesar de estos contratiempos, Rod Stewart sigue preparándose para su esperada presentación en el Glastonbury Festival este 29 de junio, donde compartirá escenario con Ronnie Wood, su excompañero en la banda Faces. Este reencuentro promete ser uno de los momentos más destacados del festival, que también contará con artistas como The 1975, Neil Young y Olivia Rodrigo.

Después de Glastonbury, Stewart planea regresar a Norteamérica en julio para continuar su gira por Estados Unidos y Canadá, retomar su residencia en Las Vegas en septiembre y visitar Sudamérica y Europa antes de cerrar el año.

Una canción que no solo se canta, se grita con el alma. Y que en los 80, lo tenía todo.

En 1982, Laura Branigan no solo lanzó un sencillo… lanzó una explosión sonora. “Gloria” es una de esas canciones que se sienten más grandes que la vida: con sintetizadores intensos, una letra misteriosa y una voz que podría romper vidrios, este hit se convirtió en un clásico instantáneo. Fue poderosa, glamorosa y dramática, justo como el pop ochentero en su mejor momento.

Aunque originalmente es una adaptación de una canción italiana de Umberto Tozzi, Branigan la reinventó por completo con una interpretación que era puro fuego. Su energía vocal, combinada con la producción synth pop que dominaba la época, la convirtió en una de las voces más reconocibles (y respetadas) de los 80, aunque muchas veces subestimada.

Un power vocal que definió una era

Laura no solo cantaba, arrasaba. Su interpretación en “Gloria” está cargada de intensidad emocional, como si estuviera en una conversación urgente con alguien que no quiere escuchar. Esa mezcla de desespero, fuerza y sensualidad conectó al instante con una generación que también vivía al límite emocional.

¿Pero quién es Gloria? La eterna incógnita

La canción nunca aclara quién es Gloria. ¿Es una mujer que perdió el rumbo? ¿Una amiga imaginaria? ¿Una versión del yo interior? Esa ambigüedad fue parte de su encanto. La letra es casi un grito de advertencia, como si Laura nos suplicara no convertirnos en ella. Misteriosa, intensa y adictiva.

Del club al cine y de regreso al karaoke

“Gloria” se convirtió en himno en clubes nocturnos, apareció en películas como Flashdance y aún vive en cada sesión de karaoke con alma ochentera. Fue un éxito en Billboard, sonó en Europa, y su legado se mantiene tan brillante como su sintetizador principal.

Una canción eterna para gritar con el corazón

No importa si la descubriste en los 80, en una peli, o gracias a tus papás: “Gloria” es de esas canciones que siguen emocionando como la primera vez. Porque a veces, lo único que necesitamos es gritar el nombre de alguien a todo pulmón… y sentir que el drama también se puede bailar.

Parecía inocente… pero escondía una potente crítica al miedo nuclear de los 80.

A primera escucha, “99 Luftballons” suena como un tema pegajoso y ligero con sintetizadores ochenteros, perfecto para la pista de baile. Pero detrás de ese coro inolvidable y esos globos flotando al cielo, se esconde una crítica poderosa a la paranoia militar de la Guerra Fría. Lanzada en 1983 por la banda alemana Nena, esta canción se convirtió —sin proponérselo del todo— en un himno antibélico global.

Su historia arranca cuando los miembros de la banda vieron globos volando durante un concierto de los Rolling Stones. Esa imagen los inspiró a imaginar un escenario distópico: ¿qué pasaría si los globos fueran confundidos con una amenaza aérea? La canción plantea cómo un gesto inocente puede desencadenar una guerra nuclear absurda y devastadora. Nada más ochentero que eso: bailar al borde del apocalipsis.

Un hit en alemán que conquistó el mundo

Aunque su letra original está en alemán, el mensaje de “99 Luftballons” fue tan claro y potente que traspasó fronteras sin necesidad de traducción. Aun así, en 1984 se lanzó una versión en inglés titulada “99 Red Balloons”, que también fue un éxito, aunque muchos fans aún prefieren la crudeza poética de la versión original.

El poder de la música pop como protesta

En plena Guerra Fría, con Reagan y la URSS tensando la cuerda, Nena logró colarse en los charts de medio planeta con una canción política, disfrazada de hit pop. Fue una hazaña única: una canción antibélica hecha por una banda alemana joven, con una estética colorida y new wave, que terminó siendo parte de la conciencia colectiva de toda una generación.

Mucho más que un one-hit wonder

Aunque muchos en el mundo anglosajón conocieron a Nena solo por este tema, en Alemania la banda (y su vocalista) mantuvo una carrera sólida. Sin embargo, “99 Luftballons” se volvió su carta de presentación eterna… y eso no está nada mal cuando logras escribir una canción que sigue sonando actual y necesaria, décadas después.

Un clásico que flota sobre el tiempo

Hoy, “99 Luftballons” no solo vive en playlists nostálgicas, también sigue siendo un recordatorio musical de que hasta el pop más bailable puede tener un mensaje fuerte y claro. Porque a veces, basta con soltar unos globos al cielo para exponer lo frágil que puede ser la paz.

La bailabas con ganas, pero… ¿ya te habías dado cuenta de lo intensa (y oscura) que era la letra?

Lanzada en 1984, “Obsession” de Animotion fue un éxito instantáneo en la era dorada del synth pop. Con su beat pegajoso, estética de videoclip ultramoderno y ese intercambio vocal cargado de deseo, la canción se instaló en MTV y en todas las pistas de baile. Pero más allá de lo pegajoso del ritmo, la letra nos hablaba de algo mucho más retorcido: una relación marcada por la adicción emocional, la dependencia y la idealización tóxica.

Una historia de deseo… llevada al extremo

“Obsession” es literalmente eso: una declaración cruda de alguien que no puede dejar de pensar en otra persona. Frases como “You are an obsession / You’re my obsession” y “I will have you / Yes, I will have you” no dejan mucho espacio a interpretaciones suaves. Habla de deseo, sí… pero también de control, de pérdida de límites y de una urgencia casi enfermiza por poseer al otro. Todo disfrazado con sintetizadores irresistibles y una vibra ochentera que lo hacía digerible (y bailable).

El synth pop como vehículo del drama emocional

En los 80, el pop no solo era brillo y baile. Muchos hits escondían emociones intensas detrás de beats bailables. “Obsession” es uno de los ejemplos más claros: un tema oscuro, casi claustrofóbico, envuelto en sintetizadores seductores que lo hacían sonar inofensivo… hasta que le ponías atención real a la letra.

Éxito mundial y legado duradero

Animotion tal vez no tuvo una larga lista de éxitos, pero con esta canción marcaron a toda una generación. Sonó en radios, películas, anuncios, videojuegos y hasta en series como American Horror Story. “Obsession” no solo resistió el paso del tiempo: se volvió un referente pop de los amores obsesivos, esos que sabes que están mal pero no puedes dejar de revivir (o cantar).

El oscuro encanto de los 80

“Obsession” representa esa mezcla que tanto amamos de los 80: luces de neón, drama emocional, moda exagerada y letras que hoy suenan más intensas de lo que recordábamos. Un himno del amor tóxico que nadie se atrevía a señalar, pero que todas y todos seguimos bailando.

Una balada que suena a consuelo, pero esconde incertidumbre, nostalgia y resistencia emocional.

En 1986, “Don’t Dream It’s Over” llegó como una ráfaga suave entre tanta estridencia pop de los 80. Con una melodía cálida, una guitarra relajante y la voz serena de Neil Finn, esta canción se convirtió en un himno silencioso de esperanza… aunque en realidad está cargada de melancolía, resignación y lucha interna. No es una canción de amor feliz, ni de ruptura dramática. Es un retrato sutil del desgaste, del “aún no se acaba, pero duele”.

¿De qué trata realmente esta canción?

Aunque muchos la interpretan como una declaración de amor esperanzadora, “Don’t Dream It’s Over” tiene un trasfondo más incierto. Las letras hablan de muros entre nosotros, de distracciones y batallas internas. Es como si alguien estuviera aferrándose a algo que ya se tambalea, tratando de convencerse de no rendirse. Neil Finn ha dicho que escribió la canción como una reflexión sobre la resistencia: mantenerse firme cuando todo parece desmoronarse. Eso le da una belleza triste… pero poderosa.

Una producción minimalista, pero emocionalmente intensa

El sonido de “Don’t Dream It’s Over” es contenido, casi introspectivo. No hay explosión de sintetizadores ni solos grandilocuentes. Esa sobriedad la hace aún más profunda: deja que el sentimiento hable por sí solo. La canción suena como una carta no enviada, como un pensamiento que te acompaña en silencio en medio de la noche.

De Nueva Zelanda al mundo (y más allá)

Crowded House nació entre Australia y Nueva Zelanda, pero esta canción les dio una entrada triunfal a las listas internacionales. Llegó al número 2 del Billboard Hot 100 en EE. UU. y se convirtió en un clásico atemporal. Incluso artistas como Miley Cyrus y Ariana Grande han hecho covers, recordando su vigencia emocional y estética incluso entre generaciones más jóvenes.

El tipo de canción que te abraza… y también te rompe

“Don’t Dream It’s Over” tiene ese efecto de las canciones especiales: te hace sentir acompañado, incluso cuando estás en plena duda. Por eso ha perdurado. Es una canción que no grita, pero se queda contigo. Y a veces, ese tipo de melodías son las que más sanan.

Una canción sutil, elegante y melancólica que dijo más con menos… y se volvió inolvidable.

En medio del estallido synth-pop y los excesos de los 80, una canción suiza vino a romper la regla con elegancia, calma y una melancolía sofisticada. “The Captain of Her Heart”, del dúo Double, no gritaba para ser escuchada, pero aún así, se convirtió en un clásico silencioso que cruzó fronteras. Su atmósfera minimalista y su piano hipnótico crearon un mood que atrapó al mundo entero. Y sí, hasta hoy sigue sonando como una escena de película.

Una historia de distancia emocional… contada con clase

La letra parece sacada de una novela corta: una mujer cansada de esperar, un adiós sin dramatismos, y un corazón que se suelta sin hacer ruido. Lo brillante de “Captain of Her Heart” es que todo su drama está contenido. No hay gritos, no hay súplicas. Solo aceptación y un dejo de tristeza. Y eso la hace aún más poderosa.

El sonido que no se parece a nadie más

Double (sí, eran suizos) apostó por un estilo jazzeado, con toques de pop suave, un bajo elegante y un solo de piano inolvidable. Nada de beats acelerados ni sintetizadores cargados. Este track suena como una copa de vino en una noche lluviosa. En una década de excesos, su sobriedad destacó.

Un éxito global… y un caso de one-hit wonder

Lanzada en 1985, “The Captain of Her Heart” se convirtió en un hit en Europa y Estados Unidos. Llegó al Top 10 en el Reino Unido y al Top 20 del Billboard Hot 100. Pero como suele pasar con algunas joyas, Double no pudo repetir el éxito. Aún así, dejaron un legado con una sola canción que sigue sonando en playlists nostálgicas y soundtracks con clase.

¿Por qué sigue funcionando décadas después?

Porque hay canciones que envejecen bien. Esta es una de ellas. Su tono maduro, su ritmo lento y su atmósfera cinematográfica la hacen perfecta para reflexionar, recordar o simplemente dejarse llevar. No grita “¡soy de los 80!”, pero tiene todo el corazón de esa década.