El Estadio GNP Seguros vuelve a brillar en el mapa global. La revista especializada Pollstar lo ha nombrado el estadio de conciertos número uno a nivel mundial, reafirmando el liderazgo de México en la industria del entretenimiento en vivo.
En su más reciente ranking, Pollstar destacó al Estadio GNP Seguros no solo por su capacidad para albergar a 65,000 personas, sino también por su infraestructura de primer nivel y su impacto en la experiencia de los fans. Este reconocimiento también posiciona a OCESA como uno de los promotores más importantes del planeta.
México se ha convertido en una parada clave para las giras internacionales, atrayendo a artistas de talla mundial como Taylor Swift, Paul McCartney, Shakira, Bruno Mars, Metallica, The Killers y próximamente, las ocho fechas sold out de Bad Bunny. La Ciudad de México ya es un destino imprescindible para los grandes espectáculos.
El éxito del Estadio GNP Seguros no es casualidad. Su historia está marcada por momentos inolvidables que han conectado a millones de fans con sus artistas favoritos, consolidándose como un espacio de referencia en la industria musical global.
Este reconocimiento demuestra que México no solo es un público apasionado, sino también un motor esencial en la agenda de las giras más importantes del mundo.
Después de casi dos décadas, Sting y Andy Summers, integrantes de The Police, se han reunido para grabar una nueva versión de “Murder by Numbers”, tema que originalmente apareció como bonus track en el álbum Synchronicity (1983). Este reencuentro ha emocionado a fans de todo el mundo.
La nueva versión, ahora con un toque de big band jazz, es parte del próximo álbum Without Further Ado, Vol. 1 del bajista Christian McBride, que se lanzará el 29 de agosto. Sting vuelve a brillar con su inconfundible voz mientras Summers aporta su icónica guitarra, demostrando que su química sigue intacta.
Christian McBride expresó su entusiasmo al trabajar con estas leyendas del rock, destacando la evolución artística de Sting y la pasión inalterable de Summers. Además, agradeció la colaboración del percusionista Pedrito Martínez, quien le dio un toque especial a la canción.
Este es el primer proyecto que une a Sting y Summers desde la exitosa gira de reunión de The Police en 2007-2008. Además, Summers ha colaborado anteriormente en discos solistas de Sting y viceversa, manteniendo siempre una conexión musical cercana.
Actualmente, Sting se encuentra de gira por Europa con su tour 3.0, regresando al formato de trío que lo hizo famoso con The Police. A finales de este año, continuará su gira por Estados Unidos, con fechas confirmadas de noviembre en Florida y Chicago.
Este reencuentro no solo revive la nostalgia de los fans, también demuestra que la esencia de The Police sigue viva, ahora con un toque fresco y elegante.
Paul McCartney es una leyenda viviente, pero ni siquiera los más grandes se salvan de cometer errores. A lo largo de su carrera, algunos de sus discos fueron duramente criticados, aunque con el tiempo sus fans los han defendido con pasión. Aquí te contamos sobre esos álbumes que la prensa destruyó, pero que el público convirtió en tesoros ocultos.
Wild Life (1971): El debut criticado de Wings
Después de The Beatles, Paul McCartney formó Wings, pero su primer álbum Wild Life no fue precisamente aclamado. La crítica lo llamó “apresurado” y “falto de dirección”. Sin embargo, con los años, canciones como Tomorrow y Dear Friend se ganaron el cariño de los fans, quienes hoy lo ven como una pieza honesta y experimental.
McCartney II (1980): De “raro” a disco de culto
Cuando McCartney lanzó McCartney II, muchos no entendieron su apuesta por los sintetizadores y los sonidos electrónicos. Fue tachado de aburrido y extraño. Pero en décadas recientes, este disco ha sido reivindicado por las nuevas generaciones y ahora es considerado un trabajo adelantado a su tiempo, con joyas como Coming Up y Temporary Secretary.
Press to Play (1986): El más criticado de su carrera
Este álbum es probablemente uno de los más vapuleados por la crítica. Press to Play fue acusado de ser genérico y sin alma, pero hoy tiene una base de fans que lo consideran un disco incomprendido, con temas como Only Love Remains que siguen tocando fibras sensibles.
¿Error o arte incomprendido?
Estos “tropiezos” de Paul McCartney demuestran que lo que un día se considera un fracaso, con el tiempo puede convertirse en un favorito del público. A veces, las obras más valientes tardan en ser entendidas, y Paul siempre ha tenido la valentía de arriesgarse sin miedo al qué dirán.
¿Sabías que una de las canciones más queridas de Paul McCartney en Latinoamérica fue escrita pensando en nosotras y nosotros? Hope of Deliverance no solo se convirtió en un himno de esperanza, también fue una carta de amor directa a sus fans latinos. Aquí te contamos cómo esta joya del ex Beatle nos conquistó para siempre.
Una canción que no fue éxito en casa… pero sí en Latinoamérica
En 1993, Paul McCartney lanzó Hope of Deliverance como parte de su álbum Off the Ground. Aunque en Reino Unido y Estados Unidos la canción tuvo un éxito moderado, en países como México, Colombia, Argentina y Brasil se volvió un verdadero fenómeno radial. McCartney, sorprendido por esta conexión, reconoció que el público latino fue quien realmente la abrazó con fuerza.
¿Por qué conectó tanto con los fans latinos?
La respuesta está en la vibra optimista, el mensaje de esperanza y ese toque rítmico que casi se siente como un guiño a los sonidos latinos. La melodía sencilla y pegajosa, acompañada de una letra que habla de encontrar la luz en los momentos difíciles, resonó profundamente en un continente que siempre ha sabido bailar entre la alegría y la adversidad.
Un himno en sus conciertos por Latinoamérica
Paul McCartney no tardó en notar la euforia que generaba esta canción en sus conciertos en Latinoamérica. Desde entonces, Hope of Deliverance se convirtió en una parada obligatoria en sus setlists cuando pisa tierras latinas, y el propio Paul ha confesado que la energía de las audiencias latinas cuando interpreta esta canción es algo que lo sigue emocionando cada vez.
La conexión sigue viva
Aunque han pasado más de 30 años desde su lanzamiento, Hope of Deliverance sigue siendo una de las favoritas en nuestros países. La canción ha trascendido generaciones, y para muchos fans latinos es el himno que nos recuerda que, incluso en los tiempos más oscuros, siempre hay una esperanza de liberación.
Un día como hoy pero de 1948, Columbia Records revolucionó la industria de la música al introducir el LP de vinilo de 33 ⅓ RPM. Su primer lanzamiento en el nuevo formato fue el Concierto para violín en mi menor de Felix Mendelssohn, dirigido por Bruno Walter e interpretado por la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Antes de esto, la música solo estaba disponible en discos de pizarra de 78 RPM, que permitían solo una canción por lado. Con la producción en masa de LPs de vinilo, los fanáticos de la música podían disfrutar cómodamente de un álbum completo en un solo disco. Este siguió siendo el formato estándar para álbumes hasta finales de los años 70, cuando el cassette se convirtió en una forma mucho más conveniente (y portátil) de disfrutar de la música.
Los discos de vinilo tienen sus raíces en el siglo XIX, cuando Thomas Edison inventó el fonógrafo en 1877, el primer dispositivo capaz de grabar y reproducir sonido. Aquellos primeros cilindros de cera evolucionaron hasta convertirse en discos planos de goma laca a principios del siglo XX, popularizados por la compañía Victor Talking Machine.
Sin embargo, fue en 1948 cuando la empresa Columbia Records revolucionó la industria con la introducción del disco de vinilo de 33⅓ revoluciones por minuto (RPM), conocido como LP (long play), fabricado en un material plástico más ligero y duradero: el vinilo. Un año después, RCA lanzó el formato de 45 RPM, ideal para sencillos.
Los vinilos ofrecían mejor fidelidad de sonido y más duración que sus antecesores, convirtiéndose en el formato dominante para la música grabada entre los años 50 y 80. Permitieron a los artistas construir álbumes completos con una narrativa musical y visual, gracias a sus icónicas portadas.
En los años 80, con la llegada del cassette y posteriormente del CD, el vinilo perdió popularidad, pero nunca desapareció del todo. Desde principios del siglo XXI ha experimentado un renacimiento, especialmente entre coleccionistas, audiófilos y nuevas generaciones que valoran su sonido cálido y su valor artístico.
Hoy en día, los discos de vinilo no solo son un formato nostálgico, sino también un símbolo de calidad, arte y conexión con la música en su forma más tangible.
Datos de ventas y popularidad del vinilo
Récord en ventas recientes En 2023, los vinilos superaron por primera vez a los CDs en ventas en Estados Unidos desde 1987. Se vendieron más de 43 millones de discos de vinilo, representando casi el 45% de todas las ventas físicas de música.
Crecimiento sostenido Las ventas de vinilos han aumentado durante más de 15 años consecutivos, impulsadas por la nostalgia, la cultura del coleccionismo y la apreciación por el sonido analógico.
Álbumes más vendidos en vinilo (2023)
Midnights – Taylor Swift
1989 (Taylor’s Version) – Taylor Swift
The Dark Side of the Moon – Pink Floyd
Abbey Road – The Beatles Esto demuestra cómo tanto artistas actuales como clásicos dominan el mercado del vinilo.
Mercado millonario A nivel global, las ventas de vinilos generaron más de 1.2 mil millones de dólares en ingresos durante 2023, consolidando su posición como formato físico líder.
Ringo Starr no dudó en respaldar a su hijo Zak Starkey después de que fuera despedido de The Who por segunda vez este año. En una entrevista para Rolling Stone, Zak contó cómo vivió este proceso y cómo su padre, ex Beatle, fue clave para mantenerlo firme en medio del conflicto con la legendaria banda.
Zak Starkey relató que, tras ser despedido, buscó el consejo de su padre, quien siempre lo apoyó y lo animó a defenderse. Cuando le preguntaron a Ringo qué opinaba de la situación, fue contundente: “Nunca me ha gustado cómo ese pequeño hombre dirige la banda”, haciendo referencia a Roger Daltrey, líder de The Who.
A pesar del drama, Zak aclaró que no guarda rencor ni hacia Daltrey ni hacia Pete Townshend, aunque los describió como “adictos al conflicto” y “totalmente locos”. Según él, estas cosas son parte de la historia de The Who, una banda famosa por sus momentos caóticos y sus roces internos.
Actualmente, Zak está concentrada en su proyecto Mantra of the Cosmos, donde comparte escenario con miembros de Happy Mondays, Ride y Oasis. Además, sorprendió al colaborar con Sean Ono Lennon y James McCartney, hijos de John Lennon y Paul McCartney, en la canción “Rip Off”.
Aunque no se unirá a la gira de reunión de Oasis en 2025, Zak sigue activo en la música y agradece el respaldo de su padre, demostrando que la conexión Beatle se mantiene viva en la siguiente generación. Por su parte, The Who arrancará su gira de despedida en Norteamérica este agosto.
Dolly Parton, ícono de la música country y estrella de cine, será homenajeada con un Oscar honorífico en los Governors Awards 2025, que se celebrarán el 16 de noviembre en Hollywood. Este reconocimiento destaca su invaluable labor humanitaria y su compromiso con la educación a través de su fundación y la Imagination Library.
El galardón que recibirá es el Jean Hersholt Humanitarian Award, que celebra décadas de trabajo filantrópico por parte de Dolly. Su iniciativa Imagination Library ha distribuido millones de libros gratuitos para niños en todo el mundo, dejando una huella profunda en la educación y el acceso a la lectura.
Además de su impacto social, Dolly Parton ha brillado en el cine con cintas como 9 to 5, Rhinestone y Steel Magnolias, consolidándose como una figura multifacética que ha trascendido la música. Este Oscar la acerca aún más al exclusivo grupo EGOT (ganadores de Emmy, Grammy, Oscar y Tony).
Actualmente, Dolly ya cuenta con 11 premios Grammy y un Emmy. En 2026, su historia de vida será llevada a Broadway en un musical autobiográfico que podría otorgarle un Tony y completar su estatus como EGOT no competitivo, debido a que su Oscar es honorífico.
Este reconocimiento no solo celebra su carrera artística, sino también su gran corazón y su compromiso con las causas sociales que siguen impactando a generaciones enteras.
Rod Stewart, la leyenda británica del rock, confesó el curioso ritual que ha mantenido durante más de 40 años para lograr ese tono rasposo tan característico: ¡gárgaras de ron con Coca-Cola antes de cada show! El cantante compartió este secreto en una entrevista reciente con Radio Times, de cara a su esperada presentación en Glastonbury 2025.
Mientras otros artistas cuidan su voz con té o agua caliente con miel y limón, Stewart ha optado por su inseparable Cuba Libre para calentar motores. “Siempre me hago una pequeña gárgara antes de salir: ron con Coca-Cola. Llevo haciéndolo desde hace 40 años. No lo tomo en ningún otro momento”, declaró el cantante, de 80 años.
Rod aseguró que, a pesar de este peculiar hábito, es muy consciente del cuidado que requieren sus cuerdas vocales: “Las cuerdas vocales necesitan mucha atención. Son absolutamente de oro”. Aunque médicos y especialistas suelen recomendar evitar alcohol antes de cantar, parece que en el caso de Stewart, esta rutina ha sido clave en su carrera.
Además de hablar de su ritual, el británico comentó que sigue disfrutando de una buena bebida y que no piensa frenar su actividad: su apretada gira mundial 2025 sigue en marcha y el público lo espera con emoción en cada ciudad.
Este divertido detalle sobre su vida es un claro reflejo del espíritu rebelde y auténtico que ha acompañado a Rod Stewart durante décadas en los escenarios.
El primer tráiler de Deliver Me from Nowhere, la esperada película sobre Bruce Springsteen, ya está disponible y ha emocionado a fans de todo el mundo. Jeremy Allen White, estrella de The Bear, será el encargado de dar vida al icónico “Boss” en esta cinta que promete mostrar el lado más humano del legendario músico.
Dirigida por Scott Cooper (Crazy Heart) y basada en el libro Deliver Me from Nowhere: The Making of Bruce Springsteen’s Nebraska de Warren Zanes, la película se centrará en la creación del álbum Nebraska, una de las obras más personales y profundas de Springsteen.
Una de las grandes sorpresas es que Jeremy Allen White interpreta todas las canciones del filme con su propia voz. El actor compartió que tuvo la oportunidad de trabajar de cerca con Springsteen, quien se mostró muy involucrado durante el proceso. White incluso describió la experiencia como “abrumadora e increíble” y aseguró sentirse orgulloso del resultado final.
El elenco lo completan Jeremy Strong como Jon Landau, mánager de Springsteen, junto a Paul Walter Hauser, Odessa Young, Marc Maron, Gabby Hoffman, Stephen Graham y Johnny Cannizzaro. La película llegará a los cines el 24 de octubre de 2025 bajo el sello de 20th Century Studios.
Este tráiler marca el inicio de la cuenta regresiva para uno de los estrenos musicales más esperados. La interpretación de Jeremy Allen White promete emocionar tanto a los seguidores de Springsteen como a nuevas generaciones que descubrirán la magia de Nebraska.
Después de dedicar toda su vida al cine, Tom Cruise finalmente será reconocido con un Oscar honorífico en 2025. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que el actor será galardonado durante la 16ª edición de los Governors Awards en noviembre de este año.
Junto a Cruise, también recibirán premios honoríficos la actriz y coreógrafa Debbie Allen, el diseñador de producción Wynn Thomas y la icónica Dolly Parton, quien será reconocida con el Jean Hersholt Humanitarian Award por su incansable labor filantrópica.
Janet Yang, presidenta saliente de la Academia, destacó que Tom Cruise ha inspirado a toda la industria por su compromiso con el cine, la experiencia en salas y la comunidad de dobles de acción. Cruise, quien siempre ha defendido el valor de las películas en la gran pantalla, fue clave para que Top Gun: Maverick se estrenara exclusivamente en cines, algo que Steven Spielberg aplaudió públicamente al decir que “salvó a Hollywood”.
A pesar de haber sido nominado en cuatro ocasiones al Oscar —por Born on the Fourth of July, Jerry Maguire, Magnolia y como productor de Top Gun: Maverick—, el actor nunca había ganado hasta ahora.
Mientras tanto, Cruise sigue protagonizando grandes producciones como Mission: Impossible — The Final Reckoning y ya prepara su siguiente proyecto: una comedia dirigida por Alejandro G. Iñárritu que se estrenará en 2026.
El Oscar honorífico de Tom Cruise es un reconocimiento a décadas de pasión, entrega y películas que han marcado a millones de personas en todo el mundo.